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22/11/2014

Nunca es demasiado tarde

SINOPSIS: Mr. May se encarga de busca a  parientes de difuntos que no han sido reclamados por nadie. Su trabajo es eficiente y su vida discurre con asumida monotonía.
Gente muerta que muere sola. Y les investiga un hombre vivo que vive solo. Dedicado buscar parientes de esos muertos, la existencia de Mr. May es tan gris como cabe imaginar. Monótona, sin sobresaltos, rutinaria, sometida a un voluntario sistema metódico.
Los primeros planos se encargan de mostrarnos esa rutina. Su asistencia a un funeral católico, a uno ortodoxo, a uno protestante. Papeleo en la oficina, llamadas de teléfono, la manzana que toma de almuerzo, la cena solitaria con los cubiertos alineados con rigurosa precisión. Y eso sucede un día y otro día.
Leves cambios, algunas alteraciones, parecen indicar que él está abierto al cambio, aunque su laconismo indique que él mismo no es consciente de ello.
Y de pronto, en el mismo día, ocurren dos cosas sorprendentes: el cadáver que debe investigar es el de su vecino de enfrente y le anuncian su propio despido para centralizar oficinas y ahorrar gastos.
Así que Mr. May decide investigar de un modo más especial a ese finado empleando los últimos días que le quedan de trabajo.
Cine minimalista centrado, ante todo, en el análisis psicológico de un personaje en una profesión poco común. Uno de los personajes se lo hace notar. Pero el ama su trabajo. También es una muestra de un trabajo bien hecho.
En la investigación de la vida pasada del vecino fallecido, nuestro protagonista va a encontrarse con personajes singulares, otras vidas extrañas y a la vez muy comunes.
También conocerá a la hija del fallecido. Y la puerta hacia una posible relación se abre.
Pero esta película lo es todo en su final. Ahí todo adquiere sentido y entendemos por qué fue necesario seguir a Mr. May en todo su periplo. Un final sorprendente que aúna coherencia, tragedia, comedia, trascendencia. Y obliga a reflexionar sobre la importancia de nuestro trabajo, la relevancia de nuestros proyectos, el modo en que una vida anónima afecta a muchas otras personas. Al igual que en Las consecuencias del amor, es el cambio de hábitos lo que provoca unas consecuencias inesperadas, pero la vida pasada ahí queda. Nuestros actos como huellas imborrables.
Gran trabajo de Eddie Marsan, casi impasible, pero controlando la gestualidad cada vez que es necesario mostrarle algún sutil sentimiento al espectador.

Lo mejor: Su final.
Lo peor: En unas pocas ocasiones la calma narrativa no está justificada.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Uberto Pasolini.
Guión: Uberto Pasolini
Intérpretes: Eddie Marsan, Joanne Froggat.
País: Reino Unido, Italia.
Duración: 92 m.
Música: Rachel Portman.
Fotografía: Stefano Favilene.

Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1

SINOPSIS: Katniss Everdeen se encuentra en el Distrito 13, supuestamente desaparecido. Allí los ciudadanos son soldados y han estado esperando el momento oportuno para iniciar la rebelión.
El gran riesgo de Los juegos del hambre en su versión cinematográfica, que no literaria, es el obligado cambio de género.
Las dos primeras películas pertenecían, por su propia naturaleza, al género de aventuras, más próximo a  un público adolescente. Las dos siguientes entregas, de las que la presente es la primera, deben derivar hacia el cine bélico, que tradicionalmente se asocia a un público más joven y adulto.
Podríamos añadir un segundo riesgo ya que, al dividir las dos últimas películas, la actual se centra, sobre todo, en la guerra lejos de las trincheras, en la información y en la desinformación, en las campañas publicitarias contra el enemigo y en los anuncios para alentar a los propios aliados.
Francis Lawrence se ve obligado, por tanto, a construir una película de tono marcadamente político, bien distinta a las anteriores, que puede hacerle perder una parte del público: el más joven.
Hay que reconocer que hay mucho esmero tras la cámara y que el drama tiene fuerza gracias a la profundización psicológica en los personajes. Ayuda a ello un buen reparto. Claro que, si metes en la misma sala a Jennifer Lawrence, Julianne Moore y el difunto Philip Seymour Hoffman, no necesitas ni guión. Ellos solos se encargan.
Es una buena película que trata de convertir los riesgos en oportunidades. Ahora bien. Es innegable que, como película de enlace, tiene un algo de superfluo y que tanto discurso puede agotar.
Si se busca acción, el público quedará defraudado. La película sorprende, precisamente, por la carencia de ella. Se interesa más en acentuar las ciudades destruidas, los crímenes de guerra, la épica aislada de hombres y mujeres que mueren para que sus descendientes tengan una oportunidad de libertad.
Katniss Everdeen sigue evolucionando, descubre en ese hospital en qué se ha convertido y asume su papel con decisión pero con cuidado. No acaba de fiarse del todo de esa presidenta y de esos militares. La obediencia ciega está muy bien para un ejército que debe lanzarse ciegamente a la muerte. Pero no parece una opción civil.
De modo que si, desde el punto de vista cinematográfico, asienta bien las bases para la cuarta entrega, quizá no es lo que esperaban sus seguidores.

Lo mejor: La profundización psicológica en los personajes.
Lo peor: Que lo mejor que tiene aleje de las pantallas a parte del público.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Francis Lawrence.
Guión:Peter Craig, Danny, Danny Strong
Intérpretes: Jennifer Lawrence, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth.
País: EEUU.
Duración: 123 m.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Jo Willems

10/10/2014

ANNABELLE, NUEVO FILM DE TERROR DE LA WARNER


Por J. Antoniello
UNA MUÑECA POCO INFANTIL

El MATRIMONIO FORM A PUNTO DE TENER FAMILIA, SE VE INVOLUCRADO EN UN ASESINATO RELACIONADO CON SECTAS SATÁNICAS. A PARTIR DE ESE MOMENTO, MIA FORM SE CONVIERTE EN EL SINIESTRO OBJETIVO DE UNA ENTIDAD DEMONÍACA, A TRAVÉS DE UNA MUÑECA POSEÍDA LLAMADA ANNABELLE.


Con fecha de estreno en España para el diez de Octubre, Annabelle es el último film de terror de la Warner Bros. Se trata de la tan esperada película derivada de La Conjura, estrenada el año pasado con James Wan como director y un excelente guión de los Hayes. La película vuelve a estar basada en uno de los casos paranormales investigados por el matrimonio Warren, relativos a posesiones de objetos como canalización del mal.  
En la película de los Warren original, se presentó a los personajes a través de la breve y atrapante historia de la muñeca Annabelle, que había sido poseída por un terrible demonio que atormentaba a dos enfermeras que compartían piso. Aunque esta especie de cortometraje dentro del filme tenía un carácter anecdótico e introductorio a la trama principal, terminó por convertirse en el leit motiv de la Conjura, al que todos temían pero del que poco se supo.
Como era de esperarse, Annabelle se convirtió en largometraje y el que fuera Director de Fotografía de la Conjura (John R. Leonetti), pasó a dirigir esta entrega.

La finalidad de la película se consigue sin problemas, el público se ve expuesto a sustos, tensión y una interesante trama que lamentablemente se vuelve un poco repetitiva y extensa por demás. Buen comienzo con detonante que recuerda a La Ventana Indiscreta de Hitchcock, pero que poco a poco se vuelve más de lo mismo sin que realmente ocurra demasiado en la trama. Recupera el interés en el tercer acto, cuando Mia Form comienza ser consciente de lo que le está ocurriendo y lucha para evitar que un demonio con forma de carnero se apodere de la inocente alma de su pequeña hija.
Quizá el sonido y la edición formen un binomio fundamental a la hora de atemorizar al espectador, haciendo coincidir los momentos de máxima tensión con sonidos fuertes y subidas inesperadas.
Se aprecia un excelente manejo de la Fotografía en cuanto a cambio de planos y movimientos de cámara por parte del Director, lo que se agradece.

Un elenco acorde a la historia, sin demasiado bombo y un guión más flojo de lo esperado, hacen de esta película un momento entretenido y tenso con el que distraerse de problemas más “terrenales”.

Personalmente esperaba bastante más de este film, aunque consciente de que el listón de la mini-precuela de Annabelle era demasiado alto como para un largometraje de casi dos horas. Y por supuesto, una pena no haber podido disfrutar de los personajes Warren, aunque fuere por pocos minutos al final. 

Quizá lo mejor de la película sea el momento en que aparece la flamante muñeca Annabelle como regalo del marido a su mujer por el nacimiento de su primer hijo, junto al momento de la ventana estilo Hitchcock.
Y lo peor sería el final en manos de un personaje secundario que intenta ser moralista, mostrando que la salvación se consigue únicamente y después de todo, gracias al sacrificio por el prójimo. Bastante poco elegante y de muy fácil resolución, por desgracia.
Se me vienen a la memoria varios finales bajo esta misma premisa. De buenas a primeras: Constantine (2005), por poner un ejemplo.


Ficha técnico-artística:
  • Director: John R. Leonetti

  • Guión: Gary Dauberman
  • Intérpretes: Annabelle Wallis, Tony Amendola, Tony Amendola, Alfre Woodard.
  • País: EEUU
  • Duración: 98 minutos
  • Música: Joseph Bishara
  • Fotografía: James Kniest


VER TRAILER OFICIAL WB

6/10/2014

ARTICULO: LA MITOLOGÍA EN EL CINE


                La mitología ha sido la gran generadora de historias desde la antigüedad. sus personajes hitos hazañas aventuras penalidades y victorias permanecen inalteradas desde la Grecia clásica hasta hoy de forma que, adaptadas  a los nuevos tiempos, siguen igual de vigente que antaño y siguen siendo historias de éxito y aceptación popular mas allá de barreras culturales o locales. ¿Por qué esto es así? porque son formulismos que están bien arraigados en la condición humana. Nos muestran valores, ideales, e incluso maneras de vivir o actuar de forma recta y honorable que sigue vigente a lo largo de la historia. Todo ello la industria televisiva y cinematográfica lo tiene muy presente y han dotado de imágenes aquellos mitos ancestrales con bastaste entusiasmo y aceptación popular. Aun en detrimento de la fidelidad al mito de donde proviene ya que raro es el caso que se es fiel al relato original.
                Seria el cine italiano de los años ´50 y ´60 quien popularizaría los personajes mitológicos en la gran pantalla comenzando con la celebrada Ulises (Mario Camerini Y Mario Bava 1954) con Kirk Douglas interpretando al protagonista en la considerada mejor película péplum del cine italiano. Hércules también fue llevado al cine en multitud de títulos con las facciones de Steve Reeves en las películas de Pietro Francisci, Mark Forest en La venganza de Hércules (Vittorio Cottafavi, 1960), incluso un jovencísimo Arnold Schwanzenegger en la  aberrante Hércules En Nueva York (Arthur Allan Seiderman 1969). Aquiles, Helena De Troya, Atlas, Los Titanes o la mítica isla de la Atlántida fueron también fuente de inspiración para estos cineastas que, con sus licencias, fallos o aciertos, fueron cimentando las bases de este género.


                Un primer hito dentro del género es el que creó la película Jasón Y Los Argonautas (Don Chaffey, 1963) revolucionaria en el ámbito de los efectos especiales creados por el pionero de la técnica Stop Motion Ray Harryhausen. Curiosamente seria otra temática mitológica la que sería su última película como maestro de efectos especiales: la memorable Furia De Titanes (Desmond Davis, 1981) y que cerraría esta segunda etapa de la mitología y el cine ya que hasta el siglo XXI no veremos más adaptaciones míticas salvo en el ámbito televisivo o infantil.

                Efectivamente, los años ´80 y ´90 supondrá un olvido de este género renegándolo al ámbito infantil o al televisivo. en ambos casos Hércules es el héroe al que más se ha recurrido tanto por Disney con su particular (y nada fiel) visión del personaje en la película Hércules (1997) como por la televisión siendo Kevin Sorbo su encarnación más popular en la serie de Sam Raimi y dirigida por Christian Williams Hércules: Sus Viajes Legendarios donde, si bien los primeros capítulos prometían (a pesar de tener una visión demasiado contemporaneizada de la Grecia clásica), en las últimas temporadas se ve una degradación de los guiones tal que ya resulta hasta paródico. Aun así, contaría con 111 episodios en 6 temporadas (1995 - 1999) y su éxito fue tal que de ella salieron dos spin off: Xena: La Princesa Guerrera Y El Joven Hércules

              
  


















El siglo XXI reimpulsaría de nuevo este género esta vez contando con los personajes de Homero. una de ellas la película de Troya (Wolfgang Petersen, 2004) con un exultante Bratt Pitt como Aquiles y Eric Bana como Hector o la versión de Francis For Coppola de La Odisea rescatando las aventuras de Ulises dirigida por Andrey Konchalovskiy para un formato de cine-tv. 
Pero  será la nueva estética de la película 300 (Zack Snyder, 2006) la que supondrá el siguiente paso dentro del género. Se muestra así una antigüedad clásica de torsos musculosos, escenas de batalla ralentizadas, de espectacularidad escénica digital y efectos especiales 3D abrumadores que dejan ensombrecidos las modestas creaciones de Harryhausen. Se muestra también una vertiente más humana de los mitos, se intenta privar de su inmortalidad a los Dioses del Olimpo (incluso llevándolos a la muerte o padecimiento cosa impensable en los originales clásicos) y los héroes son tratados desde su lado mas humano. Bajo este tamiz no solo se filmaría su secuela: 300 El Origen De Un Imperio (Noam Murro, 2014) sino que también se hizo el remake de Furia De Titanes (Louise Leterrier, 2010) que nos vuelve a narrar las aventuras de Perseo esta vez con los rasgos de Sam Worthington; Concebida en principio como una trilogía, contó con su continuación: Ira De Titanes (Jonathan Liebesman, 2012) aunque los malos resultados de critica y taquilla, por ahora, deja aparcado el proyecto de la tercera parte. También Teseo cobró vida en la inefable Inmortals (Tarsem singh, 2011) en la que su principal proeza épica que es la lucha contra el Minotauro queda en un segundo plano para enfrentarse contra los titanes (cosa que en el mito clásico no ocurrió jamás).

                Asimismo, se buscan otras vias de renovar el género abordando otras mitologías como la nórdica destacando las hazañas de Beowulf o Thor. O de la mano de la literatura juvenil, se crea una vertiente al estilo Harry Potter con la saga Percy Jackson que hasta la fecha lleva ya dos películas: Percy Jackson Y El Ladrón Del Rayo (Chris Columbus, 2010) Y Percy Jackson Y El Mar De Los Monstruos (Thor Freudenthal 2013). Dado los escasos beneficios que lleva la franquicia no se sabe si continuará (a pesar de que quedan 3 libros más por adaptar).

                ¿y Hércules? después del enorme peso que tuvo en las últimas décadas del siglo pasado parecía olvidado pero este mismo año 2014 ha venido a reivindicar su puesto en el personal Olimpo cinematográfico con sendas películas que, sin embargo tampoco han sabido plasmar con fidelidad su historia. La primera, se estrenaría a principios del año: Hércules El Origen De La Leyenda (Remmy Harlin) planteando un héroe más cercano al Gladiator de Russel Crowe que a un semidiós con clara influencia a series como Espartaco o Roma. Recientemente se ha estrenado Hércules. Las guerras tracias (Brett Ratner) inspirada en la novela gráfica homónima con Dwayne Johnson como protagonista. Cuenta con un enfoque más humano e historicista alejándole de su lado divino y planteándolo como un mercenario que, junto a su equipo, iba allá donde se le contrataba. Y aun hay una tercera película en la recámara: Hércules Reborn (Nick Lyon) en un formato más televisivo que cinematográfico.

               

Para el futuro cercano seguiremos contando con aventuras míticas. Como la revisión del personaje de Jasón en Argonauts  bajo la batuta de Zak Penn  para la 20th Century Fox, Gods Of Egipt De Alex Proyas con Gerard Butler de protagonista y la mitología egipcia de telón de fondo, a estrenar en el 2016 o la adaptación del videojuego God Of Wars  para el 2015 por lo que parece este es un género que si bien tiene sus altibajos, parece que todavía tiene cosas que decir.




27/9/2014

NOTICIAS. Palmarés del 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014

-Jurado de la Sección Oficial del 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014-
JAVIER GARCIA
El 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián ya tiene su Palmarés de este año 2014, la ganadora con la CONCHA DE ORO a la Mejor Película ha recaído en: MAGICAL GIRL del realizador: Carlos Vermut. Les informamos también de Otros Premios, y el de la Concha de Plata al Mejor actor, para el español: Javier Gutiérrez por: ‘La Isla Mïnima’.
Si quieren Uds. ver todos los Premios del Festival un enlace: -Sólo pinchar-

CRÍTICA: La isla mínima

SINOPSIS: Años 80. Marismas del Guadalquivir. Dos hermanas de 16 y 17 años desaparecen durante las fiestas del pueblo. Un par de policías son enviados a investigar aunque el caso debería corresponder a la Guardia Civil.
En Grupo 7, Alberto Rodríguez mostró un saber hacer bastante notable, con una película policiaca comercial, efectiva y sugerente.
En La isla mínima da un paso más. Va bastante más lejos para construir una historia mucho más universal, mucho más inteligente y, sobre todo, más cinematográfica.
La trama es fácil, el caso simple. Los policías llegan, siguen pistas que les llevan a otras pistas, a otras personas. Pero atrapa de principio a fin por la atmósfera que crea. El gran valor de esta película está en esa atmósfera. Sin duda recuerda mucho más a True Detective que a Grupo 7 o El Niño.
Ese nivel de globalidad es infrecuente en el cine español. Sin dejar de ser local, cuenta una historia fácilmente trasladable a cualquier lugar. Podría ocurrir en las marismas del Guadalquivir o en las de Louisiana, con los asesinos en serie, las adivinas, los negocios sumergidos, los demonios internos que lleva cada persona.
Hay en La isla mínima un lenguaje muy depurado, muy esencial. La escena de persecución, que parece obligatoria, es buena prueba de ello. El director sabe que, para que haya tensión, no se necesitan efectos especiales de traca. Basta la noche, un camino secundario, polvo, los faros traseros. Nada más. Y el resultado es de una enorme eficacia.
Pero también lo logra con su ritmo pausado pero no pesado. No dejan de pasar cosas que siempre parecen interesantes. Lo consigue con esos planos aéreos tan hermosos como áridos. El paisaje acompaña a los sentimientos.
Si en True Detective veíamos a Woody Harrelson, actor habitualmente de comedias, dar un recital dramático, lo mismo puede decirse de Javier Cámara, que deja las tonterías de Águila Roja para componer a un policía complejo, con un pasado franquista (pobre ingenuo) frente a su compañero, lacónico y reservado, que sueña con la democracia (pobre iluso).
En este sentido la película tiene dos cierres. El segundo se antoja caprichoso e innecesario. Habría sido mejor dejarlo en el primer cierre. Quizá el segundo habría tenido más fuerza si hubiésemos sabido más de los dos polis o si las tramas se hubiesen trenzado de otra manera. Ese segundo final parece encaminado a dejar cierta apertura a una continuidad, pero no deja de ser un fallo en busca de un efectismo que se queda en vaguedad.
Dejando ese pequeño defecto al margen, La isla mínima tiene fuerza, tensión y unos ambientes magníficamente apoyadas por la fotografía y la música. Esos planos aéreos, las elipsis, la sordidez, configuran una película que augura lo que Alberto Rodríguez puede aún dar de sí. Sin duda es toda una promesa a tener en cuenta.

Lo mejor: Su atmósfera.
Lo peor: El innecesario final.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Alberto Rodríguez.
Guión: Rafael Cobos, Alberto Rodríguez.
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo, Nera Barros, Antonio de la Torre.
Duración: 100 m.
Música: Julio de la Rosa.
Fotografía: Alex Catalán.

25/9/2014

NOTICIAS. La cinta de Trueba hacia el Óscar de Hollywood

JAVIER GARCIA
En un acto celebrado esta mañana en la Academia del Cine Español, que contó con el patrocinio de Hamilton, los actores: Aura Garrido y Álex González han desvelado la opción elegida por los académicos para representar a nuestro país en los galardones de la Academia de Hollywood. VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS, del realizador: David Trueba, será finalmente la película española que represente a nuestro país en la ceremonia del 22 de febrero del 2015.
Para tener más información, un enlace: -Sólo pinchar-

CRÍTICA: Frank

SINOPSIS: Jon es un joven letrista y tecladista de música pop. Quiere fama, prestigio y dinero. Un día tiene la ocasión de ser tecladista de un peculiar grupo llamando Sononprfbs.
En La esfera y la cruz tenía lugar una situación peculiar. Chesterton fantaseaba con la idea de unos personajes encerrados en un manicomio. El lector descubría pronto que los muros de la institución funcionaban al revés: eran hacia afuera. La humanidad estaba loca y sólo unos pocos cuerdos quedaban a este lado del muro.
Algo de eso hay en Frank. Jon es el joven ambicioso al que le gusta la música. Tiene cierto toque perfeccionista y cierta capacidad para la percepción de la belleza. Pero ambiciona mucho más la fama y el dinero. Quiere ser conocido. Es decir: un tipo como otros muchos millones. Un hombre normal.
Jon conoce a Sononprfbs en el momento en que el tecladista ha tratado de suicidarse ahogándose en el mar. Como Sononprfbs tiene un concierto, Jon se ofrece y Frank, el líder del grupo, le acepta.
A partir de ahí la película sigue derroteros poco habituales. Un personaje tan estrambótico como Frank exige que la película lo sea también. Jon acababa viviendo con esta pandilla de locos (¿o son los cuerdos?) en una cabaña en el monte buscando la música esencial.
Frank es un ser que encuentra la magia de lo cotidiano, alguien capaz de descubrir que las cosas normales no lo son. Simplemente nos hemos acostumbrado a ellas. Él mismo lleva una máscara ante el asombro de tener dos ojos, nariz, boca, una piel suave. A Frank le sorprende el sonido sordo de un salto en el césped, una hebra deshilachada, el chirrido de un picaporte. Para él lo cotidiano es un milagro. Todo forma parte de su música. Y su notación también es totalmente distinta.
Con Frank la música empieza desde cero.
Este es el tramo importante de la narración: el enfrentamiento entre creación y éxito, creación y fama, creación y dinero. Jon está convencido de que ambas cosas son compatibles y acaba convirtiéndose en la tentación de Frank. Poco a poco Frank cede a las insinuaciones de Jon. Clara la mujer que ha estado al lado de Frank, la que mejor le entiende, la que cuida y vigila por él, descubre que no puede frenar las insinuaciones de Jon.
Y viene la salida al mundo, abandonar el manicomio (¿o entrar en él?).
La película de Abrahamson se mueve en ese doble conflicto: creación y fama. Parece considerar que es imposible la conjunción de ambas. En realidad, de algún modo, piensa que son imposibles ambas. No hay creación sin dinero, pero el dinero destruye la creación. No hay fama sin originalidad, pero la fama destruye la originalidad.
Aunque la visión de Frank tenga muchos puntos humorísticos, se trata en realidad de un humor desesperado, tristón, sin salida. La creación siempre será un papel para proscritos que exige enormes sacrificios y, en ocasiones, la vida (graciosa la trama de sucesión de tecladistas). Michael Fassbender y Maggie Gyllenhaal construyen muy bien sus personajes patéticos, misteriosos. Cuerdos o locos no encajan en este mundo, no importa que lo intenten, no importa que se pongan o se quiten máscaras.
El mundo es para los Jon que, aunque tampoco encajen, saben al menos camuflarse con el gris corporativo.
Para interesados en la música y/o el cine alternativo.

Lo mejor: El proceso creativo de la cabaña.
Lo peor: El proceso de disolución.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Lenny Abrahamson.
Guión: Jon Ronson.
Intérpretes: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal.
Duración: 95 m.
Música: Stephen Rennicks.
Fotografía: James Mather.

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