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28 jun. 2017

WONDER WOMAN, LAS CHICAS SON GUERRERAS


"Tenemos lo necesario para ser grandes... pero primero debemos superar nuestro miedo a lo desconocido."


Ese pareció ser el razonamiento al que llegaron los directivos de DC Entertainment y Warner Bros. para esta nueva superproducción tras los batacazos que sufrieron por sus anteriores títulos: Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia y sobretodo, Escuadrón Suicida. Y sí, la frase inicial la dijo nuestra protagonista de hoy, Wonder Woman.




Esta vez, el turno de cobrar vida en la pantalla grande ha sido para el personaje creado por William Moulton Marston y así, los altos cargos de DC y Warner, para allanar el terreno de La Liga de la Justicia; han decidido presentarnos a la maravillosa amazona, Diana de Themyscira, interpretada por Gal Gadot.

Nuestra protagonista luchará por establecer el orden y la paz en un mundo regido por el odio acompañada por Chris Pine en el papel de Steve Trevor, un espía de las fuerzas armadas británicas inmerso en el conflicto de la Primera Guerra Mundial. A través de la mirada de Patty Jenkins, se ha querido resaltar el papel de la mujer, en la que su abanderada es la Mujer Maravilla. Un proyecto arriesgado, pero en cierta medida obligatorio para poder apreciar a personajes que tanto han aportado al mundo gracias a los cómics.


Hay veces que la crítica puede llegar a ser, dependiendo de las modas que corran en su tiempo, o bien muy injusta o demasiado benevolente. Una crítica desmedida puede convertir a una película en la mejor obra de arte jamás creada o en la peor pesadilla de los espectadores. Y eso mismo estoy viendo con Wonder Woman, a la que ya apodan, a pocos días de su estreno como, cito textualmente: La mejor película de superhéroes de la historia... Excesivo, en mi opinión.


Es cierto que una película de estas características, genera expectación, y que a veces, se necesita impactar, pero en mi humilde opinión, con esa "definición" flaco favor le hacen al film y al resto de películas como: Batman: El caballero oscuro, El Capitán América: Civil War, o la reciente Logan, por poner algunos ejemplos. Por ello, el mejor consejo que se puede dar en estos casos, es dejar al espectador y al tiempo, que suele ser el mejor crítico, evalúen esta cinta.




El guion de este género sigue sin dar ese broche de lujo que necesita para demostrar la calidad que se merecen los personajes. Gal Gadot representa fielmente la dulzura típica de Diana, en la que quizá falte algo de su fiereza en combate, pero hace una representación muy buena de su personaje. Su némesis femenino lo interioriza Elena Anaya, que interpreta a la doctora Maru en la que cabe añadir, que se esperaba más trama de la que se muestra. Entre estos dos personajes que representan al bien y al mal, se encuentra Chris Pine a través de Steve Trevor, quién aporta el punto de realidad al contexto de la historia.



Siendo objetiva, no considero que sea la mejor película de superhéroes, ni la mejor película que tiene como protagonista a una mujer. Pero sí que tiene grandes puntos de entretenimiento en dosis de acción que, a pesar del famoso CGI en algunos momentos, junto a una excelente dirección de fotografía y una banda sonora elegida a la perfección, forman parte de lo mejor de la película.


En definitiva, es una película con muy buenas intenciones, que puede servir para abrir el camino a futuros proyectos que dejen satisfechos a sus fans, sin necesidad de abusos por parte de la crítica. Sólo el futuro de la historia del cine dirá si Wonder Woman, como película, formará parte de la élite, mientras tanto, aprendamos del mensaje que nos deja este maravilloso personaje... que hay mucho de lo que aprender.




Ficha técnico-artística:
  • Director: Patty Jenkins
  • Guión: Allan Heinberg, Jason Fuchs, Zack Snyder
  • Intérpretes: Gal Gadot, Chris Pine, Elena Anaya, Robin Wright, Connie Nielsen, David Thewlis
  • País: EE UU, China, Hong Kong
  • Duración: 141 minutos
  • Música: Rupert Gregson-Williams
  • Fotografía: Matthew Jensen

Tráiler:


23 jun. 2017

COLOSSAL, UNA MONSTRUOSA ALEGORÍA HUMANA


Desde que somos niños, hemos crecido con historias sobre cuentos de hadas, monstruos, princesas en apuros, héroes que no temen a nada...Quizá por ello cuando maduramos, algunos monstruos se transforman  en algo que nos puede llegar a atormentar mucho más, aunque no podamos verlo.


Y con Colossal es precisamente a donde nos lleva Nacho Vigalondo, donde nuevamente el director cántabro sorprende y si con su anterior proyecto Open Windows dejó su huella a nivel técnico, ahora nos demuestra que su inventiva y sobretodo, el humor que le caracteriza, da para mucho. Además, comienza a postularse como uno de los candidatos capaces de refrescar una industria que anda un poco alicaída. Bien es cierto que es uno de los directores que más pasa desapercibido para los "profesionales" más puristas acostumbrados a lo clásico, pero no es casualidad que fuera uno de los títulos más aclamados en el festival de Sundance y la convención de Toronto. Esperemos que la crítica en general y el público, que es verdadero juez de este Ring, le brinden un reconocimiento que se está ganando a pulso.


Comenzamos con el personaje de Gloria, interpretada por Anne Hathaway una singular mujer que padece cierta adición a la bebida pero que sin embargo, no parece afectarle. A quién sí afecta es a su novio Tim, a quién encarna Dan Stevens, que cansado de aguantar una situación tóxica para ambos, decide terminar la relación. Es entonces cuando Gloria decide volver al pueblo donde creció y meditar sobre el descontrol que supone su forma de ser. Durante ese periodo se reencontrará con el personaje de Jason Sudeikis, Óscar, un viejo amigo de la infancia que le ofrecerá trabajar en su bar. Si al hecho de que te acaba de dejar tu novio, tienes que volver a un pueblo que odias, te ofrecen un trabajo donde fomentar aún más tu adicciones, le sumas que eres la responsable de controlar a un monstruo que está destruyendo Seúl aniquilando a millones de personas...Creo que es el momento de decir que Gloria no es una mujer con suerte.


El respeto que muestra Hathaway hacia su personaje es innegable y queda demostrado en el film. Equilibra con mucho acierto la inocencia y la madurez que debe luchar contra lo que se ha convertido, al igual que Sudeikis, quién nos ofrece, a mi juicio, una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha, representando con su personaje, la peor versión de un hombre que no se siente realizado como persona. Se podría decir a ciencia cierta, que cada personaje combate en una guerra que no esperaba encontrar, pero que se hace aún más dura cuando el adversario es uno mismo.
Otro factor culmen en este apartado, suelen ser la familia o los seres queridos, en este caso Dan Stevens es el encargado de representar la otra cara de un drama, que aunque, no tiene tanto peso cinematográfico, brinda un rol comedido de una pareja que deja de aguantar la realidad que vive su novia pero que aún así no deja de importarle su bienestar.


Vigalondo regala una metáfora hecha película con dosis de humor ácido, que se agradece, algún que otro dardo envenenado muy bien elegido de la cultura popular española actual. Y sobretodo, un proyecto con un trasfondo mucho más potente y profundo que si verdaderamente se analiza, deja un poso dramático a la historia, para que los más críticos del director analicen si realmente no hace películas "serias". Personajes reales envueltos en un guión de ciencia-ficción independiente, dan como resultante una película que puede extrañar en su contexto, pero que para mí hacen un contrapunto bastante interesante.


Ficha técnico-artística:

  • Director: Nacho Vigalondo
  • Guión: Nacho Vigalondo
  • Intérpretes: Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens
  • País: España, Estados Unidos, Canadá
  • Duración: 110 minutos
  • Música: Bear McCreary
  • Fotografía: Eric Kress

Trailer:


15 jun. 2017

ESTRENOS DEL VERANO 2017


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Los días se alargan y el calor aprieta, y es que el verano ya está aquí… llega el momento de las tan esperadas vacaciones y pensar en ocio y diversión. ¿Y qué mejor que pasar las tórridas tardes de calor sofocante que en una sala de cine con aire acondicionado? Hollywood sabe que este es, junto con navidades, los momentos álgidos del año y por eso reserva buena parte de sus blockbusters para estas fechas. Y este año no iba a ser menos. La cartelera se llenará de superhéroes como Wonder Woman o Spiderman, de películas de animación como Gru 3, Cars3 o la Emoji Película e incluso viejos conocidos como Cesar del Planeta de los Simios u Optimus Prime de Transformers se dejarán ver en sus enésimas versiones cinematográficas. Así que, señores, pasen y vean lo que la industria nos depara en los próximos meses.

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                ¿Qué es el verano sin la playa? Eso hay que preguntárselo a Mitch Buchannon ya desde el pasado 16 de junio en la adaptación cinematográfica de la clásica serie Los Vigilantes de la playa (Seth Gordon) con Dwayne Johnson y Zac Efron en un claro aire paródico y humorístico de la mítica serie de David Hasselhoff. Un producto ligero para empezar con frescura el periodo estival que, sin embargo, no acaba de cuajar en la taquilla. Para este fin de semana tenemos sendas películas de trasfondo bélico pero no podrían ser más opuestas aunque con un punto en común: las dos están dirigidas por mujeres. Una de ellas es La Casa de la Esperanza (Niki Caro) con Jessica Chastain y Johan Heldenbergh como protagonistas de una familia en Varsovia que ayuda a salvar vidas humanas y animales de la barbarie nazi. Los ecos a La Lista de Schindler son evidentes aunque se ha intentado minimizar el componente lacrimoso centrándose más en los personajes y sus historias. La otra en cuestión es la nueva película del universo cinematográfico de DC con la que Warner intenta proseguir  las andanzas de sus superhéroes (y de paso redimirse de las duras críticas que recibió sus anteriores películas): Wonder Woman (Patty Jenkins) vuelve a traer a la pantalla a Gal Gadot como la princesa amazona que ya hizo su presentación en Batman vs Superman: el amanecer de la justicia. La película se centra en la I Guerra Mundial y como esta guerrera educada de forma ajena a los devenires de la historia, se ve envuelta en tal contienda en la que es una historia más humana y cercana que de superhéroes. Remotamente podría recordar a Capitán América: El Primer Vengador (Joe Johnston, 2011). Y para acabar Junio, el 30, tenemos el esperado estreno de Gru 3 de nuevo con nuestro villano favorito y sus Minions con una nueva incorporación: el gemelo perdido de Gru. Ideal para ir en familia y que los peques se diviertan en sus recién estrenadas vacaciones del colegio.

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JULIO empieza con adrenalina con la película Baby Driver (Edgar Wright) con una historia bastante similar a la planteada en la saga Transporter aunque con tonos más humorísticos. Sin embargo los platos fuertes del mes serán a partir del 14 de julio donde se estrena Guerra en el Planeta de los Simios. Película con la que Matt Reeves cierra la trilogía del reboot de la mítica saga de nuevo con Andy Serkis como Cesar y Woody Harrelson como su antagonista. Ya cuenta con el aval de sus predecesoras que cosecharon enorme éxito en crítica y taquilla y, aun a riesgo de no aportar nada nuevo en lo que sea simplemente la batalla final en la que todos sabemos el bando ganador, lo cierto es que hay bastante expectativa en esta tercera parte en la que ya se vislumbra como el éxito del verano. Para los peques vuelve Rayo McQueen en Cars 3 como propuesta de Pixar para competir con Gru 3 con una película en la que plantea la lucha por no quedar atrás en un mundo altamente competitivo. No obstante, la batalla se decantará esta vez por la película de Universal ya que el planteamiento recuerda demasiado al de la primera parte. Veremos si Pixar nos sorprende con algún conejo de su amplia chistera. El 21 otro de los grandes títulos de este verano es Dunkerque del aclamado Christopher Nolan y con un elenco actoral de la altura de Tom Hardy, Cilliam Murphy, Kenneth Branagh o Mark Rylance narrando la dura historia de la defensa de la playa que da nombre al film frente al inminente ataque nazi. Es la primera incursión del cineasta en el género bélico y, teniendo en cuenta lo que les gusta a los académicos de Hollywood las historias de la II guerra mundial y los claros ecos del film a otros galardonados como Salvar al soldado Ryan (Steven Spielberg – 1998) quizá estemos ante la que pueda ser una de las favoritas para los Oscar 2018 y posiblemente la que le otorgue la estatuilla a su director. Y el 28 vuelve Spiderman con su tercer reboot: Spiderman Homecoming viene avalado por el acuerdo con Marvel/Disney por el que Tom Holland fue presentado como el trepamuros en Capitán América: Civil Wars (Joe y Anthony Russo, 2016). Para esta película Sony cuenta con la presencia de Iron Man (Robert Downey Jr.) como mentor e inestimable ayudante para luchar contra El Buitre (Michael Keaton). Veremos si este nuevo lavado de cara le sirve al hombre-araña para, por fin, despegar en taquilla. Por lo pronto Holland ya habla de que se tiene pensado hacer una trilogía.

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AGOSTO comienza con Atómica (David Leitch) con Charlize Theron como una despiadada espía en un thriller de acción que promete máxima adrenalina. Y hablando de emociones fuertes también las tendremos con Transformers 5: El último Caballero, última ocasión donde veremos a Michael Bay en la dirección y Mark Wahlberg como protagonista en lo que vuelve a ser otro choque entre Autobots y Decepticons por salvar la Tierra. A pesar de ser ya 5 películas con temática siempre la misma y mostrar ya síntomas de agotamiento, Haspro y Paramount siguen apostando por la franquicia y para ello va introduciendo cambios. La salida de Shia LaBeouf ya supuso aires nuevos que con esta película se podrá ver si cristalizan cara a una continuidad y expansión de la saga (confirmado ya para el 2018 el spin off de Bumblebee y Transformers 6 para 2019). Con la salida de Bay de la dirección se apunta a otro giro cara a la mencionada renovación de la saga. Ese mismo fin de semana también es estrena Valerian y la Ciudad de los mil planetas donde Luc Besson adapta el comic Valerian Et Laurentine de Pierre Christin y Jean Claude Mezeires en el que dicen que está inspirado el libreto de Star Wars. Cara Delevingne, Clive Owen o John Goodman entre otros son los actores principales en una historia que podrá recordar a otras como John Carter o El Destino de Júpiter (esperemos que con mejores resultados de crítica y taquilla). El espectáculo visual y la pirotecnia efectista están garantizada. El 11 se estrena la enésima revisión del mito artúrico: El Rey Arturo y la leyenda de Excalibur (Guy Ritchie) esta vez tomado con un Arturo más juvenil interpretado por Charlie Hunnam que su encuentro con la mítica espada le conllevará a alzarse contra el rey vigente Vortigern (Jude Law). Para los peques está La Emoji Película donde los famosos emoticonos del móvil tendrán su propia aventura en la ciudad de Textópolis. El planteamiento en sí suena delirante pero viendo el éxito que cosechó el año pasado la película de los Angry Birds sería un error subestimar sus posibilidades. El 18 se estrena otro de los títulos largamente esperados por sus fans: La Torre Oscura. La saga del aclamado Steven King comienza su andadura cinematográfica bajo la dirección de Nikolaj Arcel con los rostros conocidos de Idris Elba y Matthew MacConaughey en la que probablemente sea la película de suspense y fantasía del verano. Y para finalizar el mes, otro regreso para los más pequeños: Tadeo Jones 2: El Secreto Del Rey Midas o la película de terror española Verónica (Paco Plaza).
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SEPTIEMBRE suele ser un mes más relajado y de transición pero aun así hay interesantes estrenos. Un mes, por otro lado marcado por los dramas y las películas de terror… ¿un irónico símil con la vuelta de nuevo a la normalidad laboral y escolar? Tras numerosos retrasos en el estreno y hasta un cambio de título se estrena el propio 1 Barry Seal: El Traficante (Doug Liman) con Tom Cruise interpretando a un piloto que la CIA recluta para la mayor operación encubierta contra los cárteles colombianos o el drama social All Saints (Steve Gomer) narrando la historia real del pastor Michael Spurlock (John Corbett) que, desoyendo las ordenes de sus superiores decidió convertir su parroquia en un asilo de refugiados. Quienes La torre Oscura les haya sabido a poco, el 8 tienen otra cita con Steven King esta vez con la versión cinematográfica de IT (Andrés Muschietti) con la misión de hacer justicia a aquella miniserie de 1990 con Tim Curry interpretando al terrorífico payaso Pennywise (aquí interpretado por el actor Bill Skarsgard). Terror y sustos garantizados. Y seguimos con terror para ver The Limehouse Golem (Juan Carlos Medina) historia de terror gótico inspirada en la mítica figura del Golem. Para el 15 tenemos el estreno de The Solutrean (Albert Hughes) mostrando una gélida historia en el final de la era glaciar o Detroit (Kathrym Bigelow) narrando el drama social en la ciudad en 1967 que propició el mayor levantamiento popular de la historia reciente de Estados Unidos. Con estos estrenos tan demoledores el 22 viene a ser un respiro con un corte más ligero y comercial con la llegada de Kingsman 2: El Círculo De Oro (Matthew Vaughn) con una propuesta que intentará consolidar el camino de la primera parte sobre la base de plantear una trama de acción al más puro estilo Bond. Y también la Lego Ninjago: la Película salto a la gran pantalla de la serie televisiva en pos de cosechar el mismo éxito de Lego Batman La Película. Volviendo a las historias reales, se estrena La Reina Victoria Y Abdul (Steven Frears) relatando la entrañable y singular amistad entre ambas personalidades en la que pueda ser la historia más notoria para recordar. Y para terminar el mes, el 29, una historia de pasión y romance protagonizado por Rachel Weist Mi Prima Rachel (Roger Michell) ideal para todas aquellas personas que se deleitan viendo melodramas televisivos e historias de venganzas y amores imposibles.

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Como todos los años el verano se presenta con altas temperaturas también a nivel de blockbusters donde las grandes franquicias vuelven a dominar el panorama cinematográfico para un público ávido de diversión sin más… y Septiembre relajando tanta adrenalina y banalidad con historias más sosegadas y variadas


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31 may. 2017

CRITICA Y RESEÑA - WALKABOUT - 1971 -



El término Walkabout hace alusión a un rito de madurez durante el cual los indígenas australianos se someten a un trascendental viaje durante su adolescencia. Se lleva a cabo entre los 10 y 16 años, y les empuja a vivir en el desierto por un período que puede prolongarse hasta seis meses tras los cuales culminarán su transición espiritual hacia la edad adulta. Durante este periodo crucial, deberán subsistir únicamente con lo que da la tierra y no podrán valerse de la ayuda de nadie. 

Cartel original de la película. 

Nicolas Roeg, director de la cinta ha sido un director con una carrera tan irregular como llena de momentos brillantes. Con una plasticidad y puesta en escena que ha sido plagiada por directores de la talla de Danny Boyle o de Ridley Scott, no consiguió dar nunca con un éxito que le aupara de manera definitiva. Debutó en 1970 co dirigiendo "Performance" un delirio musical ambientado en el mundo del pop que contaba como máximo aliciente con la presencia del cantante Mick Jagger. Al año siguiente vino "Walkabout", que le valió la nominación a la palma de oro de Cannes de aquel año. Dos años más tarde, en 1973, presentó "Amenaza en la sombra", thriller sobrenatural de culto protagonizado por Donald Sutherland y Julie Christie. 

El recordado David Bowie, en 1976 protagonizó la siguiente cinta del autor, "El hombre que cayó a la tierra". Tras este prometedor inicio encadenó una serie de filmes, que si bien no fueron fracasos de taquilla, tampoco fueron éxitos ni películas en absoluto trascendentes. Ya en 1990 el relativo taquillazo de "La maldición de las brujas" parece reconducir su carrera en el buen sentido, algo que "Dos muertes" filme de 1995, con una magnífica Sonia Braga al frente del reparto, parecía confirmar. Pero era tan solo una ilusión o un canto del cisne cinematográfico, ya que las cintas que siguieron a esta "El masaje" en 1995 y "Sansón y Dalila" 1996 fueron rotundos fracasos de crítica y público. El cineasta entró en ese año en un retiro del que solo salio para dirigir "Puffball" en el año 2007, un filme fallido en todos los sentidos que venía a confirmar que el director, artífice de tantas y tan buenas películas, estaba definitivamente acabado.

Trío protagonista
El reparto estaba encabezado por una soberbia Jenny Agutter que no alcanzaba la veintena edad junto al actor australiano David Gulpilil, en el papel del aborigen. Dos actores en perpetuo estado de gracia que aun no compartiendo una sola palabra -en el mismo idioma- en todo el metraje, demuestran una química envidiable convirtiéndose de inmediato en una pareja icónica del séptimo arte. Pocas veces los silencios y las miradas dijeron tanto con tan poco. Cerrando el trío protagonista un correcto teníamos a un correcto Lucien John en el papel del hermano pequeño. 

En el año 1971 el director Nicolas Roeg debutaba en solitario -el año antes había sido co-director del inclasificable filme “Performance” con Mick Jagger- con una película que adaptaba la novela Walkabout del escritor James Vance Marshall. En ella dos hermanos, únicos supervivientes de una catástrofe aérea, debían resistir al hostil clima del desierto australiano sin ninguna ayuda y regresar a la civilización sanos y salvos. Cuando lo dan todo por perdido, sin agua y sin comida, su suerte cambiará al cruzarse con un adolescente que se halla en pleno walkabout. Este les ayudara a sobrevivir y les acompañará en su travesía por el desierto. 

Fotografía del rodaje de la cinta

La película, con ligeros pero cruciales cambios -sobre todo en su inicio y su desenlace-, seguía el esquema del libro, pero aportaba mucho a la ecuación. Un padre de familia lleva a sus dos hijos al desierto para pasar una agradable jornada de picnic. Tras varias horas en el coche llegan a un paraje ubicado en mitad de la nada, en pleno desierto australiano.  En un momento dado, el padre prende fuego el coche familiar, saca una pistola y comienza a disparar contra sus hijos antes de descerrajarse a si mismo un tiro en la sien. Sin casi víveres ni manera de regresar a la civilización, los dos hermanos deberán iniciar una travesía que les llevara a cruzar los desolados e inhóspitos parajes de Australia con unas perspectivas de éxito mas bien escasas. 

Lo que podría haber sido tratado de manera más bien poco explícita, ese choque de mundos, es tratado con una sutileza maestra por el director. Cercano al tratamiento de las imágenes y la música que daría Godfrey Regio en Koyaanisqatsi una década después, Roeg cuenta dos historias simultáneas con una maestría indiscutible. La primera de ellas con imágenes -ese muro de ladrillos en contraposición al desierto infinito- y la segunda con los actores, meros peones en una historia que les sobrepasa a todos. Desde el primer momento el espectador queda hipnotizado por el paisaje y cautivado por la bella historia del despertar, de ese DOBLE WALKABOUT -el del Aborigen y el de la joven protagonista- que parecen ir en dirección de converger en un punto común que se trunca de manera dramáticamente dolorosa. 

Roeg abordó en este filme temas como la incomunicación, la trasgresión de los valores preestablecidos, el despertar a la sexualidad en la adolescencia o el miedo a lo desconocido. La película está impregnada de una belleza poética que traspasa el celuloide y cala de manera profunda en el espectador que no podrá evitar hacer ciertas reflexiones al acabar su visionado. Esto se resume en el desolador prologo que cierra la cinta, con una magnifica Jenny Agutter recordando -o quizás imaginando- lo únicos momentos en los que fue realmente libre en toda su vida. Eso, junto a una magnifica banda sonora de John Barry, hizo que la cinta fuera nominada a la palma de oro en 1971, muy merecidamente y que pasase a los anales del cine de manera casi instantánea. Casi 45 años después de su estreno, Walkabout mantiene su mensaje más actual que nunca. El tiempo no ha hecho mas que poner de manifiesto y resaltar que, en el fondo, la libertad es algo que estamos buscando desde hace demasiado tiempo en el lugar equivocado.

Regia films acaba de editar este fantástico filme en una cuidada edición en formato blu-ray con imagen y sonido totalmente restaurados. La película, que viene en una funda de cartón a todo color, contiene además un libreto de 20 páginas escrito por Carlos Díaz Maroto. En su interior encontraremos información sobre el rodaje, los actores y la génesis del proyecto. Un broche de oro que convierte a esta edición, limitada a tan solo 1000 ejemplares, en una auténtica joya para los cinéfilos más exigentes. Una vez más Regia se reafirma como una de las editoras que más cuidado pone a las ediciones en nuestro país con una auténtica pieza de coleccionista. 


Ficha técnico-artística:

  • Director: Nicolas Roeg
  • Guión: Edward Bond (guión fílmico), James Vance Marshall (Novela original)
  • Intérpretes: Jenny Agutter, David Gulpilil, Luc Roeg
  • País: Australia
  • Duración: 100 Min
  • Música: John Barry
  • Fotografía: Nicolas Roeg

Trailer:


23 may. 2017

MUERE A LOS 89 AÑOS EL ACTOR ROGER MOORE



El actor Sir Roger Moore, conocido por haber interpretado a James Bond, ha fallecido a los 89 años, según ha anunciado su familia hace escasas horas. Moore prestó su físico al famoso agente secreto en siete películas de la saga, incluyendo destacando las magníficas "Vive y deja morir" y "La espía que me amó", que se encuentran entre las mejores entregas de la veterana saga cinematográfica. El actor británico saltó a la palestra por su interpretación protagónica en la teleserie "El Santo" entre 1962 y 1969, la cual fue su auténtico trampolín a otros trabajos mayores. 

El actor Roger Moore


La familia de Sir Roger confirmó el triste suceso en Twitter, diciendo que había muerto después de "una corta pero valiente batalla contra el cáncer". La sentida declaración, de sus hijos, decía: "Gracias Pops por ser tú, y ser tan especial para tanta gente". Habrá un funeral privado en Mónaco, agregaron. Un icono del séptimo arte que nos deja con una gran carrera a sus espaldas. 

Moore como James Bond

22 may. 2017

UNDERWOLD: GUERRAS DE SANGRE EN DVD Y BLU-RAY: UN REPASO A LA SAGA


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Con unos modestos resultados en taquilla, desde el 17 de mayo se encuentra disponible en DVD y Blu-Ray la última entrega de la saga Underwold: guerras de sangre de nuevo con su actriz fetiche Kate Beckinsale enfundándose el ajustado y sexy traje de cuero de la vampira Selene. Esta entrega es la quinta dentro de la saga y se presupone el punto final de la eterna guerra entre vampiros y licántropos que se lleva librando desde el 2003 que se estrenara la primera película.

                Underwold se presentó en 2003 y fue la opera prima del director Len Wiseman y aunque no suscitó buena acogida entre la crítica si lo hizo en taquilla. En ella se relata una ancestral batalla entre el clan aristócrata de los vampiros liderados por Viktor (Bill Nighy) y con Selene (Kate Beckinsale) como principal y más letal guerrera y el clan marginal y anárquico de los licántropos liderado por Lucian (Michael Sheen). La guerra toma un giro inesperado cuando ambos clanes muestran interés por el humano Michael Corvin (Scott Speedman) y Selene comenzaría una investigación que le llevará a descubrir una verdad que le cambiará la vida. Con esta premisa comenzaría una saga que recuerda en sus directrices a otras como Blade y se caracterizará sobre todo por su alta dosis de acción y violencia explícita donde Beckinsale será el pilar central y el reclamo de la franquicia.

                En 2006 Len Wiseman volvería a dirigir su segunda parte: Underwold: Evolution donde se retoma la historia donde se dejó. En esta película aparecen nuevos villanos: Marcus (Tony Curran) sucesor en el trono del derrotado Viktor y el licántropo William (Brian Steele) mientras que repiten en sus papeles los mismos actores de la película anterior (Beckinsale, Sheen, Speedman en incluso Nighy) en lo que es un mayor adentramiento en el universo vampírico que creó el propio Wiseman. La taquilla seguía funcionando así que los productores se animaron a hacer una tercera parte en la que se pensaba que fuera una trilogía.

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                Underwold: la Rebelión de los Licántropos (2009) supuso cambios para la franquicia. Por lo pronto el director fue Patrick Tatopoulos (encargado de los efectos especiales de las anteriores) y donde quedan fuera Beckinsale y Speedman. La razón es que nos encontramos ante una precuela que narra el origen de la enemistad entre vampiros y licántropos. Si vuelven Bill Nighy, Michael Sheen y se les une Rhona Mitra (paradójicamente estuvo postulada para interpretar a Selene en las anteriores entregas) como Sonja la hija de Viktor y amor de Lucian. Esta iba a ser el cierre de la saga pero viendo los productivos ingresos de la franquicia se plantearían nuevas historias.

                La siguiente entrega de la historia es Underwold: el Despertar (Måns Mårlind y Björn Stein, 2012) vuelve de protagonista Kate Beckinsale aunque no así Scott Speedman que rehusó retomar su papel de Michael por lo que el guion tubo que pivotar en otra dirección: la aparición de la hija de la protagonista: Eve. Así, en un futuro en el que la raza humana es consciente de la existencia de vampiros y licántropos, se plantea una atmósfera asfixiante contra estas 2 razas donde se las da caza y exterminio o reclusión para investigación científica. En este contexto se incorporaría al reparto India Eisley (Eve) y Theo James (David) la nueva contrapartida masculina para Selene por la ausencia de Michael y los villanos Stephen Rea como el doctor de la empresa Antigen Jacob Lane y Krish Holden-Ried como un licántropo alterado genéricamente en la que resulta ser la batalla más dura en la que se vean envueltos.

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                Y por fin llegamos a este 2017 donde se estrena la última entrega de la franquicia: Underwold: Guerras De Sangre donde aparece un nuevo líder licántropo: Marcus (Tobías Menzies) que busca la sangre de Selene y su hija a toda costa para alcanzar un estado evolutivo superior y obligará a la protagonista a retomar las armas y librar una última batalla que le llevará a cotas inimaginables. Esta entrega está dirigida por Anna foerster, y también repite Theo James afianzándose como compañero masculino de la protagonista ya que Speedman volvió a rehusar ser Michael (y eso que dejaron la posibilidad de su reaparición al final de la anterior entrega) e India Eisley tampoco retoma su papel de Eve. La trama, que parecía que había cogido intensidad y dramatismo en la anterior entrega, queda aquí simplificada a la eterna lucha de vampiros y hombres-lobo. la presencia humana se elimina totalmente. con ello, ese trasfondo de denuncia social que podría subyacer del odio humano a los distintos que se reflejaba en la anterior, también queda suprimido. queda así un producto plano sin innovación ni trasfondo tan solo centrado en mostrar lo que es la puesta en escena habitual de la franquicia: disparos, acción y Kate Beckinsale demostrando, una vez más, que el cuero le sienta fenomenal. No decepcionará a los incondicionales de la saga y los que disfruten con las peleas, disparos y pirotecnia varia pero no se la puede decir que sea una buena película ni siquiera dentro de la propia saga. simplemente es continuista sin mas pretensiones que divertir y mostrar mas de lo mismo. Fruto de ello son los escasos 12 millones de recaudación en Estados Unidos (aunque la salva la recaudación internacional más generosa).

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                El futuro de la saga es incierto. Si bien parece que se da por concluida, no se descarta un reinicio de la misma ya sin Kate Beckinsale (¿centrada en Eve?), la creación de una serie de televisión, o incluso se ha oído un delirante crossover entre Underwold y Resident Evil con el espectacular duelo de féminas: Beckinsale y Jovovich (esta última, curiosamente, también fue contemplada para interpretar a Selena).... Sea como sea no parece que la guerra entre vampiros y licántropos vaya a finalizar todavía.

16 may. 2017

DESPEDIDA A GERMÁN YANKE: AMIGO, MAESTRO, JEFE

Nuestro compañero Javier, fundador de Locoporelcine, ha escrito un texto homenaje al periodista, escritor y poeta, Germán Yanke, recientemente fallecido. Una emotiva despedida para un personaje irrepetible del panorama cultural patrio. 

El periodista Germán Yanke. 

Germán Yanke: amigo, maestro y jefe 



El pasado domingo se fue sin hacer ruido -como a él le hubiera gustado- Germán Yanke, periodista, escritor, columnista, poeta, tertuliano, exsubdirector de El Mundo del País Vasco -donde fue mi jefe en el triste verano del 97-, exdirector de Época, exdirector del informativo 'Diario de la noche' de Telemadrid... y, por encima de todo, mi amigo. 

Estoy seguro de que allá donde esté no le hará ni puñetera gracia que le dedique estas líneas y menos que aplauda algunos de sus logros, principalmente el de haber plantado cara a la expresidenta de la Comunidad de Madrid y condesa consorte de Bornos y de Murillo... y de la charca de ranas. Ella es Grande de España, pero Germán fue Grande del Periodismo, porque hay que tener 'un par' para hacer preguntas impertinentes y replicar a la persona que te está dando de comer en el medio público en el que trabajas, sobre todo, teniendo en cuenta la legión de lameculos, comefelpudos y periodistas mercenarios que, tristemente, pululan por este mundillo de la Comunicación. 

Cierto es que a él le puso en Telemadrid mi paisano Javier Arenas, pero no es menos cierto que una vez que al pez lo echaron al estanque, éste nadó libre y feliz a corriente y a contracorriente que, en el fondo, es lo que cuenta y lo que los ciudadanos valoran... Y también los políticos de raza -que los hay, como los periodistas-, que son los que no temen a las críticas porque tienen recursos más que de sobra para defenderse ni nada que ocultar, los que no saben lo que es descolgar un teléfono y llamar al director de un medio de comunicación, ni elaborar listas negras... y tantas cosas. 

He hablado con unos cuantos maestros del Periodismo y todos me dicen lo mismo: que era una buena persona y que no se callaba nada. Por eso precisamente fue vetado en no pocos lugares por más de una hiena de la profesión que ahora se da golpes en el pecho loando su figura con un DEP y que presume de haber sido demócrata toda su mezquina vida en este oficio tan ingrato y, a la vez, tan maravilloso gracias a gente como Germán.
 


 
Un saludo, 

Javier M.

10 may. 2017

Libros de cine - Entrevista a Javier Figuero, autor del libro Los inadaptados de Tim Burton

Tim Burton es uno de los cineastas más insólitos del cine actual. Los protagonistas de sus películas son desarraigados, introvertidos, melancólicos, outsiders, viven una dualidad existencial entre su mundo interior y la realidad exterior. Sus personajes reflejan las experiencias del director durante su infancia, adolescencia y también a lo largo de su vida adulta, especialmente en el ámbito profesional. De pequeño, Burton vivió aislado, encerrado en su habitación, donde veía películas de terror y dibujaba seres monstruosos. De mayor, él siempre se ha considerado un director ajeno a la industria de Hollywood: forma parte de ese entramado cinematográfico pero se siente extraño en él. El libro que ahora tienes en tus manos estudia el cine de Tim Burton desde la perspectiva de su outsider protagonista, atendiendo especialmente a sus películas más emblemáticas y personales.

Javier Figuero, autor del libro. 


¿Qué supone Tim Burton en la historia del cine?



Tim Burton supone una gran novedad dentro de la industria del cine norteamericana. Es un director muy personal, con una manera muy original de hacer cine que, además, triunfa comercialmente. Burton desde el comienzo fue un inadaptado con éxito, lo que resulta una contradicción, porque el éxito es más bien un indicio de adaptación. En sus primeras películas logró mantenerse independiente, al menos en gran medida, y conseguir la aceptación del público. 

Ha construido un elenco de personajes inadaptados verdaderamente notables, muchos de ellos con una doble personalidad muy acuciada, que expresa la incapacidad de dichos personajes para vivir en el mundo real, por lo que escapan a otra realidad ficticia donde pueden mostrarse con autenticidad. Hay títulos memorables que ya forman parte de la historia del cine con Eduardo Manostijeras, 1990 o Big Fish, 2003. Además, es un autor que se ha desenvuelto con una gran destreza entre la animación y la imagen real. 

Tim Burton (izqda) y Johnny Depp (dcha) como Eduardo Manostijeras


¿Cuáles son las mejores y las peores películas? 

Su primer cortometraje, Vincent, 1982, es una pieza excepcional, ahí establece muchas características de su peculiar estilo: su protagonista incomprendido y solitario: un outsider social con problemas de comunicación, ese estilo visual extraño y fantástico, que será un sello personal del director. Además, ya aparece aquí un elemento fundamental en su cine: la imaginación, que se desborda en cada plano de sus películas. También podemos apreciar el interés del director en la transmisión de sentimientos más que en el desarrollo de una trama perfecta, otra peculiaridad muy burtoniana. 

Entre sus grandes películas podemos mencionar a Eduardo Manostijeras, 1990, un trabajo personal que ahonda en el mundo del inadaptado, Big Fish, 2003, un singular y emocionante retrato de la relación padre-hijo afrontada con una exuberante imaginación, o Pesadilla antes de Navidad, 1993, que aunque fue dirigida por Henry Selick, es un proyecto muy personal de Burton. Proyectos menos acertados han sido El Planeta de los Simios, 2001, o Sombras Tenebrosas, 2012. Aquí encontramos a un Burton menos personal, menos inadaptado, más sumiso a la industria.


Un joven Burton en el proceso de rodaje de "Vincent"


¿Han estado sus musas y ex-parejas a la altura?

Yo diría que sí, pienso sobre todo en Helena Bonham Carter, que ha interpretado personajes determinantes en películas como Big Fish, Sweeny Todd o El Planeta de los Simios. 


¿Por qué Hollywood no le valora? 

Aunque ha tenido problemas en Hollywood, yo creo que sí le valoran, de otra forma no le habrían encargado todas las películas que ha dirigido. Pero Tim Burton es peculiar, alguien distinto, extraño para una industria muy acostumbrada a hacer las cosas de una determinada manera. 

Él mismo cuenta que cuando estaban preparando Beetlejuice, 1988, tenía reuniones de guión interminables, donde daban mil vueltas a la trama, y especialmente al tercer acto, para acabar improvisando un montón de situaciones del desenlace de la película. Esta peculiaridad del autor le ha ocasionado más de un quebradero de cabeza, hasta el punto de trasladar su residencia fuera de Estados Unidos y establecerse en Londres. Escapó de allí porque, como él mismo afirmó, no podía soportar todo lo que rodeaba al negocio de hacer cine. 

Antes he mencionado que Tim Burton está más interesado en la expresión de los sentimientos de sus personajes que en la estructura de la historia, esta manera de abordar sus trabajos seguramente le ha perjudicado en un Hollywood que tanto valora la forma tradicional de narrar.

El autor en una fotografía reciente



Sobre el autor, Javier Figuero, es periodista y doctor en Comunicación Audiovisual. Ha trabajado como guionista en series como Menudo es mi padre (Antena 3), Médico de familia (Telecinco), Esquimales en el Caribe (TVE1) y un medico di famiglia (RAI). Cineasta independiente, ha dirigido varios cortometrajes y documentales, con los que ha recibido varios premios internacionales: Milagros (2006), Tablas (2008), Carlota (2009), Jano y el Cartel de cine (2011), Anillo (2013), La belleza salvará el mundo (2015), La cosa más bonita del mundo (2016). Actualmente imparte clases de guion en la universidad CEU San Pablo.


Portada del libro



Ficha Técnica

Editorial Encuentro

Colección: ENSAYO 

Materia: CINE 

296 páginas - También disponible en Ebook.


Entrada elaborada por Javier M. Faya.

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