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21 abr. 2019

Las herederas. Historia de una independencia

Sinópsis:

Dos mujeres, que han vivido épocas mejores, se enfrentan  a la decadencia económica vendiendo sus propiedades. La situación se complicará cuando la independiente Chiquita sea encarcelada dejando sola a la introvertida Chela.

Crítica / texto:

Estamos ante la Opera prima de Marcelo Martinessi que ha sido acogida con críticas muy positivas. Ha recorrido con éxito el circuito de festivales y en el proceso ha cosechado múltiples premios, entre ellos dos premios en Berlín. También ha recogido algunos específicos de cine LGTB, incluyendo el Sebastiane Latino de 2018. Pero en mi opinión, la paradoja es que esta película trata menos de una relación homosexual, que es un contexto, y más de una toma de conciencia, de una independencia, de lo que podríamos llamar una floración tardía.


Ésta es una película necesariamente íntima, delicada, de gestos y matices. Ésta es una película de planos cortos, miradas, diálogos y silencios. Ésta es una película de actrices. Ésta es,  además, una película que supera el test de Bechdel. Y sorprende que su director sea un hombre,tanto  por su sensibilidad hacia las mujeres como porque en el reparto no haya prácticamente hombres, y éstos pocos cumplan una función puramente auxiliar. La fotografía acompaña perfectamente la historia, subrayando los estados de ánimo de sus personajes, o quizá de su personaje, de Chela.


Chela y Chiquita son pareja de décadas, a pesar de la convención social. Han vivido momentos mejores y viven, especialmente Chela, de recuerdos. Pero al mismo tiempo,van vendiendo sus propiedades y, con ellas, sus recuerdos. A pesar de la situación no renuncian a su posición social, no renuncian a tener una mujer de servicio, no aceptan ayudas económicas de sus amistades. A través de pequeños gestos descubrimos que, mientras Chiquita es socialmente activa, Chela vive casi recluida, a la sombra de la primera. Chela es la señorita, que no ha tenido que enfrentarse al mundo, a la que ha de prepararse la bandeja de un modo muy concreto, a la que no se permite recoger un vaso roto.


Pero este estado se rompe cuando Chiquita es encarcelada por los problemas de deudas. Y Chela descubre que, le guste o no, ha de enfrentarse a la realidad. Una vecina le pide que la acerque y al llegar le paga. Es su primer momento de producir algo. Es el momento en que inicia un lento camino hacia la independencia, cuando empieza a tomar decisiones y ser la protagonista de su vida. A pesar de la oposición de Chiquita, que en su voluntad protectora anula a Chela, continúa con este servicio de taxi privado. En sus idas y venidas conocerá a Angy, sensual y atrevida, que le hará replantearse muchas cosas y abrirse más al mundo exterior. El trabajo de Ana Brun es magnífico, dando vida a Chela en este proceso de oruga a mariposa, de flor que brota en invierno.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Marcelo Martinessi
  • Guión: Marcelo Martinessi
  • Intérpretes: Ana Brun, Alicia Irún, Ana Ivanova, Nilda González, María Martins, Alicia Guerra
  • País: Paraguay, Francia, Alemania, Noruega, Brasil, Uruguay, Italia
  • Duración: 98 minutos
  • Fotografía: Luis Armando Arteaga

Trailer:

15 mar. 2019

GOTHAM: la exitosa serie de FOX se despide con su QUINTA temporada que se estrenará este mes de Marzo. La CUARTA temporada ya está a la venta en DVD y Blu-ray


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Mientras el universo cinematográfico de DC está a la deriva, las series van viento en popa. Arrow este año estrenará la octava temporada, Flash, por su parte estrenará la sexta pero la que mejor representa este enorme éxito es Gotham que si bien es la que menos temporadas lleva, es la que mejores críticas y audiencia está cosechando. Ya está la venta en DVD y Blu-ray la cuarta temporada mientras que la quinta y última que cierre todos los arcos argumentales abiertos se estrenará en Marzo en FOX.

                Gotham es a Batman lo que Smallville a Superman. Ambas nos cuentan los antecedentes de estos superhéroes de una forma bastante libre y licenciosa con respecto a los cómics. Pero, a diferencia de Smallville, la serie de Gotham es opresiva, oscura, decadente y centrada en los villanos. La temática predominante es la  corrupción, la mafia y el dominio de la ciudad por los modos más bajos. No tiene un protagonista definido. Es más bien una serie coral con multitud de arcos argumentales que se entremezclan y separan entre sí. Las alusiones al mundo del cómic son difíciles de seguir ya que muchos de los personajes están cambiados. Pero se pueden ver trazas libremente interpretadas de sagas como Batman año 1 o Batman un largo Halloween. Pero a la vez también se pueden ver alusiones a las películas de Batman tales como que Oswald Cobblepot se presente a alcalde (en la Temporada 3) como pasara también en la película de Batman Vuelve (Tim Burton, 1992) o la relación entre Bruce y Lucius Fox es muy similar a la vista en la trilogía de Nolan. 

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                Si bien la serie es coral, El personaje central que vertebra toda las tramas es el de James Gordon (Ben McKenzie) y su ascenso en su carrera policial junto a su compañero Harvey Bullock (Donal Logue) relegando a Bruce Wayne (David Mazouz) y su inseparable mayordomo Alfred (Sean Pertwee) a un segundo plano en eternos devaneos existenciales mientras se encamina hacia su conversión en Batman. Paralelamente al de Gordon, vemos el ascenso en el mundo de la mafia de Oswald Cobblepot alias el Pingüino (Robin Lord Taylor). Pero además hay muchos más arcos argumentales como el de Enigma (Cory Michael Smith) Selina Kyle (Camren Bicondova) Bárbara Kean (Erin Richards) Jerome Valeska (Cameron Monaghan), Ivi Pepper (encarnada hasta por tres actrices dada la evolución física del personaje hacia la villana Poison Ivi: Clare Foley en la primera temporada, Maggie Geha para las dos siguientes y en las dos últimas la interpreta Peyton List) o Ra´s Al Ghul (Alexander Siddig) entre otros. Como puede verse, la serie es un crisol de los más famosos enemigos del caballero oscuro. Esta proliferación de arcos y personajes hacen que muchas veces algunos queden en el aire de forma que el personaje aparece episódicamente y cuando su fechoría se resuelve, desaparece para presentar otro villano con otro plan siniestro. Aunque a veces ese personaje puede reaparecer, deja en el espectador una sensación de desamparo.

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             La Cuarta Temporada muestra como principales novedades la inclusión de personajes como Jonathan Crane alias El Espantapájaros (Charlie Tahan), El Profesor Pyg (Michael Cerveris), Ivi Pepper (Peyton List) y, principalmente, la hija de Falcone, Sofía (Christal Reed) dispuesta a arrebatarle el trono a Cobblepot. Paralelamente Enigma encuentra un sitio en los Narrows junto a la Dra. Leslie Thomkins (Morena Baccarin), Butch (Drew Powell) regresa bajo la identidad de Solomon Grundi así como Ra´s Al Ghul empeñado en convertir a Bruce en su heredero y Bárbara, Selina y Tabitha intentan recuperar la gloria perdida de las Gotham Sirens. Pero a medida que esta guerra se va solucionando aparece un peligro mayor cuando Jerome Valeska, Jervis Tetch (Benedict Samuel) Y Jonathan Crane se escapan de Arkham y alistan a villanos como Luciérnaga (Michelle Veintimilla), Mr. Freeze (Nathan Darrow) o los propios Pingüino y Grundi para sembrar el caos. 

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                "En cierto modo, la temporada cinco es una especie de reinicio. Nuestros personajes ya han madurado, están tan bien definidos que creemos, como guionistas, que es el momento adecuado para cambiar la percepción que la gente tiene de ellos. La palabra reinicio se refiere a que, aunque creas que conozcas a la gente, algo cambiará." Con Estas palabras Danny Cannon, creador de la seriepresenta una quinta temporada que promete ser el broche de oro que dejará satisfechos a todos los fans de la serie y de Batman en general. Esta temporada contará con tan solo 12 episodios (a diferencia de las anteriores que todas contaron con 22 episodios) haciendo coincidir el final de la serie con el capítulo 100. Su principal fuente de inspiración son los cómic Batman: Tierra de nadie y Batman: año 0 pero alusiones a la primera película de Tim Burton de 1989 (sobre todo en el capítulo #7) son innegables.  La serie Arranca con una Gotham devastada y sumida en la anarquía donde sus principales villanos se reparten la ciudad creando sus propios feudos del crimen. Este será el caldo de cultivo perfecto para que salgan nuevas alianzas, y surjan nuevos peligros como la aparición de Bane (Shane West), el Ventrilocuo (el Sr. Penn interpretado por Andrew Sellon), Lady Shiva o Magpie (Sarah Schenkkan) o veremos a Jeremiah Valeska (perturbado hermano gemelo de Jerome ya presentado en la anterior temporada también interpretado por Monaghan) convertirse en Joker, o que por fin Bruce Wayne aparezca convertido en Batman que será el colofón final que todo fan espera ver. Un final digno de la serie que se estrenó en Estados Unidos en Enero de este mismo año y que en España estará apunto de estrenarse con la intención de que pueda salir a la venta este mismo verano en DVD y blu-Ray asi como un pack con las cinco temporadas completas. Ojalá la trilogía cinematográfica que prepara Matt Reeves sobre el caballero oscuro siga los pasos y el buen hacer de esta serie que se ha ganado el afecto de la critica, la audiencia y los fans.

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10 mar. 2019

EL DISNEY QUE VIENE. 10 + 1 películas para disfrutar

Aprovechamos el estreno de Capitana Marvel para comentar la oferta de Disney para el año en curso. Sinceramente, si eres de las personas que tiene poco tiempo para ir al cine, podrías dedicarlo entero a esta productora.

CINE DE SUPERHÉROES

Capitana Marvel


La nueva heroína del Universo Marvel llega pegando con fuerza, con Brie Larson como protagonista y con un trasfondo de polémica por el supuesto feminismo del personaje, las declaraciones de Larson, los comentarios de algunos aficionados en las redes… Tiene su cosa que se haya decidido estrenarla un 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer.

La cinta cuenta con un plantel en el que, además de a Larson, tenemos a Samuel L Jackson, un Nick Furia con ambos ojos y más joven (maravillas de los efectos digitales), Jude Law o Anette Bening.


Vengadores: Endgame


El 26 de abril llega a la gran pantalla esta película, continuación de Vengadores: La era de Ultron. Dirigida por los hermanos Russo que ya se encargaron de la anterior y de Capitan America: El soldado de invierno y Capitan America: Civil War.

Parece que cuenta con un increíble despliegue de efectos visuales y con un cameo, quizá el último, del fallecido Stan Lee.


Spiderman: Lejos de casa


Tras recuperar los derechos de Spiderman que tenía Sony, Disney parece decidida a sacar chispas al personaje. Lo ha incorporado en las dos últimas cintas de los vengadores, en Spiderman: Regreso a casa (toda una metáfora de su regreso bajo las alas maternales de Marvel) y ahora Spiderman se va a Europa de vacaciones.

El 5 de julio, distribuida por Sony, la tendremos en las salas y, como si fuera un recordatorio de su vínculo con Marvel, tendrá entre sus personajes a Jackson/Furia.


EN IMAGEN REAL

Tras el éxito de las versiones con actores de Alicia en el país de las maravillas, La bella durmiente, vista por los ojos de Maléfica, la Cenicienta, el Libro de la selva, premiada con un Oscar, Peter y el dragón o  La bella y la bestia, ahora Disney dispara en rápida sucesión tres películas.

Dumbo


Con Tim Burton al timón y con Michael Keaton, Alicia Green, Colin Farrell y Danny DeVito la película promete ser un trabajo interesante. Probablemente menos infantil que otros productos de Disney. Su estreno será el 29 de marzo.



Aladdin



El 24 de mayo se estrena este remake de Aladdin, dirigida por Guy Ritchie, con Will Smith como genio y con Mena Masoud como Aladdin, Naomi Scott como Jasmin y Marwan Kenzari como Jafar.

Hay dos grandes preguntas, qué hará el director de Snatch: Cerdos y diamantes, con un material como éste? Y la otra es, se comerá Smith con su personalidad desbordante, el protagonismo de este trabajo cinematográfico.


El Rey León



No es exactamente imagen real, sino imagen realista, como en El libro de la selva, no en vano la dirige el mismo Jon Favreau. Nombres muy conocidos actúan para ser recubiertos después por CGI. Entre otros Beyoncé, Donald Glover, James Earl, Jones, Chiwetel Ejiofor o Seth Rogen.


Será un éxito como lo fue la animación original? El veredicto lo tendremos a partir del 19 de julio.



UN OUTLIER

Pingüinos


Sin seguridad de su estreno en España, la incluimos por ser algo fresco producto de Disney Nature, la división de documentales. Se estrena en EEUU el 19 de abril y cuenta la historia de Steve, pingüino Adelaida en busca de pareja con intenciones formales.



UNA NOVEDAD

Artemis Fowl



Algo nuevo en la gran pantalla, gracias Disney. Dirigida por Kenneth Branagh, con Judy Dench y el debut de Ferdia Shaw, Artemis Fowl II. Narra la historia de un niño de 12 años que trata de recuperar a su padre y para ello pretende secuestrar a un hada. Lega a los cines en España el 30 de agosto.



SECUELAS

Toy Story 4


El dueño original ya creció, los juguetes van a un cajón, los hijos y quizá nietos suelen comprar juguetes nuevos. Si no se han roto aún, han adquirido valor de colección. ¿No debería plantearse ofrecerlos en eBay?

En serio, nuevas aventuras de Woody, Buzz y Jessie, acompañados ahora de un tenedor-cuchara llamado Forky. A partir del 21 de junio sabremos si esta nueva vuelta de tuerca ha merecido la pena.



Frozen 2



Frozen 2: Recalentada? Frozen 2: La venganza? Frozen 2: Unfrozen? La aventura de Elsa y Anna, junto con Olaf, que dejan el reino para conocer sus orígenes y descubrir por qué Elsa es la Reina de Hielo. Repite directores de Frozen, Jennifer Lee y Chris Buck. Esperemos que su estrenos el 29 de noviembre no nos deje fríos.



LO MEJOR PARA EL FINAL

Star Wars: Episodio IX



La novena película de la saga, la tercera de la tercera trilogía, esperando verla desde 1977, 42 años nada menos y por fin, de la mano de JJ Abrams, la tendremos el 20 de diciembre en las salas. Vuelven Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega y… tachaánnnnnn… Mark Hamill y Carrie Fisher, usando material ya grabado de la actriz. Esperemos que el cierre sea tan grandioso como el comienzo (aunque comenzase en la cuarta parte)

7 mar. 2019

ceremonia de los Oscars 2019 donde se ha premiado mas aspectos políticos y sociales que cinematográficos


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El pasado 24 de febrero se celebró en el Dolby Theatre la 91 edición de los premios Óscar. Green Book se llevó la estatuilla a Mejor Película con la que sumó 3 las mismas que Roma y Black Panther mientras que la que más se llevó fue Bohemian Rhapsody con 4. Atrás quedaron El Vicio del Poder, la Favorita, Ha Nacido una Estrella o First Man cada una con 1 premio. Una gala complaciente llena de concesiones marcada más por la corrección política, el reconocimiento a las minorías latina pero sobre todo negra y su cada vez menos disimulada carga política en vez de los méritos propiamente cinematográficos cosa que ya se veía venir desde que se publicara la lista de nominados.

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                Siempre he defendido a los Oscars frente a la politización de los premios Goya como ejemplo de una gala más centrada en el cine que en la política. Este año no ha sido así. Ya desde los 15 primeros minutos se pudo ver la tendencia que llevaría: “no. Este año no hay presentador, no se entregarán premios en la publicidad, no hay premio a Mejor Película Popular y Méjico no pagará el muro” con estas mordaces palabras comenzaba la gala de la mano de Maya Rudolph, quien junto a Tina Fey y Amy Poehler presentó el primer premio dando ya la primera puntilla política gratuita e innecesaria en una fiesta de cine. Este primer galardón a Mejor Actriz Secundaria para Regina King ya también apuntaba la tendenciosidad hacia la minoría afroamericana que iba a imperar en la noche. Este empoderamiento vino también enfatizado por los 2 Oscars consecutivos que ganó Black Panther por Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Diseño de Producción. Este ensalzamiento al afro americanismo eclipsa otro hito que se ha podido ver en esta gala que es el de que por fin una película de superhéroes es ganadora de Oscars algo muy celebrado por los fans de este subgénero cinematográfico muy rentable para la industria pero ignorado por la academia hasta ahora. Aunque, como veríamos más adelante en la gala, no es oro todo lo que reluce y por desgracia estos galardones no son por la película sino por la comunidad a la que hace referencia.

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                Otra de las comunidades protagonistas en esta gala es la latina representada por Roma y Alfonso Cuarón: este subiría hasta en 3 ocasiones al escenario siendo la primera como ganador a Mejor Dirección de Fotografía y tras este premio vendría el momento de la otra gran favorita de la noche: Bohemian Rhapsody que acudiría 2 veces consecutivas para recoger los galardones a Mejor Edición de Sonido y Mejor Sonido. Pero este solo fue un paréntesis puesto que el siguiente premio sería el de Mejor Película de habla no inglesa presentado por un Javier Bardem con un discurso reivindicativo totalmente en español: "No hay muros que frenen el talento. Celebramos la importancia del idioma y la cultura de diferentes países”. A pesar de la sutileza el “no al muro” estaba palpable heredero del famoso “no a la guerra” de la Gala de los Goya 2003. Como era de esperar si seguimos el guion de lo políticamente correcto y los dardos envenenados contra Trump, el premio fue para Roma siendo la segunda vez que vemos subir a Cuarón al escenario. Esta es la primera vez que Méjico gana un premio a mejor película de habla no inglesa y fue muy celebrado en aquel país.

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                La gala continúa a toda velocidad. Se nota la ausencia de un presentador en esa agilidad pero también en la falta de humor, frescura, espontaneidad y sorpresas a lo Ellen DeGeneres  o Billy Christal. Mejor Montaje se lo llevó Bohemian Rhapsody y primer Óscar para Green Book de la mano de Mahershala Ali como Mejor Actor de Reparto. Con ello se ratifica la supremacía negra de la gala y al actor como primer afroamericano que gana 2 Oscars (el primero fue por Moonlight en la controvertida gala de 2017). No hay sorpresas en la ganadora a Mejor Película de Animación llevándoselo Spiderman: un Nuevo Universo aunque si supone la reafirmación del hito de premiar una película de superhéroes desbancando a Disney con su novedoso y original tratamiento de la animación. Aunque no del todo ya que vería como su filiar Pixar se llevaría el premio a Mejor Cortometraje de Animación por Bao. Y Period: end of sentence se alzaría con la estatuilla al Mejor Cortometraje Documental. “No puedo creer que una película sobre la menstruación acabe de ganar un Oscar”, gritó la realizadora Rayka Zehtabchi; ¿guiño de la academia a otro de los grandes colectivos reivindicadores como es el de las mujeres y el movimiento MeToo? es plausible y licito con este grado de sutileza. Otro momento muy español y con un componente político soterrado es el de la presencia del cocinero José Andrés y el cineasta Diego Luna con un discurso medio en inglés y medio en español de nuevo reivindicativo a favor de la multiculturalidad y el multilingüismo. Estas palabras toman ese carácter político en tanto en cuanto se sabe que Andrés es un abierto activista contra Trump. En una gala tan abiertamente política este hecho no podía pasar desapercibido. Esto cada vez se parece más a los Goya.

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                Estamos a la mitad de la ceremonia. Llegaba el turno de premiar los Mejores Efectos Visuales y aquí la academia vuelve a ser conservadora al premiar First Man dentro de su línea de premiar películas de corte realista dejando sin reconocimiento a la gran favorita Avengers: Infinity Wars o a Ready Player One ambas mucho más meritorias que la ganadora que no deja de ser una película convencional sobre la llegada del hombre a la Luna. Y la platea se desbordó en vítores y aplausos con la emotiva interpretación de Lady Gaga y Bradley Cooper de la canción “shallow”. Skin arrebató el Óscar a Sorogoyen en Mejor Cortometraje de Ficción mientras que de nuevo la supremacía negra hizo acto de presencia en los premios a mejor guion: En el caso de Mejor Guion Original recayó para Green Book y Mejor Guion Adaptado para Infiltrados en el Kkklan donde un exultante Spike Lee subió al escenario y, tras abrazar efusivamente a Samuel L. Jackson, pronunció un incendiario discurso de 3 hojas recordando los peores momentos de sus antepasados hablando de genocidio… y por supuesto arengando políticamente a la gente cara a las próximas elecciones presidenciales del 2020 para “estar en el lado correcto de la historia” (comentario que el propio Trump no tardó en contestar al día siguiente diciendo que su administración ha sido la que más ha hecho por la comunidad afroamericana… esto es lo que pasa cuando la política se mete en la fiesta del cine. Una lástima). Black Panther ganó su tercer y último Óscar gracias a la Banda Sonora de ritmos tribales compuesta por Ludwig Goransson y Lady Gaga se alza con la estatuilla a la mejor canción original por shallow. Único Óscar para Ha Nacido una Estrella. Parece que el cupo de premios a una película musical lo ha cubierto Bohemian Rhapsody ya que El Regreso de Mary Poppins que contaba con 4 nominaciones se fue de vacío.

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                Los premios más esperados también vinieron con sorpresas y, como no podía ser de otra forma, reivindicación a la minoría latina y afroamericana incluida. Primeramente se entregó el de Mejor Actor para Rami Malek por su interpretación de Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody desbancando a Christian Bale por su inmenso papel en El Vicio Del Poder o a Bradley Cooper por ha nacido una estrella. La sorpresa vino en la categoría de Mejor Actriz donde Olivia Colman en La Favorita volvió a dejar a Glenn Close como la eterna nominada (y van 8 ya). "Glenn, esto no es lo que yo quería. Eres magnífica. Te quiero", dijo Colman sobre el escenario, casi pidiendo perdón. El abrazo de Guillermo del Toro a su compatriota Alfonso Cuarón al alzarse como ganador a Mejor Director viene a realzar de nuevo ese empoderamiento hacia el cine latino y mejicano en particular al suponer este un nuevo hito en la academia de Hollywood al premiar durante 5 años consecutivos a directores mejicanos. Y por si no había quedado claro que esa era la noche del blackpower, la gran ganadora como Mejor Película fue Green Book dejando en silencio a la platea que todos daban por ganadora a Roma. Tibio reconocimiento también para la plataforma de Streaming Netflix que era la gran novedad en esta gala que si bien ha visto recompensada su participación con 3 estatuillas, se le ha escapado el espaldarazo final que hubiera supuesto el Oscar a mejor película para Roma.

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                Y con esta celebración se pone fin a una gala ágil pero sin el dinamismo y el humor que le hubiera aportado un presentador (estaba previsto que hubiera sido Kevin Hart, pero este declinó la propuesta). Una celebración demasiado política, demasiado reivindicativa, demasiado encorsetado por la dictadura de lo políticamente correcto y la satisfacción de las minorías étnicas latinas y negra. Demasiado parecida a los Goya: ambos certámenes han premiado más aspectos políticos o sociales que los puramente cinematográficos que al fin y al cabo es lo que esta fiesta viene a representar. A pesar de todo nos encontramos ante una gala con un moderado éxito de audiencia ya que, aunque no llegó a los 30 millones de espectadores si ha supuesto el mejor registro de los últimos 5 años. Parece que esta fórmula ágil sin presentador politizada y reivindicativa así como políticamente correcta, funciona después de todo.

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PALMARÉS


MEJOR PELÍCULA: Green Book
MEJOR DIRECCIÓN: Alfonso Cuarón por Roma
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA: Olivia Colman por La favorita
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA: Rami Malek por Bohemian Rhapsody
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Regina King por El blues de Beale Street
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Mahershala Ali por Green Book
MEJOR GUION ORIGINAL: Nick Vallelonga, Brian Currie & Peter Farrelly por Green Book
MEJOR GUION ADAPTADO: Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott & Spike Lee por Infiltrado en el KKKlan
MEJOR FOTOGRAFÍA: Alfonso Cuarón por Roma
MEJOR MONTAJE: John Ottman por Bohemian Rhapsody
MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: Ludwig Goransson por Black Panther
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: Shallow (Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando & Andrew Wyatt) por Ha nacido una estrella
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Black Panther
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: El vicio del poder
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Black Panther
MEJORES EFECTOS VISUALES: First Man
MEJOR MONTAJE DE SONIDO: Bohemian Rhapsody
MEJOR MEZCLA DE SONIDO: Bohemian Rhapsody
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Spider-Man: Un nuevo universo (Rodney Rothman, Bob Persichetti & Peter Ramsey)
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Free Solo (Jimmy Chin & Elizabeth Chai Vasarhelyi)
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: Roma (Alfonso Cuarón; México)
MEJOR CORTO DE ACCIÓN REAL: Skin (Guy Nattiv)
MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN: Bao (Domee Shi)
MEJOR CORTO DOCUMENTAL: Period. End of Sentence (Rayka Zehtabchi & Melissa Berton)

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3 mar. 2019

STANLEY DONEN (1924-2019)


Adiós al último director de la época dorada de Hollywood


A finales de febrero, con 94 años, fallecía Stanley Donen, bailarín, coreógrafo y director de cine… quizá el último de los grandes directores de la época dorada de Hollywood. Nacido en Carolina del Sur en el seno de una familia judía, el antisemitismo de su entorno le llevó a refugiarse en el cine. Su admiración por Fred Astaire, especialmente en Volando hacía Río de Janeiro “Era un mundo de fantasía en el que todo parecía feliz, cómodo y fácil”, le llevó a tomar clases de baile desde los 10 años.



Tras colaborar en diversas obras como bailarín y coreógrafo, su gran oportunidad surgió al colaborar con Gene Kelly en Las modelos y en Levando anclas. Tras esta película colaboraría con Kelly en tres ocasiones, Un día en Nueva York, Bailando bajo la lluvia y la menos conocida Siempre hace buen tiempo, cuatro si tenemos en cuenta una pequeña intervención de Kelly en Profundamente en mi corazón

Su carrera se desarrollaría fundamentalmente entre el musical y la comedia, siendo director de encargo para MGM de 1949 a 1955. Tras finalizar su contrato con la Metro dirigió para otras productoras. Primero rodó musicales, Una cara con ángel, Juego de pijamas y Malditos Yanquis y, ante la decadencia de éstos, se orientó a la comedia con títulos como Indiscreta, Página en blanco, Al diablo con el diablo o la deliciosa Dos en la carretera. También realizó thrillers como Arabesco o la magnífica Charada. Al final de su carrera probó suerte con la ciencia ficción, Saturno 3, y filmó Lío en Río, muy criticada y al tiempo mítica comedia. Aún haría alguna incursión en televisión y en el mundo del videoclip.



Fue muy valorado por su habilidad en manejar a grandes actores. Entre la innumerable lista de actores famosos a los que dirigió podemos mencionar al ya nombrado Gene Kelly, Doris Day, Fred Astaire, Audrey Hepburn, Cyd Charisse, Yul Brynner, Sophia Loren, Merle Oberon, Gregory Peck, Debbie Reynolds o Cary Grant... y no acabaríamos.

Es reconocido especialmente por haber renovado el musical y haberlo sacado de los estudios y filmado en exteriores. Pero también por haber llevado las escenas baile desde dónde solían desarrollarse casi como entremeses, un escenario al estilo de Broadway, hasta la acción de la propia película, dándole un carácter central. Su experiencia como coreógrafo le llevó a crear nuevas rutinas de baile y a dar a sus trabajos un ritmo y un movimiento característicos. Fue además un maestro del montaje, los saltos temporales y el manejo del guion y un innovador que decidió filmar escenas que suceden en automóviles desde el exterior de éstos, llegando a filmar en carreteras y con automóviles reales en Dos en la carretera.



Entre sus trabajos más afamados están los musicales Levando anclas, Bodas reales (con una maravillosa escena en la que Fred Astaire baila pòr paredes y techo), Bailando bajo la lluviaSiete novias para siete hermanos o Una cara con ángel (con Audrey Hepburn cantando y bailando), las comedias Indiscreta, Página en blanco, Al diablo con el diablo (Harold Ramis haría un remake en 2000 con una atractiva Elizabeth Hurley como diablo), Dos en la carretera (con Hepburn de nuevo, su actriz favorita) , y los thrillers-comedia, Charada (de nuevo con Hepburn y con el magnífico Albert Finney, recientemente fallecido también) y la poco reconocida Arabesco, ambas con claras influencias de Hitchcock. 



A pesar de sus extraordinarios trabajos recibió muy pocos premios. El Oscar de 1998 y el León de Oro de 2004 fueron honoríficos. Pero en 1967 en el festival de cine de San Sebastián fue reconocido con la Concha de Oro por Dos en la carretera.




Los trabajos de Donen trataban temas escabrosos para su época, la infidelidad en Indiscreta, los polígonos amorosos pues Página en blanco es más que un triángulo... pero el director conseguía eludir la censura con su manejo del guion y del montaje. Quizá su película más arriesgada fuera La escalera, en la que se normaliza una relación homosexual en 1969 y que contó como protagonistas con Rex Harrison y Richard Burton. Dejamos para mejor ocasión comentar las maravillas coreográficas de Bailando bajo la lluvia, el intrincado guión de Charada, los juegos visuales de Arabesco, la personal y genial Al diablo con el diablo o la íntima Dos en la carretera.


Los judíos no tienen claro que haya cielo, y Donen se declaraba ateo. A pesar de esto, en el cielo estará organizando un cuerpo de baile extraordinario con la cantidad de bailarines y actores que le precedieron en este camino.






22 feb. 2019

ENTREVISTA. Berto Romero: «Hemos hecho una serie muy sincera en la que se habla de lo que significa hacerse mayor»


Humorista, actor, presentador o guionista son algunas de las ocupaciones que ha desempeñado Berto Romero. Pero ha sido la de padre —nada que ver con las demás— la que ha servido como punto de partida para Mira lo que has hecho, que regresa hoy mismo con su segunda temporada de seis episodios cargados de dramedia. Un formato peculiar del que el propio Berto explica su motivo y responde a otras cuestiones.

El formato de seis capítulos de 20 minutos cada uno es algo extraño y se repite en esta segunda temporada, ¿a qué se debe? ¿Es para que la puedan ver también los padres primerizos?
(risas) No, no, no, no. ¿Sabes qué pasa? Movistar no impone un formato determinado o una duración, entonces nosotros empezamos a hacer la primera (temporada) y al final nos salieron 6 episodios de unos 20-25 minutos y cuando hemos escrito la segunda yo no sé si es que ya de la propia inercia nos ha salido igual. Tampoco hemos querido forzarnos a escribir más de la cuenta. ¡Ha salido así, la verdad!

¿Esta segunda temporada está más inspirada en su vida que la primera?
Te diré que, al final, la primera tampoco demasiado porque al final esta serie se convierte en una construcción hecha con vidas de mucha gente. Lo que aportan los guionistas, lo mío, lo que nos inventamos… lo que sí hacemos es que nos hemos puesto un reto y es que todo tenga que venir de una base real. Todo lo que contamos en la serie si no me ha pasado a mi le ha pasado a alguien. Pero por lo que a mí respecta no es demasiado autobiográfica porque… ¡es que tampoco tengo yo una vida tan plena! Es una vida más normalita, no da para serie (risas).

En algún capítulo se refleja el problema que supone tener a un paparazzi pegado todo el tiempo y de los fans insensibles que piden fotos. ¿Es esto una pequeña crítica para decir que los actores también tienen sentimientos?
No, no. Esto no es demasiado crítica, es una cosa que sale solo de las tripas, es más como un eructo (risas). Aquí no hay voluntad de criticar nada ni a nadie ni de reivindicar. Es simplemente un reflejo de cómo es el mundo, si es que el mundo es así, vamos todos con cámaras haciendo fotos a todo lo que se menea y forma parte de nuestra cotidianeidad.

Hombre, sí, pero está feo. Es decir, en la escena del hospital, hasta la persona que más odie a Berto en el mundo empatiza con él.
Sí, sí, sí (risas). Pero bueno, es una cosa que nos sale así. Yo creo que en toda la serie ocurre que no intentamos juzgar demasiado. Intentamos plantear muchas situaciones, pero no juzgarlas, porque a mí eso me da un poco de pereza. Yo tampoco tengo respuestas para nada ni tengo ganas de dar lecciones a nada, pero sí de enseñar al máximo cosas que pasan y que la gente las vea.

La serie empezó con tono cómico y ha ido evolucionando hacia el drama, incluyendo la muerte de algunos personajes. ¿Cuál fue la escena más difícil de grabar?
Todo tiene su dificultad porque la parte cómica es muy difícil de levantar siempre, tiene que funcionar todo muy bien para que haga gracia. Y la parte dramática también te pide como actor que te pongas emocionalmente muy vulnerable. Yo creo que todo, para que parezca real, que es al final lo que nosotros pretendemos con la serie, necesita de mucho cariño. Es verdad que a nosotros este tono es lo que nos ha enamorado de la serie, la hemos descubierto a medida que lo hacíamos. A mí me gusta mucho esta cosa de la risa y la hostia, te ríes y lo siguiente te hiela la sangre o al revés.

¿Habrá tercera temporada?
Pues sí de mi depende, sí. Yo tengo esta historia pensada en tres actos de la cual este es el segundo. Si me dejan, yo tengo otra temporada más.

Es decir, ¿la tercera temporada sería la última?
(Silencio). Por lo menos sería la última de un ciclo que cerraría en sí mismo.

Para terminar, ¿por qué hay que ver Mira lo que has hecho?
Bueno, yo creo que hay que verla porque… bueno, no hay que verla. La puedes ver si quieres (risas), nadie te obliga. Es que hay muchas series y yo entiendo que cada uno quiere ver una y si te interesa ver más una de zombis pues ya está (risas), lo entiendo. Pero sí que, por lo menos, nosotros hemos hecho una serie muy sincera en la que se habla de lo que significa hacerse mayor y esto es algo que lo vivimos todos. A mí me gusta verme reconocido en las historias que me cuentan y yo creo que si algo hace Mira lo que has hecho es conseguir eso. Si eso te mola, es tu serie.

Por: Álex Pazos

ENTREVISTA. Eva Ugarte: «Berto y yo no solo funcionamos como pareja en la ficción como actores, sino también como pareja creativa»

entrevista a Eva Ugarte
Tras una primera temporada que terminó con los protagonistas recuperando la llama del amor, llega hoy mismo la segunda temporada de Mira lo que has hecho, una serie original de Movistar+ en colaboración con El Terrat. Precisamente por eso, Eva Ugarte —que coprotagoniza esta ficción junto a Berto Romero— responde a unas preguntas sobre la serie y sobre el personaje de Sandra, a quien interpreta.

¿Cuánto hay de Eva en Sandra y viceversa?
Uf, ¡pues no lo he medido! No he tenido el medidor puesto de cuanto de Eva y de Sandra. Yo soy Eva, que a mí me contratan para interpretar a Sandra, entonces lo que has visto de Sandra es Sandra. Y evidentemente cuando hacemos nuestro trabajo ponemos nuestra creatividad y nuestra experiencia emocional, nuestra imaginación también si no está basado en una experiencia real. Pero ya te digo, ¡no está medido con tantos por ciento! (risas).

¿Cómo ha ido creando al personaje?
Sandra está muy bien definida por guion, clarísimamente. La primera temporada me topé con que había que construir ese personaje y levantarlo y en la segunda ya digamos que Berto ha escrito para los actores, ya nos conocía. Ya habíamos aportado nuestra esencia y a mí me dieron muchas alas en la primera temporada. Me dijeron: “tu vuela que ya te cortaremos nosotros”. Al final es cuando ya estás metida en la historia cuando vas aportando, porque uno construye… ¡es como una receta! Vas poniendo, pero al final vas creando, un poquito de sal por aquí...

El guion es de Berto, ¿pero ha habido algo que haya aportado y que no estuviese escrito al principio?
Sí, ha habido mucha aportación y yo soy muy entregada e implicada y más estando aquí en Barcelona total y absolutamente dedicada a esta serie, la cabeza empieza a funcionar y surgen las ideas. Berto me abrió más los argumentos, me invitaron a alguna reunión de guion... Hay cosas que yo aporté en su momento que están en esta segunda temporada. Berto y yo no solo funcionamos como pareja en la ficción como actores sino también como pareja creativa.

La serie empieza siendo comedia pura, pero evoluciona hacia un tono más dramático. ¿Cuál fue la escena más difícil de grabar?
Cada una es un reto diferente y no se cual es más difícil. A veces hay escenas muy emocionales en las que uno piensa que deben ser más difíciles y no es así, cada escena tiene sus exigencias. Sí te puedo decir que la que más me impactó y me quedé tocada fue cuando tuve que chillarle al niño… hay una escena que le tengo que chillar y lo pasé fatal, y eso que el niño entendía que era un juego y en el corte él se reía y me sacaba la lengua, pero yo me quedaba fatal porque no es solo pegar un grito al uso, es con toda la emoción y el sentimiento y eso me hizo empatizar mucho con las madres.

¿Y alguna anécdota que haya surgido?
Siempre parece que cuando las series son muy emocionantes o las comedias parece que caben más las súper anécdotas, pero la verdad es que no hay. La anécdota en sí es todo el rodaje (risas).

Tras hacer la primera temporada, ¿hubo que convencerla para grabar una segunda?
¿Convencerme? ¿A mí? ¡No, hombre! ¡Estaba clarísimo! Desde el primer día de rodaje Berto nos abrió el guion y ahora ya es más como la sensación de parir, pero desde la primera temporada, desde que me escogen en ese casting y se graba la primera y ahora que se estrena la segunda, aunque ha habido mucho parón yo no lo siento así.

Para terminar, ¿por qué hay que ver Mira lo que has hecho?
Madre… ¡las típicas preguntas de examen que son complicadísimas! Pues porque hay que reírse de todo.

Por: Álex Pazos

20 feb. 2019

Nominaciones a los Oscar 2019: mejores efectos visuales


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La categoría de mejores efectos visuales suele ser el escaparate para las producciones más palomiteras donde géneros como el de superhéroes o la ciencia ficción son sus mayores baluartes. Este año no es la excepción. Sin embargo este hecho queda eclipsado por la clara preponderancia de la factoría Disney sobre otras productoras quedando especialmente perjudicada Warner. Así es, Disney cuenta con 3 películas dentro de las nominadas frente a 1 de Warner. Y es aún más descarado el hecho de ver como una película menor como Christopher Robin se ha colado entre las nominadas quedando fuera títulos de Warner tan excelentes en este campo como son Aquaman y Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindelwald. Pero si hablamos de las grandes olvidadas podríamos incluir también a Jurassic World 2: el reino caído, la película revelación del género de ciencia ficción del año: Aniquilación,  Ant- Man y la Avispa o la increíble ausencia de Black Panther  (supongo que, en el caso de estas 2 últimas, sería demasiado descarado para Disney haberlas incluido también aunque lo hubieran merecido más que Christopher Robin). Las otras dos apuestas de Disney son Avengers: Infinity Wars y Han Solo: Una Historia De Star Wars. La única representante de Warner es la espectacular Ready Player One. Y como representante del cine realista de ciencia ficción dura (bajo los cánones realistas de la ciencia actual) esta First Man.

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                Realmente este año la estatuilla es una de las más inciertas siendo 3 las candidatas con más opciones a llevársela. En primer lugar tenemos Avengers: Infinity War (Dan DeLeeuw, Kelly Port, Russell Earl y Daniel Sudick) cuya calidad de efectos especiales es incuestionable desde el cuidado de los efectos de luz hasta el propio personaje de Thanos (Josh Brolin con un traje de captura de movimientos). Es la candidata favorita pero tiene 2 hándicaps en su ascenso hacia el Óscar: La academia nunca ha premiado una película de superhéroes y que también la considera una película inacabada (esa fue la excusa que dijeron para no incluirla en la categoría de mejor película para disgusto de sus fans). Por ello puede que se le escape en espera a que el año que viene se lo lleve Avengers: End Game como final de la historia y de los 10 años de películas Marvel altamente ignoradas por la academia y que ya va siendo hora de reconocer. Con unas premisas parecidas en lo que a calidad técnica está la apuesta de Spielberg y Warner: Ready Player One (Roger Guyett, Grady Cofer, Matthew E. Butler y David Shirk). Tratándose de un mundo virtual era lógico que 90 minutos de los 139 que dura la película fueran creados por CGI. Y el realismo es impresionante. La película es un alarde visual y digna merecedora del Oscar. Sin embargo en su contra pesa precisamente ese alarde de mundo mágico y de ciencia ficción blanda (con reglas más imaginativas y no tan sujetas a los cánones científicos) y por eso puede que se le escape la estatuilla a favor de la apuesta de Universal: First Man (Paul Lambert, Ian Hunter, Tristan Myles y J.D. Schwalm). Tanto Lambert como Hunter ya saben lo que es ganar un Oscar (por Blade Runner 2049 e Interstellar respectivamente) y su dinámica de efectos naturalistas usando pantallas LED en vez de cromas verdes hace ganar enteros a este film que además cuenta con ser una historia realista e histórica de las que suele premiar la academia. Sin embargo en su contra esta el hecho de que la fórmula de este tipo de películas esta algo gastada y quizá los académicos opten por un giro que beneficiaría a la película de los hermanos Russo o a la de Spielberg.

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                Algo más alejados de la carrera por los Óscar queda Han Solo: Una historia de Star Wars (Rob Bredow, Patrick Tubach, Neal Scanlan y Dominic Tuohy). Esta película apuesta por los FX más tradicionales y naturalistas de forma que se empleó básicamente maquillaje y animatronics para las más de 120 criaturas que salen en la película. Sin embargo parece que a la academia eso no le impresiona puesto que la saga galáctica lleva sin levantar un Óscar desde El Retorno del Jedi. Si a eso se le suma los malos datos en taquilla y critica la posibilidad de que gane la película de Ron Howard son muy escasas. Y por último queda mencionar Christopher Robin (Chris Lawrence, Mike Eames, Theo Jones y Chris Corbould). Como pasa con Firs Man, dos de sus creadores ya saben que es ganar un Óscar (Lawrence por Gravity y Corbould por Origen). Sin embargo todavía sigo preguntándome qué hace esta película nominada. Su mérito es hacer que los peluches de Winnie the Pooh y sus amigos interactúen en un mundo real con todas sus inclemencias… no hay mucha diferencia con lo que podría ser una película de los Muppets y ellos nunca han estado nominados. Lo que aquí subyace es ese clientelismo de la academia con Disney. Menos mal que sus posibilidades de alzarse con la estatuilla son remotas a pesar de que haya sido reconocida con una nominación a los premios del sindicato.

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                Las espadas están en todo lo alto. La incertidumbre es máxima ya que las tres principales candidatas tienen las mismas posibilidades y méritos para ganar. Si nos ceñimos a los datos de crítica y recaudación Avengers: Infinity Wars sería la ganadora pero personalmente yo reivindico a Ready Player One por ese alarde visual y técnico de la película y por ese buen hacer de un Spielberg que ha vuelto al género de la ciencia ficción por todo lo alto… y ¡qué demonios! También por ese reconocimiento a Warner y dar un revés al favoritismo de Disney (no caerá esa breva)

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