Ganadores de los Premios del Gremio de Directores Americanos

Anoche se dieron los premios más importantes de cara a la categoría de mejor director en los Oscar, los que concede el Gremio de Directores Americanos. Y este año el vencedor ha sido... Pues Michel Hazanavicius, que avanza un paso importante para hacerse con la dorada estatuilla tras el premio del Gremio de Productores. No son las únicas menciones del sindicato. El resto de categorías, sin contar la de mejor director de documental, que ha ido a parar a manos de James Marsh por "Project Nim", son televisivas, donde series como "The Kennedys", "Curb your entusiasm" o "The Killing" han sido distinguidas.

MEJOR DIRECCIÓN EN UNA PELÍCULA

Michel Hazanavicius (The Artist)

MEJOR DIRECCIÓN EN DOCUMENTAL

James Marsh (Project Nim)

MEJOR DIRECCIÓN EN MINISERIE O TV MOVIE

Jon Cassar (The Kennedys)

MEJOR DIRECCIÓN EN SERIE. DRAMA

Patty Jenkins (The Killing, "Pilot")

MEJOR DIRECCIÓN EN SERIE. COMEDIA

Robert B. Weide (Curb Your Enthusiasm, “Palestinian Chicken”)

MEJOR DIRECCIÓN EN UN ESPECTÁCULO MUSICAL

Glenn Weiss (65th Annual Tony Awards)

MEJOR DIRECCIÓN EN UN REALITY

Neil P. Degroot (Biggest Loser, "Episode #1115")

MEJOR DIRECCIÓN EN UN SERIAL DIARIO

William Ludel (General Hospital, “Intervention”)

MEJOR DIRECCIÓN EN UN PROGRAMA INFANTIL

Amy Schatz (A Child’s Garden of Poetry)

MEJOR DIRECCIÓN EN UN COMERCIAL

Noam Murro (Biscuit Filmworks) por:

- Handlebar Moustache, Heineken Premium Light- Wieden & Kennedy/NY

- Hot House, DirecTV – Grey/NY

- Pinata, Volkswagen Tiguan – Deutsch/LA

- Is It Real?, EA Battlefield 3 - Wieden & Kennedy/Portland

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Crítica. Millennium 1. La nueva Salander piza fuerte

Sinópsis:

Esperando poder distanciarse de la acusación de difamación que pesa sobre él, el periodista Mikael Blomkvist se traslada a una isla remota en el norte de Suecia donde la muerte aún no resuelta de una joven atormenta a su tío cuarenta años después. Alojado en una cabaña de la isla donde el asesino puede estar aún rondando, la investigación de Blomkvist le lleva a dibujar los secretos y mentiras de esta poderosa y rica familia junto a una rara aliada, la tatuada y hacker punki, Lisbeth Salander...

He de reconocer que desde el principio me posicioné muy escéptica ante la nueva adaptación americana de la novela de Stieg Larsson. La versión sueca me había resultado una maravilla, creíble, con un reparto verosímil, y un guión bastante fiel a la novela original. Si a eso le sumamos el rechazo que me supone ser testigo de la falta de originalidad de Hollywood... Sin embargo, el fin de semana del estreno me decidí a ir a verla al cine, y he de reconocer que me "sorprendió" gratamente. Evidentemente no había ninguna sorpresa en cuanto a la historia pues he sido fan de la novela antes que se estrenaran las películas, por lo que la historia la conozco. Aun así, ya en los títulos de crédito iniciales como espectadora te sientes abrumada y no puedes dejar de admitir que, sin duda, los americanos saben vender.

La adaptación al guión es en esta ocasión más... rica. Me explicaré. Se tratan otros aspectos que en la versión sueca no aparecían y que desconocías si no habías leído los libros. En cierto modo, la americana acaba completando lagunas de la sueca, con lo que comprendes mejor toda la historia.

Prácticamente con ambas películas has leído el libro entero sin apenas detalles omitidos. Es además una producción pensada para cine, y no como ocurrió en la versión sueca, que fue concebida para televisión. Se nota especialmente en las escenas de violación del abogado a Lisbeth, mucho más explícitas y duras (si es posible) que las que protagonizó Rapace.

Aun cuando me he declarado fiel seguidora de Noomi Rapace como la Lisbeth Salander por definición, he de reconocer que esta versión de David Fincher nos muestra una Lisbeth con más matices: solitaria, que se refugia tras esa imagen oscura buscando que su alrededor la ignore, pero al mismo tiempo humana y "tierna" cuando alguien se gana su confianza (Mikael o su anterior tutor). La transformación de la actriz es impresionante, aunque la Salander-Rapace era más dura que la Salander-Mara. Por lo que se refiere a la pareja formada por Daniel Craig y Rooney Mara, sólo decir que funciona, incluso mejor que la sueca, especialmente por el acierto de la elección de Mikael: el casting es más acertado, más fiel a la apariencia que supuestamente tiene Mikael Blomkvist (un periodista madurito muy atractivo).

El tercer componente del trío amoroso, Erika Berger, interpretado por Robin Wright, resulta casi un regalo. Es agradable ver a esta actriz de nuevo en la pantalla grande. Siempre ha sido una actriz que me ha gustado, y de la que guardo un bonito recuerdo por su papel en 'La princesa prometida', que aunque no sea su mejor papel, sí es uno entrañable que recuerdo de mi infancia.

El resto del reparto es correcto, pero el Henrik Vanger y el Martin Vanger suecos fueron más acertados que en esta versión americana. Destacar una espléndida fotografía, desde los títulos de crédito ya mencionados al resto del film.

Resumiendo: una no desmerece el trabajo de la otra. Son complementarias.Mientras una es claramente un producto comercial que se vende muy bien, la otra es una producción más televisiva pero con el encanto de un film que transmite más verosimilitud (al ser actores desconocidos, la experiencia es de algo más real).

Lo mejor y lo peor:

• Lo mejor: los nuevos detalles de la historia y la otra cara de Lisbeth Salander, de lo que no pudimos disfrutar en la adaptación sueca.
• Lo peor: quizá esperaba algo más cautivador de la mano de Fincher, pero no decepciona.

Ficha técnico-artística:

• Título original: The girl with the dragon tattoo.
• Dirección: David Fincher.
• Países: USA, Suecia, Reino Unido y Alemania.
• Año: 2011.
• Duración: 158 min.
• Género: Thriller.
• Interpretación: Daniel Craig (Mikael Blomkvist), Rooney Mara (Lisbeth Salander), Stellan Skarsgård (Martin Vanger), Robin Wright (Erika Berger), Christopher Plummer (Henrik Vanger), Steven Berkoff (Frode), Joely Richardson (Anita Vanger), Yorick Van Wageningen (Bjurman).
• Guión: Steven Zaillian; basado en la novela de Stieg Larsson.
• Producción: Ceán Chaffin, Scott Rudin, Søren Stærmose y Ole Søndberg.
• Música: Trent Reznor y Atticus Ross.
• Fotografía: Jeff Cronenweth.
• Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall.
• Diseño de producción: Donald Graham Burt.
• Vestuario: Trish Summerville.
• Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.
• Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Trailer:

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CRÍTICA: Bajo amenaza

SINOPSIS: Matrimonio con un hija. Ella es arquitecta, él comercia con diamantes. Cuatro atracadores entran en la casa en busca de dinero.

El género de personas secuestradas en su propia casa ha dado, como todos los géneros, buenos y malos frutos. Sería interesante analizar por qué prolifera el género en estos últimos tiempos: miedo, inseguridad, búsqueda de refugio en la familia cuando todo lo demás se derrumba, desesperación...

Eso si la película mereciera la pena, si realmente tuviese el contenido adecuado como para profundizar en los temas que toca. Funny Games se decantaba por un serio análisis existencial de la sociedad. La habitación del pánico era una excusa para practicar habilidosos ejercicios de estilo. La reciente Secuestrados combinaba la visceralidad de la primera con los juegos de cámara de la segunda. Solo en casa se convertía en un pasatiempo divertido en versión infantil. Y la icónica, fundadora y probablemente todavía no superada Sola en la oscuridad, se decantaba por un más difícil todavía son una Audrey Hepburn ciega.
Bajo amenaza tenía, por tanto, un buen número de referentes para inspirarse. La presencia de dos intérpretes de la talla de Nicole Kidman y Nicolas Cage, podía presagiar un cierto interés en la profundidad psicológica de los personajes.

Pero nada más lejos de la realidad. La familia está compuesta por padre, madre e hija adolescente, que constituyen clichés, personajes tópicos y elementales sin interés alguno. De esos que no producen empatía alguna y cuyo asesinato el espectador podría contemplar con indiferencia o, incluso, con regocijo. Pero los cuatro malvados secuestradores resultan ser una pandilla de tarados mentales cuya ineptitud tampoco hace inclinar la balanza a su favor.
A favor de la película hay que decir que los secuestradores irrumpen en la casa al poco de empezar el metraje. El problema es que, una vez dentro, la interacción entre los personajes, las huídas, capturas, rearmados y desarmados, se sumerge en una ilógica permanente. Hay muchos gritos, mucho "dispara" y "no dispares", "mátalo y "no lo mates". Y situaciones intermedias que se rellenan con diálogos forzados para conducir a una nueva situación de aparente tensión. Aparente porque, cuando en una escena supuestamente angustiosa, el espectador se ríe de lo absurdo del contexto, significa que muchas cosas están fallando.

Bajo amenaza, pese a tener un presupuesto que permite una buena fotografía y una decente planificación, no pasa de ser un producto de serie B, pretencioso en sus formas (esos flash back tan casposos) y fatigoso en sus vueltas y revueltas que conducen a un final tan previsible como decepcionante.
¿Sirve para entretenerse? Tal vez. Si no se es muy exigente, si se renuncia a emplear la inteligencia, si se dan por buenos los planteamientos de que los buenos no hacen uso de las armas por muy mala que sea la situación, puede uno gastarse el dinero en la entrada del cine. Aunque, precisamente para cosas así, era para lo que estaba megaupload.
Lo mejor: La casa.
Lo peor: Un guión sin pies ni cabeza.

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Concurso Bunraku. Error en la dirección de email

¡Hola Loc@s del cine!


Los que hayáis enviado las respuestas al concurso BUNRAKU volved a enviadlas, había un error en la dirección de e-mail. Ahora ya está corregida.

Concurso aquí

¡¡Disculpad las molestias y SUERTE!!


LxC

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Taquilla España: George Clooney vence a Adam Sandler

Comencemos este análisis semanal de la taquilla desmintiendo un rumor que circula por los medios generalistas. Se ha asegurado que, tras el cierre de Megaupload, las recaudaciones han subido considerablemente, especialmente tras el inesperado taquillazo en nuestro país de "Los descendientes". Nada más lejos de la realidad. Según apunta Pau Brunet en boxoffice.es, el total de este fin de semana es un 19% inferior al visto hace un año a estas alturas. Habrá que esperar un tiempo para comprobar si el cierre de portales ilegales de descarga afectan o no a la taquilla, pero aún es pronto para que los medios difundan información que, según los datos, es falsa.

Dicho esto, lo más cacareado de la semana ha sido el triunfo de "Los descendientes" este fin de semana. En el momento de su estreno era favorita a los Oscar, y ahora sabemos que cuenta con cinco nominaciones, todas ellas importantes. Esto y la presencia de George Clooney han atraído a las salas a los espectadores pertenecientes el sector adulto de la población, de una manera similar a lo visto hace un año con "Cisne Negro", también de Fox, pero con la diferencia de que este tenía un componente de fantasía que podía seducir a otros perfiles. El film de Alexander Payne es más pequeño y modesto que aquel, y aún así logra unos excelentes e inesperados 2,11M€, y la más que elevada posibilidad de un formidable aguante después de las buenas críticas y mejores reacciones del público.

Clooney no sólo deja KO a otros títulos de prestigio y adultos del momento, sino que ha ganado la partida a Adam Sandler, que se ha tenido que conformar con el segundo puesto y 1,26M€, no muy lejos de trabajos anteriores del cómico norteamericano. "Jack y su gemela" salía como lo más fuerte de la semana, pero ha perdido frente a Clooney y su estreno no es malo, pero no espectacular.

A la única a la que no afecta "Los descendientes" es a "The Artist", la otra gran favorita de los Oscar. Sus tres Globos de Oro se traducen en un aumento durante la semana pasada y, cómo no, durante este fin de semana. Asciende un 21% pese a su singularidad y lleva un total de 1,67M€, dato que mejorará indudablemente de aquí a un mes.

Sí se han visto aplastadas por ambas cintas de prestigio otras propuestas destinadas al sector adulto y cinéfilo. El estreno español de la semana, "Silencio en la nieve", consigue un desastroso dato de 0,91M€, aunque deberíamos confiar en su posible aguante dada la presión mediática en torno a lo último de Gerardo Herrero. La otra película española del momento, "La chispa de la vida", se desploma un fatídico 60% y le costará llegar al millón de euros al final de su carrera, saliéndose ya del top ten.

"Drive", "La dama de hierro" y "Millennium" también descienden fuerte. El caso de esta última es preocupante, pues cae un 52%, pero habrá que estar atentos por si sus cinco candidaturas a los Oscar la levantan el fin de semana que viene. Lo tiene difícil, y lleva ingresados 1,46M€. A nivel internacional comienza a coger fuerza -es tercera-, y mundialmente lleva unos muy buenos 166M$ (118,5M€), casi el doble de su presupuesto.

La lista española de las diez más vistas la cierra Tom Cruise, que sigue acumulando millones con la cuarta entrega de "Misión: Imposible". Supera con sus 7,08M€ lo cosechado por el anterior film, tal y como ha pasado de manera holgada en el resto del mundo. Es más, a nivel mundial se encuentra a tan sólo 5 millones de euros de la segunda parte, diferencia que con toda seguridad salvará a finales de esta semana.

Fuente: boxoffice.es

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Crítica: Arrugas

Ya lo dijo Joan Manuel Serrat en una de sus magníficas canciones: “que a los viejos se los aparta después de habernos servido bien”. Pues de eso va precisamente esta meritoria película de animación española que está recogiendo premios en todos los Festivales por los que va siendo exhibida. La trama nos presenta a un hombre, inmerso en la tercera edad, quien ve como sus facultades físicas comienzan a menguar, lo que supone un serio problema para sus familiares más directos, que no tienen más remedio que ingresarlo en un geriátrico al estar cada vez más perdido en sus propios recuerdos. A partir de entonces, la difícil convivencia con sus avejentados coétaneos y la inoportuna aparición del devastador alzheimer harán que su vida poco a poco vaya dejando de tener sentido. Contado así el argumento parece que nos hallemos ante un dramón generacional de los que hacen época, pero el realizador del film, el valenciano Ignacio Ferreras, sabe explicar algo tan obvio como que todos nos acabamos haciendo viejos de una forma harto sensible y tierna, sin caer en ningún instante en el sensacionalismo barato ni en el chantaje emocional.

Lo que le ocurre a los personajes, atrapados en una espiral temporal de contínua erosión nos sucede o sucederá a todos aquellos que lleguemos a septuagenarios. El hogar de ancianos en el que matan el tiempo antes de que el tiempo los mate a ellos da pie a los momentos más divertidos y nostálgicos a la vez. Los últimos arrebatos de picardía, la aparición de sentimientos como el amor y la amistad que parecen vetados a quienes son más una carga que otra cosa para una sociedad en la que sólo se atiende a la juventud, e incluso ciertos apuntes de crítica social ante unos centros que priman la apariencia externa al verdadero cuidado de los ancianos se dan la mano en un trabajo tan original como recomendable. Es loable que tanto el director, como Paco Roca, el ilustrador que escribió y dibujó el cómic en el que se basa el film y que aquí realiza además tareas de coguionista, hayan fijado su atención en una franja de edad tan olvidada por todos aquellos creadores que creen que su público se desvanece al llegar a los treinta y pico años. Pues no, aquí no se funciona como en La fuga de Logan, donde el sistema eliminaba de forma automàtica a los mayores de veinticinco años, o como en La balada de Narayama, aquél clásico japonés imperecedero de Shohei Imamura donde los abuelos iban a morir de manera voluntaria a la Montaña de los Robles cuando cumplían los setenta años. Los integrantes de la llamda tercera edad también representa a un público potencial y es de aplaudir iniciativas que les incluyan en lugar de apartarlos.


Nunca estuvo tan justificado aquello de “película dirigida para todos los públicos” como en esta ocasión. Cada escena es como una patada de realidad que duele y conciencia a todos por igual. Si bien el tono es de comedia amable, existen momentos aterradores, como todos los que tienen que ver con esa funesta planta de arriba donde llevan a los enfermos que necesitan cuidados extremos y a donde el protagonista, junto a sus improvisados amigos luchará con las pocas fuerzas que le quedan para conseguir que no lo trasladen. En cuanto al dibujo en sí, estamos ante una propuesta en dos dimensiones (alabado sea el cielo, todavía existe animación que no se exhibe en 3D) de linea clara y precisa a la que le corresponde una historia igual de clara y precisa en su relato y su emotividad. La banda sonora, compuesta por el gallego Nani García, acompaña mediante apuntes jazzísticos y melodías evocadoras el desarrollo de una trama que no pierde ritmo en sus ochenta minutos de duración.
Por último, resaltar las altas cotas que tanto Arrugas, como la ya estrenada Chico y Rita de Fernando trueba y Javier Mariscal han conseguido para la, por desgracia, mediocre industria del cine de animación en nuestro país. Que dos propuestas tan dispares y antológicas como éstas hayan conseguido ser finalistas, no sólo a los Premios Goya, sino que estén a punto de conseguirlo también en los Oscars de la Academia, es un hito histórico tan sólo al alcance de los más grandes, y desde luego esta Arrugas merece todos los reconocimientos.

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Escenas de Cine. Bullit

En la sección de escenas de cine, hoy tenemos un clásico del cine de acción BULLIT de 1968,  que cuenta con una de las mejores escenas de persecución de coches de las historia del cine, en este caso por las calles de San Francisco, escena imitada hasta la saciedad, pero que pocas veces por no decir ninguna igualada.

Esta película policiaca, esta protagonizada por una de las estrellas de los 70 Steve McQueen. Espero que disfruteis la escena de este clásico del cine policiaco.

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CRÍTICA: Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

Un encargo de calidad

Debo reconocer que tenía serias dudas acerca de este proyecto, si bien el tráiler presentado hace meses conseguía disiparlas en parte. Porque todo en esta primera entrega de “Millennium” olía a encargo para David Fincher. Pero el realizador ha demostrado una vez más que sabe huir perfectamente de los encasillamientos y los prejuicios iniciales, y su adaptación de la novela de Stieg Larsson respira nueva vida y sello propio en cada fotograma.

Sirva de precedente el hecho de que no conozco el material de partida, el cual dicen que no daría para rellenar dos horas y media de metraje en una película, algo que se desprendía de la adaptación sueca original, la cual sí he visto. El trabajo de Niels Arden Oplev no pasaba de ser un telefilm alargado y estrenado en cines, una cinta tan gélida e impersonal como los parajes de esa Suecia desprovista de humanidad, tan lastrada por la larga sombra del nazismo que ha dado cuna a auténticos monstruos, a esos hombres que no amaban a las mujeres.

Teniendo en cuenta que estamos, según dicen, ante una adaptación mucho más fiel de la novela original, aún así en su trama y en algunos momentos ambas propuestas se hermanan. Hermanarse, que no resultar idénticas y mucho menos ser copia la una de la otra, o incluso remake, como muchos aseguran. Lo increíblemente llamativo de la versión de Fincher es cómo el universo de Larsson –hablo de la historia y el escenario- encaja coherentemente con la filosofía del cineasta. La película, mucho más dinámica y clara que su predecesora gracias al ritmo que el director sabe imprimir a sus trabajos y al milimétrico guión del gran Steve Zaillian, está a medio camino entre la historia de paranoia enfermiza de “Zodiac” y el tenebrismo de “Se7en”, un in crescendo constante no exento de una violencia incómoda pero justificada, que convierte el blanco de la nieve en negro petróleo, en oscuridad reinante.

Mención aparta merece la pareja protagonista, muy distinta en su tratamiento que la original sueca. Daniel Craig y Rooney Mara poseen una química salvaje en pantalla, aunque tarden en unir fuerzas, y su acelerada y quizá demasiado repentina relación sólo es comprensible desde la perspectiva de la agresividad que requiere una dosis de afecto y cariño para apaciguarse. Ambos están convincentes y soberbios, especialmente ella, muy a la altura de Noomi Rapace. Eso sí, su Lisbeth Salander resulta mucho más humana que la de esta, mucho más cercana al público, y su pasado no necesita ser revelado explícitamente.

Por supuesto, técnicamente ambas se encuentran a años luz. La fotografía de Jeff Cronenweth ilumina tan bien los espacios abiertos como esos interiores sombríos de la iconografía fincheriana, y la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross ayudan a impregnar al conjunto de esa sensación de tensión en continua evolución que requiere la película. Juntos se marcan una monumental versión del “Inmigrant Song” de Led Zeppelin que bañan los créditos iniciales más sensacionales que mis ojos han podido ver en los últimos años, un presagio de lo que sería la saga 007 en manos de Fincher. Lo que viene después quizá no posea la fuerza de esos créditos, y el tramo final se alarga en exceso cuando el enigma ya se ha desvelado media hora antes, y puede que estemos ante el trabajo menos potente de su director. Pero ni por asomo es una mala película. En manos de David Fincher, un encargo es una apuesta segura de calidad.

LO MEJOR Y LO PEOR: 

Lo mejor: los potentes créditos iniciales y la química salvaje de su pareja protagonista 

Lo peor: el tramo final pierde fuelle

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