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30 de ene. de 2015

CINE Y ARQUITECTURA: Dos artes mano a mano


Arquitectura y cine. A día de hoy, ambas dos artes establecidas: la una, solemne integrante de las Bellas Artes desde tiempos inmemoriales; el otro, el denominado “séptimo arte”, arrolladora innovación del último siglo. En su condición de artes, como representaciones personales de lo real e imaginario con recursos de distinta índole, resulta inevitable que sus fronteras se diluyan y se contagien la una de la otra.

“Lo que el viento se llevó”, “Rebecca”, “Cumbres Borrascosas”, “Ciudadano Kane”, “Jane Eyre”… todas esas grandes historias tienen algo en su esencia que les confiere ese carácter de clásicos; con su atemporalidad imperturbable, fruto de su tratamiento de las grandes pasiones del ser humano, han contribuido a edificar piedra a piedra nuestra identidad colectiva. Aunque haya alguien que no las conozca expresamente, es imposible escapar de su influjo, que impregna ese ideario común del que se nutren montones de culturas.

Uno de los rasgos característicos que comparten estas “historias por excelencia” es precisamente el hallarse sustentadas sobre un soporte arquitectónico contundente, de igual modo que un edificio perdurable se yergue sobre sólidos cimientos. Tal es la trascendencia de este elemento en el desarrollo de la trama, que incluso podríamos llamarlo “el tercer protagonista”, partiendo de la suposición de contar con una pareja protagonista.

Por consiguiente, resulta inconcebible un “Lo que el viento se llevó” sin su Tara, que se halla presente en la última frase pronunciada por los labios de Escarlata; un “Rebecca” sin Manderley, abrigo de dramas conyugales; un “Ciudadano Kane” sin su templo al amor reconvertido en prisión llamado Xanadú; o un “Cumbres Borrascosas” sin la mansión que le cede su nombre a la novela y a la película…

La arquitectura, protagonista también de los pósters publicitarios

Es esta estrecha relación entre el cine y la arquitectura, a menudo inadvertida y sin embargo latente, la que me propongo desmenuzar en esta sección. Estudiante aún de arquitectura e incorregible amante secreta (o ya no tanto) del cine, trataré de desentrañar sus vínculos mediante ejemplos variados. No obstante, apelo a vuestra indulgencia en cuanto a que tengo especial predilección por el cine clásico, siendo ésta una de mis mayores pasiones, como a lo mejor no os ha pasado desapercibido.

Realizaré los análisis de las obras a través de mi personal y en ocasiones vehemente visión. En mi condición de joven principiante que tiene mucho por aprender, estaré muy agradecida de cualquier sugerencia, contribución, corrección pertinente o simple contraste de opiniones. Con el deseo de que disfrutéis tanto como yo,

Lucía G.

22 de ene. de 2015

CRÍTICA: Into the Woods

SINOPSIS: Ceniciente, Caperucita, Jack (el de las habichuelas), la bruja, el lobo, Rapunzel y otros personajes de los cuentos de hadas comienzan un día. Pero este será diferente a todos porque sus caminos se cruzarán en el bosque.
El bosque es el espacio esencial de los cuentos de hadas. En el bosque está el lobo, la cabaña de la bruja, las urnas de cristal con princesas dormidas en su interior. Es el lugar de las decisiones, la elección entre el bien y el mal, los deseos y las aspiraciones puestas al alcance de la mano y que puedes lograr sin esfuerzo.
Y luego la responsabilidad. Cada personaje debe cargar con las consecuencias de sus actos. Porque, pese a su apariencia, la magia no sale gratis. Al contrario, la ausencia de esfuerzo para lograr el éxito, deberá ser pagada con creces en el futuro.
Esta breve introducción viene a cuento para este cuento. Porque es bastante atípico, tiene sorprendentes momentos de originalidad y se arriesga con la construcción de un edificio dramático.
El planteamiento de la historia, en cierto modo, no difiere mucho del de la serie Érase una vez (Once Upon a Time) o de la avalancha de reinvenciones de cuentos de hadas que nos han llegado en los últimos años.
Cada personaje se encuentra en su casa. Cada personaje tiene unos motivos para atravesar el bosque. Y ese es el momento en que las cosas comienzan a complicarse. La trama juega hábilmente con esas vidas cruzadas que se ven agitadas entre los intereses de otros y las propias preocupaciones.
Sin embargo, hasta cierto punto, todo se encamina de modo correcto hacia el final feliz que llega a la hora y cuarto. Y es en ese momento cuando aparece el sorprendente giro argumental. El final feliz se ve trastocado por un reinicio en el que todos deberán pagar, de un modo u otro, el precio de la magia. La película se transforma en un ejercicio ético.
Infidelidad, robos, egoísmos… Todos culpan a todos (estupenda canción) de la situación en que se encuentran. El final feliz ha quedado por completo dinamitado. La bruja lo advirtió y aún tendrá que volverlo a decir: no siempre hay final feliz.
La banda sonora no es especialmente extraordinaria salvo en algunas fragmentos. En cierto modo eso no es malo. Se pone al servicio de un texto donde las inquietudes de los personajes prevalezcan.
Aunque todo el reparto está a gran altura, muy encajado en el papel que cada uno debe representar, hay que destacar a Meryl Streep en su papel de bruja que podría valerle un nuevo Oscar en su carrera. Además, Johnny Depp anda por ahí como lobo.
Una película de cuentos de hadas con un tono diferente, pero que tiene muy claro que los cuentos de hadas se escribieron para contar a los niños una enseñanza. Ese cuento de hadas va dirigido esta vez a los adultos, especialmente en su última parte. Tal vez sea un poquito moralizante, pero los planteamientos y debates internos de los personajes tienen mucha validez y consistencia.

Lo mejor: Mery Steep.
Lo peor: Muy justita en su puesta en escena y efectos especiales.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Rob Marshall.
Guión: James Lapine.
Intérpretes: Meryl Streep, Anna Kendrick, James Corden, Emily Blunt, Christine Baransky, Tammy Blanchar, Johnny Depp.
País: EEUU.
Duración: 125 m.
Música: Stephen Sondheim.
Fotografía: Dion Beebe.

9 de ene. de 2015

CRÍTICA: Birdman

SINOPSIS: Riggan se hizo famoso interpretando la trilogía del superhéroe Birdman. Ahora, cansado del superhéroe, quiere triunfar sobre las tablas de Broadway como director, guionista y actor de teatro.
Birdman es una película de enorme envergadura. Debería llevarse todos los premios. Cinematográficamente es muy superior a Boyhood. Esta película es una virguería en todos sus campos: lo es en su guión, en sus intérpretes, en la persistente música de esa batería, en las abundantísimas alusiones cinéfilas, en la mezcla de realidad y ficción y, sí, desde luego, en que sea un aparente único plano. Es una delicia en todo ello.
Pero al mismo tiempo que uno percibe su genialidad, es difícil conectar con Iñárritu desde un punto de vista emocional. No me refiero a cosas como que mienta al espectador promocionando el film como una peli con superhéroe cuando, en realidad, no existe ningún superhéroe.
Es una película sobre los entresijos de camerinos de un teatro y vidas cruzadas, esas vidas que tanto le gustan a él pero que son tan excéntricas y tan poco naturales que resulta casi imposible alcanzar un nivel de identificación.
Iñárritu es listo y miente de un modo más sutil. Pasaje importante es esa lectura de guión al poco de comenzar la película. El director, astutamente, nos muestra tres actores buenos y uno que sobreactúa. Y nos insiste en ello para que percibamos cómo suprime al que sobreactúa. Parece decirnos que nos quedamos con los buenos, que no necesitarán sobreactuar.
Pero a la hora u hora y cuarto (ocurre en esta película y en todas las demás de Iñárritu), les obliga a sobreactuar porque no puede transmitir lo que quiere sólo con el texto. No sabe escribir como Carver y cuando se aleja de Carver todo se llena de tacos, improperios y gritos. Y se vuelve barroca y excesiva, en palabras y en situaciones. Palabras exageradas y situaciones desbocadas.
Ese recargamiento es falso, es otra mentira. La humanidad de los personajes se escurre. El cine puro vence a la historia. Por eso podemos decir que es una excelente película, que tiene brillo y mucho genio. Pero al mismo tiempo es posible decir que la historia nos deja bastante fríos por la incapacidad de conexión con personajes auténticos, con alma, con vida. Y es que, como dice
Edward Norton, la popularidad es la cuñada guarra del prestigio.
El juego de realidad y ficción es uno de los mayores logros de la película. Personajes que sólo son auténticos en el escenario y falsos en la vida real. Personajes que viven en la realidad como si fuera una obra de teatro. Personajes que en la obra de teatro están reflejando su realidad.
Y al mismo tiempo Riggan, tratando de reinventarse, confunde la realidad y la ficción y la voz de Birdman actuando ya sea como conciencia o como esquizofrenia.
Curiosa esa figura de Spider-man. Seguro que todos nos identificamos más fácilmente con él que con cualquier personaje de Birdman. Pero Birdman es una película muy superior. O quizá alguien lo prefiera a la inversa.

Lo mejor: La fuerza cinematográfica.
Lo peor: Sus personajes impostados.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Alejandro González Iñárritu.
Guión: Alejandro González Iñárritu.
Intérpretes: Michael Keaton, Naomi Watts, Edward Norton, Emma Stone, Amy Ryan.
País: EEUU.
Duración: 134 m.
Música: Antonio Sánchez.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.

7 de ene. de 2015

CRÍTICA: Corazones de acero

SINOPSIS: Son los últimos días de la II Guerra Mundial. Hitler resiste desesperadamente y los aliados avanzan palmo a palmo sobre emboscadas.
El cine bélico se enfrenta a un problema muy evidente: diferenciarse. La enorme cantidad de películas bélicas, realizadas ya desde la propaganda de guerra, tiene su lógica debido a la importancia del conflicto.
El aluvión cinematográfico ha derivado en la creación de unos modelos que se han convertido en clichés y que convierten a las películas en algo bastante previsible. Los lazos que se crean entre soldados variopintos, los sueños de cada uno de ellos, la misión…
Salvo contadas excepciones (Tarantino, Coppola), se asume el riesgo y se procura enfocar el cine bélico desde otra perspectiva. David Ayer se la juega en una historia que tiene mucho de gran épica pero también de exageración vacía.
El arranque de la película está muy logrado y su desarrollo tiene muchos momentos de interés. Está muy bien rodada, con escenas poderosas y una ambientación magnífica. David Ayer pasea la cámara sobre la devastación, el sentimiento de absurdo en el campamento, los brotes de locura, los refugiados, la brutal potencia de fuego que supone el avance de un tanque, la  muerte dentro de un tanque, matar y rematar, la progresiva pérdida de moralidad, el peor lado de cada persona.
El director utiliza una fotografía gris para remarcar la ruptura de las fronteras éticas, las decisiones que forman parte de la rabia y de la indiferencia.
La historia es la del sargento Don (Brad Pitt). Dirige a un grupo de soldados tomando las pequeñas poblaciones que le indican. Poco a poco los números van mermando hasta que la última misión parece imposible, pero es su misión. Don tiene consigo a su tanque Fury. Fury es su arma, su hogar, su misión y, finalmente, su última trinchera en la estacada.
La presencia de Shia LaBeouf, Logan Lerman y Michael Peña entre los soldados ayuda mucho a la trama, personalidades con carácter bien definido que se mueven más veces en el lado de la locura que en el del raciocinio.
Hay escenas de notable crudeza bastante justificadas para mostrar que los buenos han rebasado ciertos límites, que no son tan buenos y que su crueldad ya no importa a nadie.
Tiene mucho de épico pero también de excesivo. A ese combate final le sobran muchos minutos. David Ayer dirige con vigor, desde las vísceras, pero la épica debe tener también un equilibrio.

Lo mejor: La ambientación, el clima que se crea durante la mayor parte de la película.
Lo peor: La excesivamente larga batalla final.

Ficha técnico-artística:
Dirección: David Ayer.
Guión: David Ayer.
Intérpretes: Brad Pitt, Logan Lerman, Shia LaBeouf, Michael Peña, Anna Maria Marinca.
País: EEUU.
Duración: 134 m.
Música: Steven Price.
Fotografía: Roman Vasyanov.

30 de dic. de 2014

ARTICULO: EL CINE DEL 2015: REGRESO AL PASADO


EL 2015 ya está aquí. En Regreso al Futuro II (Robert Zemeckis, 1989) Es el año al que Marty McFly (Michael J. Fox) viaja desde 1985 hacia el futuro. un futuro que ya es presente. Robert Zemeckis y Bob Gale lo imaginaron con aeropatines, coches voladores, publicidad 3D que, literalmente, asalta al viandante y casas inteligentes. por ahora, todo eso no ha llegado todavia pero lo que si tendremos es una cartelera de cine repleta de grandes títulos que nos hacen "regresar al pasado": sobre todo con los relanzamientos de grandes sagas clásicas: Mad Max, Terminator O  Parque Jurásico verán sus continuaciones en la primavera verano. Sagas más modernas también verán su continuación (será por secuelas, últimamente el cine vive de ellas dada la carestía de nuevas ideas) como Avengers, Mission Impossible, Los Juegos Del Hambre, Divergente O Fast & Furious. Pero la gran película por antonomasia del año es, sin duda, Star Wars VII: El Despertar De La Fuerza. Pero habrá muchos más títulos.

                Ya desde el 1 de enero veremos los últimos estertores de la temporada navideña con películas como El Séptimo Hijo (Sergei Bodrov) o la socarrona Como Acabar Sin Tu Jefe 2 (Sean Anders) y el 6 de enero, la entrañable y familiar Paddington (Paul King).
                Sin embargo enero se presenta mucho más interesante con los estrenos De Birdman O La Inesperada Virtud De La Ignorancia (Alejandro Gonzales Iñarritu) y Corazones De Acero (David Ayer) ambas para el 9 del mes. La primera es una comedia de situación donde Michael Keaton encabeza un amplio reparto en la que está siendo la película revelación de certámenes de cine como los Globo De Oro. La segunda, ambientada en la segunda guerra mundial nos muestra la valerosa hazaña del sargento Wardaddy (Bratt Pitt) al mando de una cuadrilla y un tanque que se convierte en su baluarte contra las tropas nazis. Tras un éxito en las taquillas americanas, promete seguir la misma senda en nuestro país. para el 16 se estrena Venganza 3: Todo Termina Aquí (Olivier Megaton) en la que Liam Neeson vuelve a encarnar al sufrido Bryan Mills en la que no deja de ser más de lo mismo. Más interesante puede resultar La Teoría Del Todo (Jamer Marsh) biopic donde se narra la historia de amor entre el brillante Steven Hawkins y la estudiante Jane Wilde. Para el 23 de enero se estrena la revisión de los cuentos de hadas de los hermanos Grimm en el musical alternativo  Into The Woods (Rob Marshall) con un gran elenco de actores entre los que están Meryl Streep, Emily Blunt, Chris Pine O Johnny Depp. Aparte tenemos el drama alemán de La Conspiración Del Silencio (Giulio Ricciarelli) donde se narra la investigación del fiscal Radmann sobre una oscura trama de ocultación en la actualidad de crímenes nazis. El mes cierra con el innecesario remake del musical Annie (Will Gluck)  y la inquietante Proyect Almanac  (Dean Isrealite) con el siempre atractivo tema de los viajes en el tiempo y sus posibles consecuencias.


                Febrero comienza con el film de ciencia ficción El Destino De Júpiter, esperada película de los Hermanos Wachowski que intentan redimirse de los pobres resultados de su último film El Atlas De Las Nubes. El 6 de febrero los peques de la casa tienen una cita con su heroe Bob Esponja en : Bob Esponja un héroe fuera del agua donde sus protagonistas dan el salto al plano real para detener al terrible pirata Alameda Jack (Antonio Banderas). Sin embargo la película que más expectación está causando para este mes es la controvertida 50 Sombras De Grey (Sam Taylor- Johnson) que se espera para el 13 (víspera de San Valentín) y promete no dejar indiferente a sus espectadores como tampoco lo ha dejado la afamada trilogía de libros que la inspira. Para el 20 se espera que se estrene la siguiente película de Clint Eastwood, El Francotirador con Bradley Cooper como el mejor tirador de la historia de Estados Unidos

                Y así entramos en el mes de Marzo con películas como Mortdecai (David Koepp), Chappie (Neill BlomKamp), Paranormal Activity: The Ghost Dimension (Greg Plotkin) o El Exótico Hotel Marigold 2 (John Madden) o la proxima pelicula de animacion de Dreamworks Home. Aunque el mayor estreno del mes es la continuación de la saga Divergente: Insurgente  (Robert Schwentke) que se estrenará el 20. Una semana despues se estrena Cenicienta. Bajo la dirección de Kenneth Branagh y Cate Blanchett haciendo el papel de malvada madrastra, se nos muestra la enésima versión del cuento clásico de los hermanos Grimm. Abril comienza con la esperada Fast & Furious 7 De James Wan. Aparte del elenco habitual de actores encabezados por Vin Diesel y el malogrado Paul Walker, entra en la franquicia el duro Jason Statham como el villano a batir. Pero la gran baza del mes se reserva para el día 30 donde se estrena Avengers 2: La Era De Ultrón (Joss Whedon) regreso por todo lo alto de la franquicia de Marvel con nuevas incorporaciones como los hermanos Maximoff (Elisabeth Olsen Y Taylor-Johnson) y un villano interpretado por James Spader que promete tanta o más pirotecnia efectismo y espectacularidad como la primera entrega.


                Mayo suele ser el primer mes de blockbusters en Estados Unidos  y así pretende ser el 15 donde se verá el resurgir de la saga ochentera de Mad Max Con Mad Max: Furia En La Carretera (George Miller) con Tom Hardy sustituyendo al mítico Mel Gibson de la saga original y Charlize Theron de villana en la que sea la primera de una nueva trilogía. La película familiar sobre contactos con extraterrestres Tomorrowland: El Mundo Del Mañana (Brad Bird) con George Clooney Y Hugh Laurie cierra este mes y abren el de junio con la película de terror The Pyramid (Grégory Levasseur)  para el 5 y, una semana después, se espera el regreso a parque jurasico esta vez a una escala mayor: Jurassic World (Colin Trevorrow). Para terminar el mes esta Insidious: Capitulo 3 (Leigh Whannell) para dar paso a julio con el estreno para los más pequeños de los hilarantes Minios el propio 3 y el 10 está reservado para los mayores con el regreso de la franquicia Terminator con Terminator: Génesis (Alan Taylor) planteada como reborn de la saga con Schwarzenegger de nuevo en la piel de uno de los personajes que más fama le ha aportado. el 17 vuelve a revisarse otro clásico de la literatura infantil: Peter Pan bajo la dirección de Joe Wright y para el 22 otro superhéroe salta a la gran pantalla: Ant-Man (Peyton Reed) con Michael Douglas interpretando a un Hank Pym  maduro y Paul Rudd a su discípulo y heredero de los poderes del hombre hormiga. El 27 estrena Pixels  (Chris Columbus) una peculiar invasión extraterrestre que toma como imagen de su ataque los personajes de los viejos videojuegos de los años 80 y, para repelerla se contará con un adicto a tales juegos Sam Brenner (Adam Sandler). También para estas fechas de verano se espera que se estrene el controvertido reborn de Los Cuatro Fantásticos  (Josh Trank) (en Estados Unidos se estrena el 19 de junio, en España no hay fecha confirmada) que, ya antes del estreno, va sembrando discordia entre los fans por su guión totalmente ajeno a la esencia de los comics o Las Mercenarias (Robert Luketic) réplica femenina del comando encabezado por Sylvester Stallone y que ya se prepara cuarta entrega de la saga. Para Agosto vuelve el irreverente oso creado por Seth Mac Farlane con Ted 2 y Pesadillas (Rob Letterman) inspirado en una popular saga de libros de terror juveniles escritos por R. L. Stine. Para el 14 la nueva película de Disney/Pixar Inside Out. También está previsto el estreno de Assessins Crew para los seguidores de la saga de videojuegos y  Entourage (Doug Ellin) ya en la segunda mitad del mes. Para el 28 se estrena lo próximo de animación española Atrapa La Bandera (Enrique Gato, creador de Tadeo Jones)


                Septiembre comienza con la cuestionable secuela de Magic Mike: Magic Mike XXL (Gregory Jacobs) o las películas de acción Everest (Baltasar Kormakur) y la continuación de El Corredor Del Laberinto: The Maze Runner Trial Scorch (Wes Ball)  ambas para el 18 del mes. Para octubre se prepara la nueva versión de El Libro De La Selva orquestada por Jon Favreau y para el 23 la película de animación Hotel Transilvania 2. Noviembre se reserva los estrenos más fuertes para ese otoño: la siguiente entrega de la saga James Bond: Spectra (Sam Mendes) en la que probablemente sea la última interpretación de Daniel Craig del famoso agente 007 (últimos rumores recaen sobre el actor londinense Idris Elba para su relevo que supondría el primer James Bond negro) con el oscarizado Christoph Waltz como su némesis en la corporación que da nombre al film y The Conjuring 2: The Elfield Poltergeist segunda incursión al mundo paranormal de los hermanos exorcistas Warren. Aunque será el 20 la fecha elegida para ver el final de la saga de Los Juegos Del Hambre con Sinsajo Parte 2 (Francis Lawrence), y, para el público infantil a modo de apertura de la temporada navideña, se estrena Buscando A Dolly (esperada continuación de Buscando a Nemo), Dinosapiens Y  La Película De Animación De Carlitos Y Snoopy. Y no despedimos noviembre sin hablar del nuevo proyecto de Ridley Scott: The Martian con Matt Damon y Sean Bean que se estrenará el 27 muy en la línea de la angustiosa y magistral Gravity


                Por fin llega diciembre que, lamentándolo por los demás estrenos del mes como puedan ser El Paseo (Robert Zemeckis), Kung Fu Panda 3 o Mission Impossible 5 (Christopher McQuarrie y de nuevo con Tom Cruise) es el mes de Star Wars. Efectivamente, el 18 de diciembre está marcado en rojo por todos los fans de la saga pues es cuando se estrena Star Wars VII: El Despertar De La Fuerza. Con todo el mundo siguiendo el mínimo detalle del proyecto, la película de J.J. Abrams se ha convertido en el fenómeno del año pues es mucha la expectación que se ha generado con el regreso al universo de George Lucas ahora en manos de Disney que pretende explotar al máximo la franquicia (se espera que haya películas de Star Wars todos los años venideros hasta el 2020. como poco, los episodios VIII y IX están previstos para los años 2017 y 2019 y entre medias se esperan varios spin off empezando por el de Han Solo en 2016)



                En conclusión el año se presenta con menos superhéroes de años anteriores (y venideros ya que está ya programado los calendarios para películas de Marvel y DC hasta el 2020 y se esperan más de 20 títulos) y más revisiones de sagas míticas, por supuesto, las sempiternas secuelas de franquicias anteriores… y poco margen a películas con ideas nuevas. En un mundo en crisis la sociedad busca entretenimiento fácil que le permita evadirse de sus cargas y padecimientos y el cine, adaptándose a esos requerimientos, se vende a ese buenismo fácil sacrificando su esencia como ente cultural, artístico y enriquecedor de la mente y el alma.

25 de dic. de 2014

CRITICA: Interstellar



Sinópsis:

Un mundo post-tecnológico dedicado a la agricultura, una plaga que amenaza la supervivencia de la humandiad, la NASA como organización casi clandestina y un grupo de pilotos y científicos que se lanzan hacia las estrellas, dejando todo atrás, con la remota esperanza de encontrar un posible hogar para la humanidad.

Crítica:

Qué podemos decir de esta película que no se haya dicho ya? Un espectáculo visual, un ejercicio creativo, un salto de la imaginación apoyado en algunas bases científicas... Pero en mi opinión es una película sobre el amor, sobre algo que trasciende la ciencia, el tiempo, el espacio y nos permite dar un gran salto al vacío or los demás, por la humanidad, por nuestros compañeros, por nuestra familia, por nuestra pareja, por nuestros hijos. Parafraseando a Brand, el personaje de Anne Hathaway, "el amor es lo único que trasciende el tiempo y el espacio". Y por esto, a pesar de la angustia que transmite por momentos, a pesar de los momentos de desesperación, a pesar de la miseria humana y las mentiras de sus personajes, creo que es una película de Navidad. Y es por eso mismo que colgamos esta crítica hoy, 25 de diciembre, día de Navidad, a pesar de las semanas que lleva en cartelera  la película.


Si nos ceñimos a una crítica convencional hay que destacar una producción extraorinaria. La fotografía adaptada a cada momento, con las escenas de la tierra progresivamente más apagadas. Las escenas polvorientas de la tierra, la mudanza en camión, nos retrotraen a la gran depresión y a Las uvas de la ira (John Ford, 1940) Por otro lado están la belleza del espacio, las diferencias entre los planetas que visitan. Y también tenemos la increíble escena en el teseracto. El suizo Hoyte Van Hoytema realiza un trabajo de fotografía magistral, no en vano ha demostrado su dominio de los paisajes interiores de los personajes que filma y de las atmósferas grises y llenas de matices, muy alejadas del brillo tradicional de los éxitos de taquilla de Hollywood. La música de Hans Zimmer es apuesta segura y complemento perfecto. No podría ser de otro modo, no sólo por la extensa experiencia de Zimmer sino porque ha colaborado con Nolan en diversas ocasiones.

La ciencia sobre la que se asienta la película ha sido muy alabada. Aunque es cierto que existe un sustrato físico importante, que el comportamiento de los planetas que visitan se ha apoyado en la física (los momentos en el planeta sometido a brutales fuerzas gravitatorias son impresionantes), también es cierto que buena parte de la cinta se sustenta sobre conjeturas científicas, y da alguna patada a la física conocida. Las salvajes especulaciones sobre los agujeros negros y el comportamiento de los objetos físicos que entren en ellos, los agujeros de gusano o el universo multidimensional con el que un personaje tridimensional logra interactuar, son más que cuestionables. Además, si lo pensamos tras ver esta maravilla, las paradojas espacio-temporales que se abren quedan mal resueltas. Finalmente, la "plaga" que arrasa la tierra es de lo menos verosímil de toda la cinta.


El el aspecto de la interpretación hay que lamentar que Jessica Chastain como Murphy, hija adulta de Cooper, no tenga un papel que le permita mayor lucimiento. Afortunadamente Mackenzie Foy, la niña que interpreta a una Murphy en su infancia está increíble. Anne Hathaway resulta muy creíble como física, a la vez que hija y mujer enamorada, que ha de luchar entre sus sentimientos, sus responsabilidades y sus intuiciones. Matthew McConaughey es como dos personajes. En su gesticulación como padre enfadado en la escuela de Murphy parece no haberse desprendido de su papel en El lobo de Wall Street. El resto de su papel de padre parece el de un hombre que se siente desplazado en icho papel. Quizá fuera lo que buscaba. Pero vestiido de hombre de acción, y padre también todo el tiempo, pasa a vibrar, a brillar y a transmitir sentimientos y emociones. El resto del equipo desarrolla sus papeles de modo más que digno. No sorprende con un elecon que cuenta con John Lithgow, con Michael Caine,con Matt Damon o con un sorprendente David Gyasi. Este último logra articular con brillantez un papel poco lucido y logra transmitirnos sus miedos y sus preocupaciones. Su momento épico se produce cuando recibe a Brand y Cooper tras una misión que para ellos ha sido corta pero de años para él y les explica que no estaba hibernando porque no quería que la vida se le fuera durmiendo.


Existe un tufillo ideológico que personalmente no me agrada. Una especie de ecologismo de chicos buenos. La tierra expulsando a los humanos a través de una "plaga". Como en una teoría de Gaia donde nosotros somos la plaga y la tierra nos expulsa... o quizá nos impulsa a nuestro siguiente estadío. Los humanos hemos perdido nuestra ansiedad de aventura, de descubrir, de soñar, de mirar a las estrellas. Es quizá una visión muy centrada en Occidente, donde puede darse este estado de cosas, pero con absoluta falta de perspectiva sobre los países que casi ayer eran tercer mundo. En esta cinta parece que los humanos somos a la vez causa y solución de nuestro problema, viniendo desde el futuro a resolver nuestro pasado para poder tener un futuro. Nunca queda claro si los extraterrestres que interactúan con nosotros, no somos los nosotros del futuro, creando nuestro pasado como una especia de diosecillos.

Pero si hay algo que destacar, me quedo con el amor. El amor que lleva a un padre a engañar a su hija para así salvarla. El amor que lleva a otro padre a arriesgar su vida para intentar salvar a la humanidad y con ella a sus hijos. El amor de un hijo por su padre que le lleva a ser fiel a la tierra a pesar de estar perdida la esperanza. El amor que inspira a una mujer para saber cuál es el camino acertado. El amor de una hija por su padre que le permite confiar y la empuja a encontrar el camino hasta él. Incluso la historia de amor sugerida entre nuestros dos protagonistas. Olvidad la imagen, olvidad la música, olvidad el guon, olvidad la interpretación. Me quedo con el amor.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Christopher Nolan
  • Guión: Jonathan Nolan, Christopher Nolan
  • Intérpretes: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Bill Irwin, John Lithgow, Casey Affleck, David Gyasi, Wes Bentley, Mackenzie Foy, Timothée Chalamet, Topher Grace, David Oyelowo, Ellen Burstyn, Michael Caine, Matt Damon
  • País: EEUU
  • Duración: 169 minutos
  • Música: Hans Zimmer
  • Fotografía: Hoyte van Hoytema


Lo mejor:

Anda algo sobrada de metraje,
Matthew Mcconaughey resulta más creíble como astronauta que como padre enfadado
Jessica Chastain no tiene un papel que le permita el recorrido interpretativo del que es capaz

Lo mejor:

La belleza de las imágenes, especialmente en el Tesseracto
Me quedo con el amor. Feliz Navidad¡¡¡¡

CRITICA: Musarañas


MUSARAÑAS
Angustia y obsesión
Sinópsis:

Montse (Macarena Gómez) padece agorafobia y ha dedicado su vida, encerrada en su piso de Madrid, a cuidar de su hermana pequeña (Nadia de Santiago). Trabaja de costurera y el único eslabón que la une con el mundo exterior es su hermana. Macarena se refugia en la religión ante esa vida monótona y opresiva. Un suceso inesperado, un vecino atractivo, Carlos (Hugo Silva), se cae por las escaleras y pide ayuda, hace pensar a Macarena que quizá su vida puede cambiar.

Crítica:

Bien acogida en Toronto, proyectada con gran éxito en Sitges 2014 y muy bien recibida en la XXV Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, se estrena esta Navidad en las salas comerciales. Una apuesta arriesgada si se recorre la cartelera española cada Navidad. Una apuesta que rompe con la tradición de estrenar cintas infantiles, comedias románticas, películas familiares, y en general obras ñoñas.
Un guion lleno de giros, algunos más sorprendentes que otros, puesto al servicio de un  dúo de directores: Ya habían colaborado en el corto 036 y se aprecia su sintonía, logrando con su primer largometraje una obra de calidad como constata el que sea candidata a los Goya de este año. Escogen a un Director de Fotografía para el que éste es también su primer largometraje: No por ello deja de demostrar una gran profesionalidad. El broche lo pone la música de Joan Valent, que acompaña acertadamente cada paso de la narración.

Una película que tiene reminiscencias de ¿Qué fue de Baby Jane? (Robert Aldrich, 1960)” o de Misery (Rob Reiner, 1990) pero ambientada en Madrid en los años 50: Un escenario más que apropiado para ayudarnos a percibir la opresión, el silencio forzado y el silencio elegido, la virtud pública y el vicio privado, las miserias familiares y especialmente las dificultades de la mujer para sobrevivir en ese entorno. La presencia de Alex de la Iglesia se nota en varios aspectos. Una impecable calidad de producción. La presencia de algunos temas fetiche de este Director, la familia, el humor negro o la sexualidad. Finalmente tenemos la presencia de Carolina Bang (productora ejecutiva a su vez). Esta presencia resulta en un contraste muy acertado. Rubia, elegante, resuelta, alta y voluptuosa, justo lo contrario de la protagonista, y de la mujer española de la época. 

En el aspecto interpretativo todos los actores demuestran gran competencia, lo mismo Nadia de Santiago que Hugo Silva, lo mismo Gracia Olayo (Puri, la cliente económicamente acomodada que trata de ayudar a Montse) que la propia Carolina Bang. Pero quienes realmente rompen la pantalla son Macarena Alvarez y Luis Tosar. Ella borda su papel de personaje obsesionado, torturado, angustiado… y esperanzado, con una expresividad facial al nivel de las grandes actrices del cine clásico. Hasta el punto que The Hollywood Reporter la ha comparado con Bette Davis en ¿Qué fue de Baby Jane?. Él, insuperable en su papel de presencia imaginada pero omnipresente, machista, despectiva y altiva. A veces Tosar actúa tan bien como maltratador que es difícil verle de otro modo en distintos papeles.

Si quisiéramos reprocharle algo sería una cierta lentitud al comienzo de la cinta, y la obsesión con el tema religioso entremezclado con la represión sexual. Este último un tema muy manido y lleno de lugares comunes.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Juanfer Andrés, Esteban Roel
  • Guión: Juanfer Andrés, Sofía Cuenca
  • Intérpretes: Macarena Gómez, Luis Tosar, Hugo Silva, Nadia de Santiago, Carolina Bang, Gracia Olayo, Silvia Alonso, Asier Etxeandia, Josean Pérez
  • País: España
  • Duración: 91 minutos
  • Música: Joan Valent
  • Fotografía: Ángel Amorós

 

Lo mejor:

Macarena Alvarez y Luis Tosar se comen la pantalla con sus respectivas interpretaciones.

La ambientación y en general la producción son extraordinarias.

Lo peor:

Resulta desconcertante estrenar una película de este carácter un 25 de diciembre.
Algo dura para el público general, pero con pocas sorpresas para el aficionado al género.

Quizá tarda un poco en coger ritmo.


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