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27/9/2014

NOTICIAS. Palmarés del 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014

-Jurado de la Sección Oficial del 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014-
JAVIER GARCIA
El 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián ya tiene su Palmarés de este año 2014, la ganadora con la CONCHA DE ORO a la Mejor Película ha recaído en: MAGICAL GIRL del realizador: Carlos Vermut. Les informamos también de Otros Premios, y el de la Concha de Plata al Mejor actor, para el español: Javier Gutiérrez por: ‘La Isla Mïnima’.
Si quieren Uds. ver todos los Premios del Festival un enlace: -Sólo pinchar-

CRÍTICA: La isla mínima

SINOPSIS: Años 80. Marismas del Guadalquivir. Dos hermanas de 16 y 17 años desaparecen durante las fiestas del pueblo. Un par de policías son enviados a investigar aunque el caso debería corresponder a la Guardia Civil.
En Grupo 7, Alberto Rodríguez mostró un saber hacer bastante notable, con una película policiaca comercial, efectiva y sugerente.
En La isla mínima da un paso más. Va bastante más lejos para construir una historia mucho más universal, mucho más inteligente y, sobre todo, más cinematográfica.
La trama es fácil, el caso simple. Los policías llegan, siguen pistas que les llevan a otras pistas, a otras personas. Pero atrapa de principio a fin por la atmósfera que crea. El gran valor de esta película está en esa atmósfera. Sin duda recuerda mucho más a True Detective que a Grupo 7 o El Niño.
Ese nivel de globalidad es infrecuente en el cine español. Sin dejar de ser local, cuenta una historia fácilmente trasladable a cualquier lugar. Podría ocurrir en las marismas del Guadalquivir o en las de Louisiana, con los asesinos en serie, las adivinas, los negocios sumergidos, los demonios internos que lleva cada persona.
Hay en La isla mínima un lenguaje muy depurado, muy esencial. La escena de persecución, que parece obligatoria, es buena prueba de ello. El director sabe que, para que haya tensión, no se necesitan efectos especiales de traca. Basta la noche, un camino secundario, polvo, los faros traseros. Nada más. Y el resultado es de una enorme eficacia.
Pero también lo logra con su ritmo pausado pero no pesado. No dejan de pasar cosas que siempre parecen interesantes. Lo consigue con esos planos aéreos tan hermosos como áridos. El paisaje acompaña a los sentimientos.
Si en True Detective veíamos a Woody Harrelson, actor habitualmente de comedias, dar un recital dramático, lo mismo puede decirse de Javier Cámara, que deja las tonterías de Águila Roja para componer a un policía complejo, con un pasado franquista (pobre ingenuo) frente a su compañero, lacónico y reservado, que sueña con la democracia (pobre iluso).
En este sentido la película tiene dos cierres. El segundo se antoja caprichoso e innecesario. Habría sido mejor dejarlo en el primer cierre. Quizá el segundo habría tenido más fuerza si hubiésemos sabido más de los dos polis o si las tramas se hubiesen trenzado de otra manera. Ese segundo final parece encaminado a dejar cierta apertura a una continuidad, pero no deja de ser un fallo en busca de un efectismo que se queda en vaguedad.
Dejando ese pequeño defecto al margen, La isla mínima tiene fuerza, tensión y unos ambientes magníficamente apoyadas por la fotografía y la música. Esos planos aéreos, las elipsis, la sordidez, configuran una película que augura lo que Alberto Rodríguez puede aún dar de sí. Sin duda es toda una promesa a tener en cuenta.

Lo mejor: Su atmósfera.
Lo peor: El innecesario final.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Alberto Rodríguez.
Guión: Rafael Cobos, Alberto Rodríguez.
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo, Nera Barros, Antonio de la Torre.
Duración: 100 m.
Música: Julio de la Rosa.
Fotografía: Alex Catalán.

25/9/2014

NOTICIAS. La cinta de Trueba hacia el Óscar de Hollywood

JAVIER GARCIA
En un acto celebrado esta mañana en la Academia del Cine Español, que contó con el patrocinio de Hamilton, los actores: Aura Garrido y Álex González han desvelado la opción elegida por los académicos para representar a nuestro país en los galardones de la Academia de Hollywood. VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS, del realizador: David Trueba, será finalmente la película española que represente a nuestro país en la ceremonia del 22 de febrero del 2015.
Para tener más información, un enlace: -Sólo pinchar-

CRÍTICA: Frank

SINOPSIS: Jon es un joven letrista y tecladista de música pop. Quiere fama, prestigio y dinero. Un día tiene la ocasión de ser tecladista de un peculiar grupo llamando Sononprfbs.
En La esfera y la cruz tenía lugar una situación peculiar. Chesterton fantaseaba con la idea de unos personajes encerrados en un manicomio. El lector descubría pronto que los muros de la institución funcionaban al revés: eran hacia afuera. La humanidad estaba loca y sólo unos pocos cuerdos quedaban a este lado del muro.
Algo de eso hay en Frank. Jon es el joven ambicioso al que le gusta la música. Tiene cierto toque perfeccionista y cierta capacidad para la percepción de la belleza. Pero ambiciona mucho más la fama y el dinero. Quiere ser conocido. Es decir: un tipo como otros muchos millones. Un hombre normal.
Jon conoce a Sononprfbs en el momento en que el tecladista ha tratado de suicidarse ahogándose en el mar. Como Sononprfbs tiene un concierto, Jon se ofrece y Frank, el líder del grupo, le acepta.
A partir de ahí la película sigue derroteros poco habituales. Un personaje tan estrambótico como Frank exige que la película lo sea también. Jon acababa viviendo con esta pandilla de locos (¿o son los cuerdos?) en una cabaña en el monte buscando la música esencial.
Frank es un ser que encuentra la magia de lo cotidiano, alguien capaz de descubrir que las cosas normales no lo son. Simplemente nos hemos acostumbrado a ellas. Él mismo lleva una máscara ante el asombro de tener dos ojos, nariz, boca, una piel suave. A Frank le sorprende el sonido sordo de un salto en el césped, una hebra deshilachada, el chirrido de un picaporte. Para él lo cotidiano es un milagro. Todo forma parte de su música. Y su notación también es totalmente distinta.
Con Frank la música empieza desde cero.
Este es el tramo importante de la narración: el enfrentamiento entre creación y éxito, creación y fama, creación y dinero. Jon está convencido de que ambas cosas son compatibles y acaba convirtiéndose en la tentación de Frank. Poco a poco Frank cede a las insinuaciones de Jon. Clara la mujer que ha estado al lado de Frank, la que mejor le entiende, la que cuida y vigila por él, descubre que no puede frenar las insinuaciones de Jon.
Y viene la salida al mundo, abandonar el manicomio (¿o entrar en él?).
La película de Abrahamson se mueve en ese doble conflicto: creación y fama. Parece considerar que es imposible la conjunción de ambas. En realidad, de algún modo, piensa que son imposibles ambas. No hay creación sin dinero, pero el dinero destruye la creación. No hay fama sin originalidad, pero la fama destruye la originalidad.
Aunque la visión de Frank tenga muchos puntos humorísticos, se trata en realidad de un humor desesperado, tristón, sin salida. La creación siempre será un papel para proscritos que exige enormes sacrificios y, en ocasiones, la vida (graciosa la trama de sucesión de tecladistas). Michael Fassbender y Maggie Gyllenhaal construyen muy bien sus personajes patéticos, misteriosos. Cuerdos o locos no encajan en este mundo, no importa que lo intenten, no importa que se pongan o se quiten máscaras.
El mundo es para los Jon que, aunque tampoco encajen, saben al menos camuflarse con el gris corporativo.
Para interesados en la música y/o el cine alternativo.

Lo mejor: El proceso creativo de la cabaña.
Lo peor: El proceso de disolución.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Lenny Abrahamson.
Guión: Jon Ronson.
Intérpretes: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal.
Duración: 95 m.
Música: Stephen Rennicks.
Fotografía: James Mather.

24/9/2014

NOTICIAS. Cine y vino unidos por LA OVEJABALA en barricas


JAVIER GARCIA
El 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián acoge la exposición: ‘Algo más que barricas’, de la empresa: LA OBEJABALA. Una exposición que se inauguró el viernes 5 de septiembre, y que se extenderá hasta el próximo martes 30 de septiembre 2014. El Hotel Astoria, 7 y los Cines Príncipe son los principales escenarios donde están las barricas de cine. En el Kursaal 2 están dos barricas: Forrest Gump y la de Kill Bill.
Si quieren Uds. ver las barricas expuestas un enlace: -Sólo pinchar-

NOTICIAS. “Musarañas” se estrenará en cines el 25 de diciembre 2014

JAVIER GARCIA
El próximo 25 de diciembre 2014 llegará a los cines de toda España “MUSARAÑAS”, la última producción de: ÁLEX DE LA IGLESIA con su productora: POKEEPSIE. Thriller dirigido por: Esteban Roel y Juanfer Andrés, con un excepcional reparto integrado por: Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Luis Tosar y Hugo Silva, entre otros.

“MUSARAÑAS” fue presentada internacionalmente en la última edición del Festival Internacional de Cine de Toronto dónde recibió los elogios de la prensa internacional: “Aterra visceralmente” (Fangoria); … y especialmente a la magnífica interpretación de Macarena Gómez: “Fascinantemente desmesurada y perturbadora interpretación de Macarena Gómez” (Hollywood Reporter).

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges recogerá el testigo de Toronto en la presentación española de la película el próximo 4 de octubre/2014.

LO QUE NOS CUENTA “MUSARAÑAS”
España, años cincuenta.
Montse (MACARENA GÓMEZ) ya no es joven, ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la pequeña (NADIA DE SANTIAGO), y el padre (LUIS TOSAR) no pudo soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre, madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece de agorafobia y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías.

Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe: Carlos (HUGO SILVA), un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia de caerse por las escaleras, buscando ayuda en la única puerta a la que ha sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la madriguera de las musarañas… puede que no vuelva a salir.

11/9/2014

CRÍTICA: Mea culpa

SINOPSIS: Théo es un niño que presencia un asesinato. Se convierte en un testigo. Su padre, antiguamente policía, trabaja ahora en una empresa de seguridad.
Mea culpa es una película de género, una película de acción. Pero rodada con un estilo potente.
El arranque resulta muy atractivo. Presenciamos una alegre escena de playa. De modo anticlimático, esa imagen está envuelta en una sonido agobiante y en un montaje alterno de un accidente de coche. Muestran lo efímero de esa felicidad.
La segunda escena es una pelea brutal dentro de un coche. Y aún no hemos oído ni una palabra. La violencia se impone sobre cualquier otra cosa.
El montaje inicial se encuentra fracturado por flashbacks. No se lo pone fácil al espectador. Es preciso deducir qué ocurrió en el pasado, por qué Simon dejó de ser policía para convertirse en vigilante de seguridad.
Mientras deducimos los acontecimientos el hijo de Simon, Théo, presencia un asesinato. A partir de ahí la película se convierte en un desenfreno de adrenalina.
Fred Cavayé ya había demostrado un ritmo vigoroso en Cruzando el límite y, sobre todo, en Cuenta atrás. Pero aquí sube aún más el listón, construyendo secuencias de una tensión impresionante.
De nuevo insisto en que se trata de una mera película de acción, algo que le habría encajado perfectamente a Jason Statham o uno de sus colegas de peleas. Pero Cavayé lo convierte en algo más, en una buena película de acción gracias unos cuantos trucos habilidosos.
Para empezar, el niño no es un torpe patoso en una situación crítica. En una película americana se habría quedado alelado y la cosa habría terminado en secuestro. Pero Théo sabe que tiene que correr y corre, que tiene que huir y huye. Y, si tiene que pelear, pelea. Con lo que tiene a mano. Sin fantasmadas. Es realista la reacción del chaval y son realistas los medios que emplea para sobrevivir.
Probablemente el cine americano sí habría ofrecido más espectáculo en las secuencias de la discoteca y el tren. Pero probablemente no habrían conseguido esa tensión gracias a ese apego por el realismo.
Son 90 minutos secos, contundentes, poderosos. No hay espacio para sentimentalismos, conocemos los personajes por sus hechos y actitudes. La violencia manda y cualquier otra cosa queda relegada a un segundo plano. Ante la violencia desatada solo cabe rendirse o responder con más violencia. Y los personajes de esta película responden. Por eso no hay hueco para lo cotidiano.
La secuencia más calmada ocurre durante una corrida de toros. A la madre le parece que eso ya es bastante violento, así que permite que su hijo se ausente. Y eso originará toda la violencia posterior.
Visceral y ruda. Hasta Nadine Labaki tiene su momento salvaje, contagiada por la atmósfera que le persigue.
Una buena película francesa de acción que gana en su terreno al cine americano, demasiado encerrado en clichés. Cavayé ha suprimido la espectacularidad de los efectos especiales y se ha centrado en construir escenas inquietantes. Y le ha salido bien.

Lo mejor: Su estoica sequedad, muy acorde con lo que cuenta.
Lo peor: Alguna que otra coincidencia un tanto inverosímil.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Fred Cavayé.
Guión: Fred Cavayé.
Intérpretes: Vincent Lindon, Gilles Lellouche, Nadine Labaki, Max Baissette de Malglaive.
País: Francia.
Duración: 90 m.
Música: Cliff Martinez.
Fotografía: Danny Elsen.

10/9/2014

CRÍTICA: Boyhood

SINOPSIS: La infancia de Mason, desde los 6 a los 18 años, desde poco antes del divorcio de sus padres hasta que va a la universidad.
Richard Linklater lleva dentro de sí una enfermedad, la más crónica de las enfermedades: el paso del tiempo. Ya lo puso de manifiesto en su trilogía (de momento) Antes del amanecer, Antes del atardecer, Antes del anochecer. Allí nos contaba la relación de una pareja, Julie Delpy y Ethan Hawke, a lo largo de 18 años.
Boyhood es una vuelta de tuerca a ese ejercicio, una vuelta de tuerca que le ha llevado 12 años. Es una obsesión: seguir la vida de un chico en su infancia, de los 6 a los 18 años. El relato es ficción, pero el chico es real. Filmar unas cuantas escenas cada unos cuantos meses, ver cómo crece, cómo experimenta la vida.
Alguien dijo, medio en broma y medio en serio, que Harry Potter era un documental sobre cómo crecen unos chicos. No es raro que Boyhood mencione Harry Potter varias veces.
Es lógico que la crítica americana se haya vuelto loca con esta película. Es la infancia típica de un chico de clase media americana. 165 minutos que se articulan primero sobre el divorcio de los padres y, después, sobre la universidad y el futuro. No está concebido como un puro cliché sino como el retrato de la vida cotidiana americana.
Pero aunque a la crítica americana le haya fascinado la historia, no es una obra maestra. Porque aunque Estados Unidos sea el referente globalizador que a todos nos influye consciente o inconscientemente, no es la esencia de la humanidad. No es una película universal. No va a la verdadera esencia de la infancia humana. En sentido estricto ni siquiera es una infancia americana. En realidad sólo va a la de la infancia americana blanca, anglosajona y protestante.
Llama la atención que en un país tan multicultural apenas tengan cabida otros espectros sociales. Sólo aparece un hispano con cierta relevancia. La trilogía de Apu, por poner un ejemplo, aunque acontezca en la India y las costumbres nos parezcan muchas veces desconcertantes y extrañas, tiene mucho más de esencial.
Con todo, el trabajo de Linklater es más interesante desde la perspectiva del tiempo. ¿Todo esto para qué? ¿Tiene sentido algo de lo qué hacemos? ¿Cómo empleamos el paso de nuestros segundos? ¿Somos originales o realmente no hacemos más que repetirnos en tipologías? ¿Cambian el mundo, el tiempo, nuestras decisiones?
Para Mason la infancia es la historia de los sucesivos divorcios de su madre y, después, la preocupación (tan americana) por ir a la mejor universidad posible para no sentirse un fracasado. Él se cree original gracias a su afición por la fotografía pero, ¿acaso no repite los mismos pasos de todos? ¿Acaso no es su vida exactamente idéntica a la de sus amigos, la de sus padres, las generaciones anteriores y venideras?
Patricia Arquette y Ethan Hawke como los padres de Mason están muy bien. También para ellos pasa el tiempo. Y da qué pensar el trabajo que habrá tenido Linklater para cuadrar las agendas de todos los actores cuando los necesitaba. O de recuperar a uno, años después, para incluirle en esa escena concreta.
Una película interesante y muy sugerente, pero no necesariamente fundamental.

Lo mejor: La osadía para rodar una película durante 12 años.
Lo peor: Es mucho menos universal de lo que cree.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Richard Linklater.
Guión: Richard Linklater.
Intérpretes: Patricia Arquette, Ethan Hawke, Ellar Coltrane, Lorelei Linklater.
País: Estados Unidos.
Duración: 165 m.
Música: Randall Poster, Meghan Currier.
Fotografía: Lee Daniel, Shane F. Kelly.

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