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10/4/2014

articulo: el resurgir del cine bíblico

Este año, de la mano de Darren Aronofsky con Noé (que se ha estrenado el pasado 4 de Abril)  por un lado y Ridley Scott con Exodus (habrá que esperar al 5 de Diciembre para verla) por otro, podrá verse el resurgir de un género altamente productivo en la historia del cine: el cine bíblico


                La Biblia se considera el mayor Best-seller del mundo y también el mejor guion para multitud de películas a lo largo de toda la historia del cine. Los cineastas han recurrido a las Sagradas Escrituras o bien buscando un mensaje teológico- filosófico- moralizante, o bien buscando grandes narraciones épicas, o grandes y fastuosas superproducciones.

                Adán y Eva, Noé, Moisés, David y Goliat, Sansón y Dalila… y por supuesto la prolija y excelsa historia de Jesús han sido ampliamente representadas en la gran pantalla. Sin duda su mayor exponente seria el director Cecil B. De Mille (hijo de un predicador) con películas como Rey de Reyes (1927) Sansón y Dalila (1949) o las dos versiones de Los 10 Mandamientos (de 1923 y la legendaria versión con Charlton Heston de 1956). Con él se inaugura un ciclo de cine de cartón-piedra que, si bien popularizó el género de cine bíblico, también se le puede considerar escasamente riguroso en lo que a la puesta en escena se refiere. A su muerte en 1959 tenía en mente una producción centrada en la vida de la Virgen llamada La Reina De Las Reinas.


                A partir de ahí vendrían las más célebres producciones del género altamente proyectadas en todas las Semanas Santas españolas: Rey De Reyes (Nicholas Ray, 1961), La Biblia (John Huston, 1966), La Historia Más Grande Jamás Contada (Jean Negulesco, George Stevens  Y  David Lean, 1964) la celebrada Jesús De Nazareth (F. Zeffinelli, 1977). Hasta el propio Martin Scorsese coqueteó con el género con la liberal y polémica La Última Tentación De Cristo (1988). Sin embargo el género iría perdiendo fuerza en la historia del cine de los años ´80, ´90 y ´00 quedándose más destinado a series, documentales, y producción televisiva. Salvo honrosas excepciones como la cruda versión de Mel Gibson de La Pasión De Cristo (2004) o la película musical de animación producida por Steven Spielberg El Príncipe De Egipto (1998). La incursión más reciente de la cinematografía al mundo bíblico ha sido en el 2013 con la miniserie de 10 capítulos llamada La Biblia con el auspiciado del Canal De Historia.

                Con respecto a los dos protagonistas de las películas que nos ocupan, tenemos como primer referente para Noé la película Noah´S Ark (Michael Curtiz 1928) como una de las primeras películas de transición entre el cine mudo y el sonoro; pero mucho más cercana en el tiempo es la miniserie El Arca De Noé dirigida por John Irvin, y protagonizada por  John Voight y Mary Steenburgen. Fue emitida en Estados Unidos en 1999 en tres episodios de 60 minutos cada uno (178 minutos en total). En esta versión se puede ver mucho más verismo al relato original que la cinta de 1928. Aún así Aronofsky comenta que su film será aún más fiel al relato bíblico aunque, viendo el producto final, el film está mucho más cercano a una gran superproducción hollywoodiense que la representación más modesta de Irvin. El propio elenco de actores de renombre elegidos: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson o  Anthony Hopkins así lo presagiaba. la pelicula resulta un alarde en efectos especiales pero larga, densa, vacia de guion y la tan jaleada fidelidad al relato no lo es tanta. Sin llegar a ser mala, la pelécula no llega a la calidad de otras obras del director como como Réquiem Por Un Sueño (2000) o Cisne Negro (2010).


                Moisés tiene mucha más raigambre en el mundo cinematográfico, aparte de las 2 versiones del propio Cecil De Mille. Más recientemente tenemos la versión de cine doméstico de Moses  (Roger Young 1996) Protagonizada por Ben Kingsley, con Frank Langella y Christopher Lee, entre otros o la referida El príncipe de Egipto (Steve Hickner, Simon Wells, Brenda Chapman, 1998) . En la película de Ridley Scott de estas navidades Éxodus se podrá ver a Christian Bale como Moisés y, curiosamente, el propio Kingsley tiene un papel en la película. Rodada en Almería y Marruecos, la película viene a ser su nueva incursión cinematográfica del director británico tras sus últimos films como El Consejero Y Prometheus de acogida algo fría por el público y la crítica.




                Pero ahí no acaba la cosa. También Jesucristo que no le vemos en la gran pantalla desde la mencionada La Pasión De Cristo (Mel Gibson 2004), tiene pensado regresar con sendas producciones. La más aclamada es, a la vez, la más polémica: se trata de Jesús of Nazareth película de Paul Verhoeven, adaptación de un libro del mismo cineasta de 2010. En ella se postula la naturaleza humana y mortal de Jesucristo cuyo nacimiento vino a manos de la violación de su madre por parte de un soldado romano y cuya trayectoria por la vida, lejos de milagrosa, está más enfocada a ser un filósofo y pensador cuyas pioneras enseñanzas fueron las detonantes del posterior cristianismo.  El otro proyecto, Son Of God, será del director Christopher Spencer y tendrá un corte mucho más tradicional y fiel a las Sagradas Escrituras siguiendo asimismo la línea de la serie de 2013 La Biblia (no en vano el actor que encarnará a Jesús, Diogo Morgado es el mismo que en  la serie)

20/3/2014

CRÍTICA: Byzantium

SINOPSIS: Clara y Eleanor son madre e hija. Aunque una madre y una hija bastante peculiares, con un pasado extraño y un futuro incierto. Byzantium es el hotel cerrado en que consiguen alojarse cuando Clara seduce a su dueño.
Neil Jordan marcó un hito en la filmografía de vampiros cuando en 1994 rodó Entrevista con el vampiro, uno de esos raros casos en que una película logra mejorar el original literario.
Parece qud Byzantium es un intento de repetir el éxito logrado con aquella película, un retorno a las historias vampíricas con una nueva perspectiva. Para ello se apoya en un guión original de Moira Buffini.
Director y guionista tienen una buena trayectoria a sus espaldas. Por eso, la película que nos ocupa, resulta decepcionante y se entiende que haya tardado dos años en estrenarse. No es una película fácil de ver ni de vender. Ni es fácil encontrar al público adecuado.
Quizá lo que más se agradece es la capacidad para desmarcarse de la corriente Crepúsculo en particular y del vampirismo bobalicón-romántico en general. Desde este punto de vista, quizá pueda atraer a algunos de los aficionados a los vampiros que rechazan la deriva que estaban tomando los chupasangres en estos últimos años.
Neil Jordan y Moira Buffini quieren hablar de dos cosas: de la soledad y de una perspectiva vampírica feminista.
La soledad se refleja, ante todo, en los primeros 90 minutos. Pero el director se equivoca por completo al creer que puede expresar la soledad mediante el tedio y la repetición. Aburrimiento no es igual a soledad. Esas idas y venidas por el paseo marítimo, esa cueva revisitada demasiadas veces, revelan falta de imaginación para construir esa trama de incomunicación.
Lo cierto es que hasta la hora y media de metraje no ocurre un giro de guión interesante. El espectador no puede hacer otra cosa que esperar para ver hacia dónde se encamina la morosa evolución de los personajes. Es ahí, hacia el minuto 90, donde la historia cobra interés y hace su apuesta feminista, una apuesta a la vez sugerente y de baratillo, original pero simplona.
Ahí aparece la nueva óptica, otra forma de ver la existencia de los vampiros, qué es lo que hacen, por qué lo hacen y cuáles son sus peculiares reglas de funcionamiento. Y lo que suponen Clara y Eleanor en el nuevo orden de cosas. El último tramo de la película es mucho más sugerente e, incluso, adictivo.
Indudablemente los dos grandes valores de la película son Gemma Arterton y Saoirse Ronan, las dos muy bien, las dos intensas pero, de forma muy clara, desubicadas. Está claro que se entregan al máximo y que tienen algunas secuencias complejas que resuelven eficazmente. Sin embargo, no llegan a emocionar al espectador con su carga dramática. La  narrativa es demasiado deslavazada, lenta y confusa. El trabajo de ambas actrices no logra imponerse sobre un montaje bastante atroz que trabaja en contra de las interpretaciones.
Una película para los incondicionales del género, con esos elementos sugerentes del tramo final, pero que habría funcionado mucho mejor como episodio piloto de una serie con sus 45-50 minutos de duración.
Lo mejor: Gemma Arterton y Saoirse Ronan.
Lo peor: Un montaje mortalmente aburrido durante la mayor parte del metraje.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Neil Jordan.
Guión: Moira Buffini.
Intérpretes: Gemma Arterton, Saoirse Ronan.
País: Reino Unido.
Duración: 118 m.
Música: Javier Navarrete
Fotografía: Sean Bobbitt.

13/3/2014

Articulo: La gala los Oscars 2014 en pinceladas



Los ganadores: claramente la gran triunfadora ha sido Gravity con sus 7 estatuillas
12 años de esclavitud se ha llevado 3 entre ellas la de mejor película.
Dallas Buyers Club también cuenta con 3 premios
Mientras que Frozen, y El Gran Gatsby se llevan 2
Her y Blue Jasmine se llevarían 1 solo premio

Los perdedores: la gran derrotada ha sido La Gran Estafa Americana que de sus 10 nominaciones se ha ido de vacío.
Igualmente El Lobo De Wall Street también se ha ido con las manos vacías para desolación de Leonardo DiCaprio que vuelve a escapársele el Óscar.
Nebraska o El Capitán Phillips tampoco han contado con el favor de la academia

La apertura de la gala: lejos de acudir a divertidos montajes en el que el presentador de la gala se inserta en escenas de las películas nominadas o aparatosos musicales, DeGeneres acude a la fórmula del monologo rápido, ágil y jocoso mencionando cada artista nominado y soltando algún chascarrillo o broma mordaz sobre el. Ya con ello le da al a gala una frescura y cotidianidad que no perdería en toda la noche 

Momentos conmovedores: los de las lágrimas de Lupita Nyong'o al recibir su premio o el emotivo memorial con el añadido homenaje de Bill Murray a su amigo Harold Ramis


Momentos para la historia:
·           el Selfie que se sacó la presentadora nada más empezar la gala ha batido records de twitteos en las redes sociales
·           Se da el caso que Alfonso Cuarón es el primer director latino en recibir el Óscar al mejor director
·           También Bratt Pitt recibe por primera vez un Óscar al ser el productor de la elegida mejor película
·           El matrimonio formado por Kristen Anderson-López y Robert López, artífice de la canción ganadora Let it go ha resultado ser los duodécimos en conseguir el denominado EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony)

El momento vilipendio: la única salida de tono de la presentadora ha sido con la veterana Liza Minnelli a quien se ha dirigido diciendo: "Creo que es uno de los mejores imitadores de Liza que he visto nunca. Buen trabajo, señor"

El homenaje: si bien el año pasado se homenajeo a James bond, este año tocaba los 75 años del estreno de la película el mago de oz con una sobria interpretación de la artista Pink del tema principal

El acierto: el equilibrio entre humor y musical, el buen ritmo de la gala

El chascarrillo: hubo bastante sorna con respecto al traspiés de la actriz Jennifer Lawrence  en la anterior gala al pisarse la larga cola de su vestido de tal forma que hasta la propia actriz cuando salió a entregar el premio al mejor actor salía con sano resquemor

El asombro: la campechanía y cotidianidad llevada por la presentadora nos dejó 
escenas tan peculiares como ver sacarse fotos o comer pizza a los actores más renombrados en pleno patio de butacas



La presencia española: si bien en el certamen el único representante español (Esteban Crespo) se fue de manos vacías, la gala si contó con más sabor español que la gala anterior. Por lo pronto Penélope Cruz salió entregando uno de los premios y pudimos oír a Alfonso Cuarón hablar en castellano unas palabras dedicadas a su madre al más puro estilo Almodóvar o Bardem.

La presentadora: Ellen DeGeneres repite la responsabilidad de presentar la gala tras haberlo hecho en el 2007 y lo hace con soltura, desparpajo, cercanía y frescura. Ha sabido conectar tanto con la audiencia como con la concurrencia de famosos y celebridades bajándolos de su pedestal como con las redes sociales.
El look, apariencia, bromas y actuación ha intentado hacerlo suyo Eva Hache y de ahí que la comparación sea inevitable aunque la norteamericana lo hace con mucho mas clase, estilo y profesionalidad que la española

La duración: dentro de lo  previsto quizá un poco más breve resultando ser poco más de 3 horas


Lo mejor: la gala ha sido dinámica, entretenida cercana y equilibrada
Lo peor: premios muy predecibles y con una tendencia a lo políticamente correcto antes que a una objetividad pretendidamente esperada en estos certámenes

PALMARES


Mejor Película: “12 años de esclavitud
Mejor Dirección: Alfonso Cuarón, por “Gravity”
Mejor Actor Protagonista: Matthew McConaughey, por “Dallas Buyers Club”
Mejor Actriz Protagonista: Cate Blanchett, por “Blue Jasmine”
Mejor Actor de Reparto: Jared Leto, por “Dallas Buyers Club”
Mejor Actriz de Reparto: Lupita Nyong’o, por “12 años de esclavitud”
Mejor Guion Original: Spike Jonze, por “Her
Mejor Guion Adaptado: John Ridley, por “12 años de esclavitud
Mejor Película de Animación: “Frozen: El Reino del Hielo
Mejor Fotografía: Emmanuel Lubezki, por “Gravity
Mejor Montaje: Alfonso Cuarón y Mark Sanger, por “Gravity
Mejor Diseño de Producción: Catherine Martin y Beverley Dunn, por “El gran Gatsby
Mejor Banda Sonora Original: Steven Price, por “Gravity
Mejor Canción Original: Kristen Anderson-López y Robert López, por Let it go (“Frozen: El Reino del Hielo”)
Mejor Montaje de Sonido: Glenn Freemantle, por “Gravity
Mejor Mezcla de Sonido: Skip Lievsay, Niv Adiri, Christopher Benstead y Chris Munro, por “Gravity”
Mejor Vestuario: Catherine Martin, por “El gran Gatsby
Mejor Maquillaje y Peluquería: Adruitha Lee y Robin Mathews, por “Dallas Buyers Club
Mejores Efectos Visuales: Tim Webber, Chris Lawrence, Dave Shirk y Neil Corbould, por “Gravity
Mejor Largometraje Documental: “A 20 pasos de la fama
Mejor Cortometraje Documental: “The lady in number 6: Music saved my life
Mejor Cortometraje de Animación: “Mr. Hublot
Mejor Cortometraje de Acción Real: “Helium
Mejor Película de Habla No Inglesa: “La gran belleza” (Italia)

Oscar Honoríficos: Angela Lansbury, Steve Martin y en el diseñador de vestuario Piero Tosi. Angelina Jolie ha recibido el premio humanitario Jean Hersholt.

reportaje: 86th Oscars Academy Awards


El pasado 2 de Marzo se entregaron los premios Oscars de la Academia donde Gravity ha sido la gran ganadora de la noche llevándose 7 de las estatuillas la mayor parte de ellos del apartado técnico. 12 Años De Esclavitud se llevó 3 galardones entre ellos el de mejor película. Las películas revelación de la noche fueron El Gran Gatsby con dos y Dallas Buyers Club con tres estatuillas y las grandes perdedoras fueron El Lobo De Wall Street Y La Gran Estafa Americana.

            No hubo sorpresas. A decir verdad en los últimos certámenes no las está habiendo. Las quinielas no fallaron y los grandes premios han sido como se esperaba que fueran. Los técnicos también. La gala transcurrió de forma amena distendida e informal. Mucho de ello gracias a la frescura y cotidianidad que le dió su presentadora Ellen DeGeneres con unos ademanes y estilo muy parecido al de Eva Hache (¿o debería considerarse al revés?). Ello ya se pudo ver desde el inicio de la gala cuando la presentadora fue mencionando a todos los actores y actrices nominados diciendo algún chascarrillo sobre ellos sacando a relucir su lado más humano… a lo largo de la noche estuvo más en el patio de butacas que en el escenario sacándose fotos con el móvil con los actores y los colgaría en Twitter o incluso les pidió unas pizzas.


            Este año la temática central de los premios iba enfocada a esos héroes de ficción o no que han ido poblando toda la historia del cine y por ello se han hecho recordatorios constantes a figuras de esa índole…

             Los primeros premios fueron llegando para Dallas Buyers Club y El Gran Gatsby. Mejor actor de reparto para Jared Leto y mejor maquillaje para la primera y mejor vestuario para la segunda. Tras el paréntesis de los premios de las películas de animación que los ganaría Mr hublot en la categoría de cortometraje y Frozen: el reino del hielo en la de largometraje (dejando sin merecido reconocimiento a Hayao Miyazaki en el año en el que anunciaba su retirada) vino el festival para Gravity. El más evidente y el primero de ellos sería el de mejores efectos visuales. Pero veríamos levantarse de sus butacas al equipo artífice de esta película hasta en cuatro ocasiones más: mejor mezcla de sonido, mejor montaje de sonido, mejor fotografía y mejor montaje…

            Entre medias también se entregaron otros premios como los de cortometraje documental de acción real en el que la única participación española a manos de Esteban Crespo y su cinta Aquel No Era Yo, se vio desbancada por el film danés Helium. Tras los premios a los documentales y al premio a la mejor película de habla no inglesa (que en esta ocasión recaería por 14ª vez a favor de una película italiana: La Gran Belleza De Paolo Sorrentino) empezaron a venir los premios más sonados.

            12 Años De Esclavitud empezó a ver un poco la luz tras el demoledor arranque de Gravity con el Òscar a la mejor actriz de reparto en al que una emotiva y emocionada Lupita Nyong'o recogió su primera estatuilla. El Gran Gatsby todavía no había dicho su última palabra y se levantarían una vez más para recibir el reconocimiento al mejor diseño de producción. Frozen también volvió a ser nombrada en el escenario como ganadora a la mejor canción Let It Go consiguiendo pleno en sus dos candidaturas. Como curiosidad, el tema musical de esta película también ganó el Emmy, el Grammy y el Tony siendo una de las pocas que consigue el denominado E.G.O.T. Por su parte, también en el apartado musical Gravity conseguiría su sexta estatuilla gracias a la sobria pero acertada partitura de Steven Price desbancando con ello al propio y todopoderoso John Williams.


            Pero antes de los grandes premios hubo dos momentos emotivos. primeramente el del homenaje al 75 aniversario de la película de El Mago De Oz con una sorprendentemente femenina Pink interpretando el tema principal y el siempre momento intenso del memorial esta vez seguido en un riguroso silencio (donde se ha omitido el falleciente de una de las pocas españolas que en su época hizo carrera en Hollywood: Sara Montiel pero si salió mencionado el genial y entrañable Harold Ramis que, a nivel personal, también homenajearía su amigo Bill Murray al presentar el Òscar a la mejor fotografía) tal memorial culminó con La audiencia puesta en pie tras la mítica canción de Bette Midler Wind beneath my wings.


            Ahora si, en la recta final se descubrirían los grandes premios y, de nuevo no hubo sorpresas. En el apartado de mejor guión adaptado una radiante y pletórica Penélope Cruz del brazo de Robert Deniro otorgarían el premio A John Ridley Por 12 Años De Esclavitud mientras que el guion original recayó en las manos de Spike Jonze y su libreto para Her. Alfonso Cuarón redondeó su paso por los Oscar ganando el premio al mejor director suponiendo la primera vez que un cineasta latino consigue la estatuilla. Para desolación de Leonardo DiCaprio, Matthew McConaughey, siguiendo la estela dejada por su compañero de reparto en Dallas Buyers Club, subió a recoger su estatuilla en lo que viene a ser un reconocimiento de la academia no a la película en si sino al propio trasfondo que subyace tras ella: la lucha contra el sida y un guiño a la comunidad gay. Daniel Day Lewis le entregaría el preciado galardón a Cate Blanchett por Blue Jasmine en el que es su segunda estatuilla tras El Aviador en 2004.


            Como colofón final a la gala, de la mano de Will Smith (¿casualidad?) se entregaría el mayor premio de la noche, el de mejor película que, rompiendo con la tónica triunfalista de Gravity, le seria otorgada a 12 AÑOS DE ESCLAVITUD. Más parece que este último premio viene a ser un tributo y homenaje de la academia a lo que fue uno de los episodios negros de la historia americana: el de la esclavitud y que de siempre la cinematografía de ese país ha intentado eludir o minimizar. Con la película de Steve Mcqueen esa deuda queda saldada con su visión dura y cruda de la realidad donde no se omite ni se suaviza nada de lo que realmente fue y la academia lo ha querido premiar (también con unos tintes políticamente correctos) Como dato curioso apuntar que con esta película Bratt Pitt se lleva su primer Óscar puesto que participa en la producción del film


            En líneas generales la gala fue bien llevada y conducida por Ellen deGeneres con las dosis justas de humor, frescura y cercanía tanto con los espectadores como con los actores y las redes sociales (y el constante twitteo). En cuanto a los números musicales, mucho más comedidos que en la gala anterior bastante de agradecer y en cuanto a los premios han resultado muy predecibles lo que le ha restado expectación al certamen. A la hora de otorgar los galardones la balanza se ha inclinado hacia los tributos y homenajes a colectivos concretos por un lado (negro, hispano o gay), y al de las nuevas directrices marcadas por el cine digital y en 3D por el otro (no olvidemos que en la anterior edición también salió reforzada otra película de gran belleza visual y tratamiento 3D: La Vida De Pi)



PALMARES


Mejor Película: “12 años de esclavitud
Mejor Dirección: Alfonso Cuarón, por “Gravity”
Mejor Actor Protagonista: Matthew McConaughey, por “Dallas Buyers Club”
Mejor Actriz Protagonista: Cate Blanchett, por “Blue Jasmine”
Mejor Actor de Reparto: Jared Leto, por “Dallas Buyers Club”
Mejor Actriz de Reparto: Lupita Nyong’o, por “12 años de esclavitud”
Mejor Guion Original: Spike Jonze, por “Her
Mejor Guion Adaptado: John Ridley, por “12 años de esclavitud
Mejor Película de Animación: “Frozen: El Reino del Hielo
Mejor Fotografía: Emmanuel Lubezki, por “Gravity
Mejor Montaje: Alfonso Cuarón y Mark Sanger, por “Gravity
Mejor Diseño de Producción: Catherine Martin y Beverley Dunn, por “El gran Gatsby
Mejor Banda Sonora Original: Steven Price, por “Gravity
Mejor Canción Original: Kristen Anderson-López y Robert López, por Let it go (“Frozen: El Reino del Hielo”)
Mejor Montaje de Sonido: Glenn Freemantle, por “Gravity
Mejor Mezcla de Sonido: Skip Lievsay, Niv Adiri, Christopher Benstead y Chris Munro, por “Gravity”
Mejor Vestuario: Catherine Martin, por “El gran Gatsby
Mejor Maquillaje y Peluquería: Adruitha Lee y Robin Mathews, por “Dallas Buyers Club
Mejores Efectos Visuales: Tim Webber, Chris Lawrence, Dave Shirk y Neil Corbould, por “Gravity
Mejor Largometraje Documental: “A 20 pasos de la fama
Mejor Cortometraje Documental: “The lady in number 6: Music saved my life
Mejor Cortometraje de Animación: “Mr. Hublot
Mejor Cortometraje de Acción Real: “Helium
Mejor Película de Habla No Inglesa: “La gran belleza” (Italia)
Oscar Honoríficos: Angela Lansbury, Steve Martin y en el diseñador de vestuario Piero TosiAngelina Jolie ha recibido el premio humanitario Jean Hersholt.

12/3/2014

CRÍTICA: Dallas Buyers Club

SINOPSIS: Son los primeros años del SIDA y a Ron Woodroof le diagnostican la enfermedad. Al principio se siente confuso pues se considera un tío muy macho, un vaquero, un texano. Luego luchará por sobrevivir contra las farmacéuticas.
La película es digna de verse por la interpretación de los actores. Matthew McConaughey, tras sus papeles en Mud o la serie True Detective, confirma su enorme versatilidad con un merecido Oscar. Lo mismo se puede decir de Jared Leto, que le da la réplica como Rayon, un travesti en serios problemas.
Pero también los secundarios hacen grandes interpretaciones, desde Jennifer Garner, la médico que empieza a cuestionarse la medicación que aplican, hasta Griffin Dune, ese médico al que le han retirado la licencia y busca hacer las cosas a su manera en México.
Es ahí donde la película alcanza su mayor valor, lo que la eleva algún punto sobre la mediocridad. Porque el guión y su estructura son bastante elementales, absolutamente previsibles. Es fácil saber por dónde irán los conflictos, los retos que Woodroof tendrá que superar. Es fácil deducir que habrá un juicio y fácil saber cuál será el resultado.
El guión está construido sobre esa plantilla que Hollywood tiene para los dramas. Saben lo que funciona, saben cuándo hay que introducir una escena sentimental, cuándo una muerte, cuándo la reacción de catarsis. Y ese facilidad, esa ausencia de riesgos, aunque funcione a nivel comercial, daña bastante a una película que debería haber sido mucho más.
Lo cierto es que cita los problemas espinosos pero los esquiva, sin ir a la raíz. Las farmacéuticas, los médicos, los agentes encargados de la aprobación de medicamentos, quedan personificados en unos personajes esquemáticos. Pero no ataca las estructuras, no aborda la cuestión de los intereses económicos. La realidad de que los gobiernos y las empresas estaban más interesados en hacer dinero que en salvar pacientes, apenas queda dibujada.
Está mucho más trabajada y es, por ello, más interesante, la evolución de Woodroof. Inicialmente es un tipo homófobo y extremo en sus opiniones. La muerte de Rock Hudson y su condición de homosexual, acaban de evidenciar para todo el mundo la existencia de la enfermedad. Woodroof se burla de él. Pero poco a poco irá descubriendo que los homosexuales y travestis son personas, humanos en un momento particularmente crítico de la historia, con numerosos problemas que nadie quiere afrontar.
Es curioso (y esto se debe también a la capacidad de metamorfosis de McConaughey) esa búsqueda de nuevas medicaciones que le llevan a México, Japón, Israel, China, fingiendo ser sacerdote, ejecutivo, médico... Lo que haga falta. Esos 30 días que le han dado de vida comienzan a convertirse en años.
Obviamente no se puede ser reivindicativo y conservador, abordar un gran problema y mostrarse reacio a afrontarlo. Y ese es el problema de un guión que intenta tenerlo todo: denunciar pero sin que moleste a los grandes empresarios ni al gobierno.
Con todo una película interesante que hace descubrir cuál es el valor de una vida humana según para qué clase de personas.
Lo mejor: Los actores.
Lo peor: El tímido guión.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Jean-Marc Vallée.
Guión: Craig Vorten, Melisa Wallack.
Intérpretes: Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner.
País: Estados Unidos.
Duración: 117 m.
Fotografía: Yves Bélanger.
)

7/3/2014

CRÍTICA: Emperador

SINOPSIS: El general Fellers, mano derecha de McArthur, recibe la orden de investigar la responsabilidad de Hiro Hito, emperador de Japón, en el conflicto de la II Guerra Mundial. Fellers debe decidir si será emplazado a juicio y morir o ser exculpado.
Es bastante obvio que la película no corre riesgos. Se trata de una historia filmada correctamente, académica, muy de manual, con las ventajas e inconvenientes que ello implica.
Su principal acierto es que toca un tema no tratado hasta ahora. Si bien, por motivos obvios, el cine se ha interesado con frecuencia en el nazismo en todas sus variantes, el concurso de Japón ha quedado frecuentemente en segundo plano si se exceptúa Pearl Harbour y las dos incursiones de Clint Eastwood en las batallas finales.
En sentido estricto no se trata de una película bélica. Hay en ella poca acción y sólo en flashback. Es una investigación en busca de pruebas que avalen o anulen los deseos de impartir justicia. Tal vez venganza.
McArthur era un hombre arrogante y ambicioso. Pero no se dejaba mangonear por los políticos. Entre otras cosas porque tenía algo de lo que carecen los políticos: visión política. El gobierno en Washington, los burócratas y el pueblo americano esperaban ver a Hiro Hito juzgado y condenado a muerte.
Sin embargo, tanto McArthur como Fellers conocían la peculiar idiosincrasia de Japón, sus complejidades, contradicciones y sus miles de tonos de gris. El Emperador podía ser considerado un dios. Y, al mismo tiempo, un mero título honorífico que podía ser usado y manipulado.
Ambos generales sabían también que la muerte de Hiro Hito podía suponer el levantamiento de la población y la expansión del comunismo sobre el Imperio nipón. Y eso era algo de lo que ya tenían bastante.
Así, pues, la película se centra en la psicología del soldado japonés, sus motivaciones, la razón de su modo de actuar y, al mismo tiempo, la visión de una sociedad que se fundamenta en la idea del honor y la lealtad llevada al extremo. Como uno de los generales dirá: cumplimos nuestro deber y perdimos nuestra humanidad.
Que sea un film académico, de manual, implica la existencia de subtramas convencionales. En este caso se trata de la relación romántica entre Fellers y una profesora japonesa, fragmentos de guión que aportan más bien poco al desarrollo general del tema que trata y regidos por convencionalismos.
Emperador no aspira a mucho pero deja momentos interesantes, comenzando por ese fragmento de historia del que se conoce más bien poco. Sin embargo no es una película para un espectador exigente aunque se deje ver con facilidad.
Lo mejor: El deseo de captar la psicología de una cultura ajena a los parámetros occidentales.
Lo peor: Su falta de ambición.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Peter Webber.
Guión: Vera Blasi, David Klass.
Intérpretes: Matthew Fox, Tommy Lee Jones, Eriko Hatsune.
País: Estados Unidos, Japón.
Duración: 105 m.
Música: Alex Heffes.
Fotografía: Stuart Dryburgh.

2/3/2014

ENTREVISTA: JANDRO (Alejandro López García)

Con motivo del nuevo libro de Jandro "La oreja verde", publicamos la entrevista realizada por Ondacero Burgos de la mano de los chicos de Butaca Cero (100.1 FM de 15.30 a 16:00).
En este enlace podéis encontrar toda la información sobre el libro: La oreja verde. Nosotros os dejamos un fragmento de lo que el propio Jandro explica en su web:

"Una vez leí que si querías guardar un secreto, lo escribieras en un libro. Y precisamente es lo que he hecho. Es un libro muy personal. He plasmado lo que me funciona de verdad. Ya hay montones de libros de empresa, de autoayuda, de motivación, de creatividad, etc., algunos muy buenos y la mayoría iguales porque se dedican a contar lo que hacen otros. Si quiero saber lo que hacen otros, ya les compraré a ellos su libro. En este quiero contarte lo que hago yo, con mis altibajos, con mis ejemplos, con mis historias. Cómo analizo los problemas, cómo busco las soluciones, cómo trabajo la creatividad, cómo lidio con la ansiedad, qué es para mí la suerte, qué técnicas uso para hablar en público, qué me motiva, cómo afronto los miedos, qué es para mí el ridículo y como supero el rechazo, todo esto con humor porque para hablar de temas serios, nada mejor que hacerlo con una sonrisa en la boca. Por eso es diferente, porque nace de mi experiencia, que es diferente a la tuya. Y la idea no es lanzar un libro más, sino algo que se complemente con lo que ya hay, no algo que ya exista y sólo te haga perder el tiempo. Y tiempo tenemos poco y hay que aprovecharlo.

Estoy convencido de que para salir de las crisis, evolucionar y crecer como personas hay que compartir conocimientos y ese es el objetivo del libro. Aquí te ofrezco mis trucos, herramientas y experiencias para que amplíes y complementes las tuyas. Te ofrezco mi visión de la vida para que la leas, la pienses, cojas lo que te interese y quizás te ayude o motive a conseguir tus metas. Ese es mi objetivo, ni más ni menos. Gracias.

Si te apetece ver la charla TEDxMoncloa para saber de qué va el libro, pincha aquí

Que la disfrutes!"

La entrevista, aquí: 

ARTÏCULO: Nominaciones a mejor actor, Premios Oscar 2014


“And the winner is…” estas palabras precederán a la revelación de quién es el mejor actor principal según la Academia Americana de Cine, la AMPAS o Academy of Motion Picture Arts andSciences. Hay cinco grandes actores nominados para esta 86 edición. Cinco grandes actores interpretando cuatro a personajes reales, y uno que perfectamente podría serlo. Cinco grandes actores representando a cinco estadounidenses, al margen u opouestos al sistema, extraños para los demás pero coherentes en sí mismos. Cinco grandes actores de carreras consagradas trabajando en cinco cintas de muy buena manufactura. “And the nominees are…” Bruce Dern por Nebraska, Christian Bale por La gran estafa americana, Leonardo DiCaprio por El lobo de Wall Street, Chiwetel Ejiofor por 12 años de esclavitud y Matthew McConaughey por Dallas Buyers Club.

Empecemos con DiCaprio y su personaje de Jordan Belfort y la muy comentada y aclamada, tan brillante como vacía El lobo de Wall Street. A favor de DiCaprio están sus tres candidaturas previas que no obtuvieron estatuilla y que la cinta sea de Scorsese. En su contra encontramos una cierta antipatía que parece tener la Academia hacia el actor. Otro factor en su contra es el propio papel. Un Belfort bien interpretado que no reflexiona sobre nada, narra pero no se arrepiente, incluso diríamos que resulta triunfador (al llegar a la cárcel estaba asustado hasta que recordé que era rico y aquí se vende todo) que acaba impartiendo seminarios por el mundo. Viendo la sensibilidad de los otros papeles candidatos, dotados de una reflexión sobre la vida, sobre la sociedad, sobre la esencia de lo humano… creemos que juega con una enorme desventaja.

 
El personaje de anciano decrépito que Bruce Dern interpreta en Nebraska resulta una convincente aproximación a un hombre ya en decadencia pero tenaz y honesto a su modo, padre distante que se va mostrando según pasa tiempo con su hijo. A favor de esta candidatura, además de su magnífica interpretación, podría jugar su elevada edad y larga carrera cinematográfica. Desafortunadamente no  se trata una carrera jalonada de brillantes éxitos y papeles protagonistas que pudiera justificar el premio basándose en su larga trayectoria. Tampoco juega su favor que la película pueda considerarse una “obra menor”. Salvo mayor sorpresa no parece que el señor Dern se vaya a alzar con el Oscar.



Christian Bale es un gran actor y su papel en La Gran Estafa Americana es de mérito. La profundidad del personaje, su humanidad, su ética personal, la maestría de su arte, generar confianza y caer bien para poder estafar, todos son elementos que Bale logra manejar con cierta magia. La representación de los 70, la caracterización de los actores, todo contribuye a lograr la atmósfera deseada. En el fondo, una crítica de la codicia, representada más por quién debería ser el “bueno”, y la honestidad de un hombre que mantiene un ética personal y propia. Por ejemplo, a su socia y amante no le oculta ni su matrimonio ni su paternidad. Otro elemento brillante es que, a diferencia de El Golpe, aquí no existe un plan maestro, los planes surgen según brotan las necesidades y circunstancias. Cuenta a su favor con ser una de las grandes candidatas a los Oscars este año con 10 nominaciones: Pero el papel de Bale no ha obtenido premio BAFTA, ni Globo de Oro. Creemos que no destaca lo bastante para arrebatar el premio a los otros candidatos.
 

 

De larga carrera también, Chiwetel Ejiofor dibuja con maestría Solomon Northup, autor del libro que inspira la película 12 años de esclavitud. La esclavitud, y más concretamente el secuestro de negros libres, es un punto delicado de la historia de EEUU y no demasiado tratado en el cine. La dignidad que el protagonista manifiesta, el empeño en conservar su identidad, la libertad de su alma ya que no puede mantener la de su cuerpo, sus reiterados y fallidos intentos por reintegrar la libertad de este último a pesar de las circunstancias, son un reflejo del espíritu de América. Esto podría favorecer su candidatura. Pero la insistente participación de Ejiofor en películas sobre la esclavitud, sobre el problema del apartheid sudafricano podría perjudicarle y retraer a la Academia, que no parece desear dar un espaldarazo a movimientos reivindicativos de corte racial. 




Nuestro favorito, MatthewMcConaughey, ha recorrido un largo camino de maduración como actor. Han pasado muchas millas bajo sus pies, desde el chico guapo que hace surf e interpreta papeles de comedia romántica hasta el actor dramático que encarna con profundidad papeles mucho más complejos en tramas mucho más delicadas. Su inmersión en los personajes, su mayor compromiso interpretativo, forjado en películas como El Inocente, Magic Mike, Mud o Killer Joe. Finalmente, su papel en Dallas Buyers Club se muestra como la cima de esta evolución. Para meterse en su papel tuvo que estropear su musculosa anatomía perdiendo 23 kilos. Y la implicación en el papel es in negable. Esta evolución es un gran punto a su favor. El otro punto es la película y el propio personaje. La muestra en la cinta de la situación de los enfermos de SIDA y de los gays en los años 80, un tema para el que Hollywood siempre ha mostrado mucha sensibilidad. Y el personaje, enfrentado al estado, representado en la FDA, y a las grandes corporaciones, aquí las farmacéuticas, todo muy americano, todo muy del gusto de un Hollywood que no quiere ver que es eso mismo que critica con tanto ahínco. Un  papele de homófobo individualista que inicia una campaña que favorecerá a lso gays y que hará evolucionar su visión. Estos ingredientes lo convierten en el claro favorito para este premio. Como curiosidad, McConaughey tiene un pequeño papel en El Lobo de Wall Street donde revela los secretos del trading a Belfort y que resulta totalmente verosímil y al mismo tiempo hipnótico.

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