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21 dic. 2009

Crítica: AVATAR. Volver a nacer

SINÓPSIS:

Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington) es un ex-marine confinado en una silla de ruedas que, a pesar de su cuerpo tullido, todavía es un guerrero de corazón. Jake ha sido reclutado para viajar a Pandora, donde las corporaciones están extrayendo un mineral extraño que es la clave para resolver los problemas de la crisis energética de la Tierra. Al ser tóxica la atmósfera de Pandora, ellos han creado el programa Avatar, en el cual los humanos "conductores" tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Estos cuerpos están creados genéticamente de ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na'vi. Ya en su forma avatar, Jake puede caminar otra vez. Ha recibido la misión de infiltrarse entre los Na'vi, los cuales se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero una bella Na'vi, Neytiri (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, y todo cambia. Jake es admitido en su clan y aprende a ser uno de ellos, lo cual le hace someterse a muchas pruebas y aventuras. Mientras, los humanos siguen con su plan, confiando en que la información de Jack les sea útil.

"Avatar" es la guinda para acabar el 2009. Mágica, perfecta, asombrosa e inigualable. J.Cameron y todo su equipo han creado un mundo maravilloso lleno de seres y formas de vida mágicas que viven en equilibrio hasta que llega a su planeta el peor virus de todos: el ser humano.

Teniendo en cuenta que no la he visto en ninguna de las dos ocasiones en 3D (lo cual debe ser impresionante, pero sencillamente me niego a entrar en el nuevo negocio de las salas, prefiero repetirla varias veces en la gran pantalla), sino en copia digital, el film sigue siendo visualmente magnífico. Su colorido, su mundo, sus seres son reales. No los puedes concebir como algo ficticio. En ningún momeno piensas que los Na-vi son irreales, que la tribu onomaticaya es ficción y que esos seres son animaciones que no puedes tocar. Tu mente es incapaz de concebir como irreal esa expresividad en los rostros, la textura de sus pieles, la claridad de su mirada, y esos movimientos felinos con los que se pasean por el bosque, o con los que defienden y luchan.

Si bien es cierto que se ha criticado al film como un batiburrillo de argumentos (Bailando con lobos, Distrito 9, El último samurai, Pocahontas, etc.), simplemente hay que pensar en que los argumentos en la historia del cine se han ido repitiendo continuamente, una historia de amor, de guerra, un thiller o la ciencia ficción se reduce siempre a elementos comunes y repetitivos, precisamente porque ayudan al espectador a entender más fácilmente la historia y a disfrutar más del film. ¿O es que "500 días juntos" no es una nueva historia de amor y desamor? ¿Acaso es más original "Gran Torino" porque es de Clint Eastwood (que es sin duda un profesional)? Se pueden agregar elementos nuevos a un argumento, pero la invención no existe como tal, todo ya está inventado, y la originalidad está en la forma en cómo se la muestra al espectador. "Avatar" lo consigue, ya que te hipnotiza durante 2 horas y media, sin ser capaz de apartar la mirada de la pantalla, disfrutando de ese mundo que Cameron ofrece, un valiente que ha sabido enfrentarse a una generación acostumbrada a los efectos especiales, los videojuegos y el 3D.

El reparto hace un trabajo muy interesante. La primera sorpresa es Sigourney Weaver, que interpreta a la Dra. Grace Augustine, responsable del programa Avatar. No podía ser otra que la rival de Alien quien hiciera ese papel. Junto a ella, destaco el trabajo de Sam Worthington o Jake Sully, un exmarine veterano que quedó parapléjico que se enamorará de los Na-vi y luchará contra la crueldad de su propia especie. Me encanta el detalle de cómo pasa el tiempo y su inmersión en la vida como Na-Vi, que va ganando terreno y su corazón, olvidando su parte humana: le crece el pelo, la barba... Como dice en el film, "ahora todo está al revés".


Una crítica a lo que estamos haciendo con nuestro mundo, a la destructiva naturaleza humana, que todo lo desequilibra. Aquí nuestra Eywa no consigue hacernos entrar en razón, rompemos el equilibrio y todo se va desmoronando ante nuestros ojos sin que hagamos nada. Quizá sea esto junto con otros aspectos un nuevo punto positivo de "Avatar": aun tratándose de ciencia ficción, aun cuando sales ebrio de fantasía, no lo percibes como irreal. Es una película sensata, con la dosis tan medida y calibrada de ficción que te llena y no empacha.

La banda sonora es tribal, majestuosa, pero recuerda mucho a Titanic. Aun así, llena y acompaña la acción y la historia desde los títulos de inicio.

Simplemente y como resumen: la espera ha merecido la pena, ¡Y MUCHO!


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: Visualmente perfecta, impresionante. Hipnotiza.
Lo peor: El recuerdo a otros films en cuanto a argumento.



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA::

Dirección: James Cameron
País: EE.UU.
Año: 2009
Duración: 161 min.
Género: Ciencia Ficción
Interpretación: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel Moore, Wes Studi, CCH Pounder, Laz Alonso
Guión: James Cameron
Producción: 20th Century Fox / Lightstorm Entertainment / Giant Studios Inc.
Música: James Horner
Fotografía: Mauro Fiore


TRAILERS:



16 dic. 2009

Crítica: AGALLAS. Cine negro con sabor español

SINÓPSIS:

Sebastián, un delincuente de poca monta recién salido de prisión, decide buscar empleo en una pequeña empresa de Galicia. Pero no por vocación desde luego, sino porque algo le dice que el dueño de la empresa, Regueira, no se ha pagado el Jaguar con cangrejos. Mediante una astucia, se hace amigo de un encargado, Raúl, y consigue que le contraten. Regueira se lo cree sólo a medias, pero comprueba muy rápidamente que aquel joven de dientes mellados tiene agallas y decide convertirlo en su ayudante. Poco a poco, Sebas cambia de aspecto, se gana ropa nueva, nuevos dientes y sobre todo la confianza de su jefe. Parecerá haber llegado a la cumbre…o casi. Pero, Sebastián, tan listo y despiadado, ignora que forma parte de un juego que le supera.


“Si es que no se puede ser bueno”, tal y como comenta Hugo Silva, o más correctamente Sebas en el filme podría resumir lo que quiere mostrar Agallas, como ironía en esa vida que explica.

Agallas nos presenta a Sebas, un pobre desgraciado sin moral alguna, que acaba de salir de la cárcel, y cuyo único objetivo en la vida es llegar a rico sin dar un palo al agua, y tener un deportivo. En su viaje obligado por unos “buenos” amigos de su tio a El Ferrol, busca, que es muy diferente de encontrar, la ocasión de entrar en un negocio del que cree que puede sacar probecho. Y es que Dios los cría y ellos se juntan, ya que Sebas dará con una red de narcotráfico controlada por el dueño de una empresa de conservas. Muy destacable el trabajo de Hugo Silva, que sabe encarnar a este caradura con mucha credibilidad, consiguiendo que olvidemos su papel más conocido (y ciertamente encasillado) de policía guapetón en la serie “Los hombres de Paco”. Transmite ese instinto de supervivencia, miedo, al macarra barriobajero, igual de bien que al simpático rufián caradura que te arranca más de una sonrisa.

En la otra cara de la moneda, aquello a lo que aspira Sebas, se encuentra el sr.Regueira, interpretado por un impecable Carmelo Gómez. Éste es el propietario de un negocio en Galicia que utiliza como tapadera para el tráfico de drogas. Éste ve en Sebas a un personaje que tiene agallas para matar a una persona que lo ha ayudado, y es tan incosnciente que le planta cara a un narco, por lo que acepta a Sebas en su círculo, aunque el objetivo sea distinto al que Sebastián piensa.

En el film encontramos la parte “social”, ya que pretende mostrar el panorama del narcotráfico en las Rías Baixas y la corrupción que lo rodea (Guardia Civil, empresarios...). Sin embargo, creo que podría haber ido más lejos y profundizar más en el tema y las tramas, en las redes que conforman ya que aparece todo demasiado simplificado. Aun así, sí nos enseña el valor de la vida en estos círculos, las relaciones establecidas, y el camino autodestructivo de quienes se adentran en estos lares.

Se podría criticar el decaimiento en intensidad del guión. Hay partes en las que se hace algo pesada, y algunos detalles o guiños son superfluos. Un par de ejemplos serían la escena del bar de Sebas y Raúl (Celso Bugallo) mientras están con compañía femenina, o l la tablilla del dedo de Sebas en el final.

El giro final es curioso y sorprendente. Aunque es evidente que es un camino hacia la destrucción, nunca te imaginas que Sebas acabe de ese modo. Como espectadora, sientes lástima aun cuando éste es el más lógico. “Que me llames por mi nombre no significa que seamos amigos”, una frase del sr.Regueira (Carmelo Gómez) es lo que recuerdas en ese instante. Pero sin duda, el viaje del sr.Regueira y su botín es lo mejor del film.

En resumen, da gusto ver que cuando se ponen, nuestros directores saben hacer un cine realmente interesante, entretenido y con el que no te duele el alma (ni el bolsillo) gastar el dinero en una entrada. De hecho, el cine negro está resultando un buen género para el cine español, como ya se vio en “La caja 507” (Enrique Urbizu, 2002), o “El Crack” (José Luís Garci, 1981), entre otros títulos.


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: Carmelo Gómez, impecable.
Lo peor: La poca profundidad en el tema del narcotráfico



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Dirección: Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez
País: España
Año: 2009
Duración: 99 min
Género: Thriller
Interpretación: Carmelo Gómez (Regueira), Hugo Silva (S ebas), Celso Bugallo (Raúl), Mabel Rivera (tía Elvira), Carlos Sante (Antonio), Xavier Estévez (Couto), Isabel Blanco (Chantal), Yoima Valdés (Rosa), Rula Blanco (Isolina), Tomás Lijó (Manu).
Guión: Javier Félix Echániz y Juan Antonio Gil Bengoa
Producción: Pancho Casal y Antonio Saura
Música: Xabi Font y Arturo Vaquero
Fotografía: Juan Carlos Gómez
Montaje: Guillermo Represa
Vestuario: Ruth Pereira
Dirección Artística: Marta Villar
Clasificación: Mayores de 18 años
Enhanced by Zemanta

19 nov. 2009

Crítica: LUNA NUEVA

A pesar de Weitz

SINÓPSIS:

Edward Cullen (Robert Pattinson) decide abandonar a Bella Swan (Kristen Stewart) para mantenerla alejada de los peligros del mundo vampírico. Con la ayuda de Jacob Black (Taylor Lautner), su amigo de la infancia y miembro de la misteriosa tribu quileute, Bella intentará superar el abandono de Edward, que la ha dejado sumida en el mayor de los desconsuelos. Pero los peligros siguen acechando a la joven; nuevas y asombrosas criaturas sobrenaturales se cruzarán en su camino, y Bella sólo contará con el apoyo del cada vez más cercano e irresistible Jacob. Repentinamente, Bella se encuentra inmersa en el mundo de los hombres lobo, ancestrales enemigos de los vampiros, y su lealtad es puesta a prueba...


Una de las películas más esperadas de este otoño ha aterrizado ya en nuestras salas. Perfectamente me puedo incluir en el grupo de fans de la saga literaria y de sus adaptaciones, que acudió a los cines la noche del estreno, el pasado 18 de noviembre.

Al salir del cine, mi cerebro intentaba digerir cómo era posible que Aurum escogiera a Chris Weitz para llevar la segunda entrega. Y en ese justo momento me alegré de que sea David Slade quien vaya a dirigir “Eclipse”, la tercera entrega. Weitz confirma que no sabe explotar los puntos fuertes de las sagas. Es más, da la sensación de que no se ha leído el libro, sino que se ha ceñido exclusivamente al guión adaptado sin prácticamente arriesgarse. No ha conseuido plasmar en las escenas la intensidad de Bella y Edward que sí consiguió Catherine Hardwicke en “Crepúsculo”.

Una importante falta ritmo en las escenas de acción (de nuevo, Weitz demuestra su inaptitud). Bastante pobre en cuanto a variedad y riqueza de planos, que distan mucho del estilo independiente que Hardwicke supo aportar al anterior film. Personalmente pienso que uno de los problemas del film sea el propio montaje, ya que hay escenas algo más trabajadas. Un ejemplo es la persecución de Victoria en el bosque por los lobos, el beso de reencuentro de Bella y Edward en Volterra, o la pelea entre Felix y Edward. Es ahí donde se pueden ver algunos planos más originales, con más ritmo, movimientos de cámara y efectos. A esto hay que añadirle el título de presentación del film, que destaca por su fineza y origialidad: una luna dorada que mengua lentamente, y que de su cara oculta surge el título del film. Visualmente, la película es mucho más oscura que la “Crepúsculo”, acorde con la evolución de la historia, que pasa de “Luna Nueva” a “Eclipse”, metáfora de las complicaciones que están por venir. Escenas destacables ellas por su cuidada ambientación (presente en todo el film), su importancia en el desarrollo del film, y su atrezzo: la carrera de Bella en Volterra hacia la torre del reloj para detener a Edward, la lucha de Edward con Felix y toda la secuencia con los Vulturi (aunque el doblaje de uno de ellos es patético), la escena inicial del sueño Bella en el prado con su abuela y Edward, y la persecución de Victoria en el bosque.

La primera vez que ves “Luna Nueva” prácticamente no percibes su banda sonora. Ésta resulta en absoluto memorable, y no guarda demasiada concordancia con las escenas. Al parecer, el director no conoce la importancia de una banda sonora, cómo puede potenciar una escena de acción, una escena dramática, o una escena romántica. Quizá su intención fuera hacer un homenaje al cine mudo, y obviar algo mucho más evidente en la predecesora. Aun así, y como comentaré más adelante, la segunda vez la disfrutas mucho más.

En cuanto al casting, las nuevas incorporaciones son ciertamente interesantes. En ella podemos disfrutar de la aparición de la manada de licántropos, que aportan una nueva visión del mundo sobrenatural que rodea a Bella, y cuyos personajes, que tendrán cada vez más protagonismo, se mantendrán en las siguientes entregas de la saga. También aparecen los Vulturi, el aquelarre dominante dentro de la sociedad de los vampiros, y cuyo refinamiento, forma de vida y leyes dejan entrever su futuro protagonismo, más concretamente en “Amanecer”. En este sentido, son destacables las aportaciones de Dakota Fanning (Jane) y Michael Sheen (Aro). Del mismo modo, es perceptible una evolución de Robert Pattinson, Kristen Stewart y Taylor Lautner en sus interpretaciones. Bella y Edward son más naturales en su relación y su mutua necesidad. Las escenas de Jacob y Bella funcionan bien, transmiten sus sentimientos tal y como se describen en la novela.

Pese a todas las críticas que se le puedan hacer, he de reconocer que repetir su visionado en el cine (ya la he visto tres veces) mejora mi percepción de la película, sin duda gana mucho y va cautivando. Recomiendo verla en versión original, los matices de sus voces es sin duda un aspecto importantísimo. Eres más consciente de otros detalles, como por ejemplo la banda sonora, que se impone más que la primera vez que la ves.

En resumen, la crítica que se le puede hacer al film es, sin duda, su desacertado director, director de fotografía, y la supresión de diálogos importantes de la novela. Sin embargo, y sin dejarme llevar demasiado por el espíritu “fan”, ya que reconozco sus limitaciones, que el film no ha llegado a ser lo que podría haber sido, y que el libro supera al film, el resultado no me ha desagradado en absoluto.


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: Los actores y la historia siguen enamorando.
Lo peor: El director, Chris Weitz



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICO:

Dirección: Chris Weitz
País: EE.UU.
Año: 2009
Duración: 130 min.
Género: Terror, vampíros, ciencia ficción
Interpretación: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Nikki Reed, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Kellan Lutz, Dakota Fanning, Michael Sheen, Anna Kendrick, Graham Greene, Cameron Bright
Guión: Melissa Rosenberg (Novela: Stephenie Meyer)
Producción: Summit Entertainment / Imprint Entertainment / Troy Rodriguez Productions
Música: Alexandre Desplat Fotografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: Peter Lambert
Diseño de producción: David Brisbin
Vestuario: Tish Monaghan
Dirección Artística: Catherine Ircha
Clasificación: Mayores de 13 años


TRAILER:

13 nov. 2009

Internet se adelanta.

"La noche que dejó de llover", primero en Internet

El filme protagonizado por Luis Tosar llegará a las salas de cine dentro de una semana. Durante su primera semana de exhibición será gratuita para los 25 primeros espectadores de cada uno de los cuatro pases diarios. El resto pagará 1'74 euros.

El filme protagonizado por Luis Tosar llegará a las salas de cine dentro de una semana. Durante su primera semana de exhibición será gratuita para los 25 primeros espectadores de cada uno de los cuatro pases diarios. El resto pagará 1'74 euros.

SINÓPSIS:

'La noche que dejó de llover' narra la historia de Spleen, un tipo corriente, que pasa las noches filosofando hasta el amanecer, en compañía de sus amigos de La Taberna de los Dramáticos, santuario bohemio al que no falta ni una noche desde hace años. Después de tres meses de lluvia ininterrumpida, de pronto una noche deja de llover.
Es entonces cuando Spleen sale a comprar pan y conoce a La Rusa, una rubia con flequillo en la que materializa sus ilusiones. Juntos iniciarán un viaje inesperado, tierno y surrealista a través de la noche y del interior de ellos mismos, que transformará sus vidas por completo.
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24 oct. 2009

Millennium II. Desvelando el misterio Salander

SINÓPSIS:

Lisbeth Salander es la mujer más buscada del país. Dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia, han sido brutalmente asesinados y las huellas de Lisbeth están en el arma homicida, lo que añadido a su historial de comportamiento vengativo e impredecible, la convierten oficialmente en un peligro para la sociedad. Sin embargo, nadie puede encontrarla. Mientras, Mikael Blomkvist, editor jefe de Millennium, no cree lo que se dice en las noticias y sabiendo que Salander es feroz cuando se siente amenazada, está desesperado por encontrarla antes de que la acorralen. A medida que encaja las piezas del puzzle, Blomkvist se enfrentará a peligrosos criminales incluyendo al gigante rubio, un temible y enorme matón incapaz de sentir dolor. Blomkvist saca también a la luz algunos datos desgarradores sobre el pasado de Salander. Puesta en manos de instituciones psiquiátricas desde los 12 años y declarada legalmente incapacitada a los 18, es una joven deshecha y confundida producto de un sistema injusto y corrupto. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido.


Violencia, venganza, abusos a mujeres, delincuencia y corrupción vuelven a ser los protagonistas de “Millennium II: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”.

Lisbeth Salander vuelve a los cines, esta vez con más fuerza. A pesar de sus silencios, y siendo razonablemente fiel a la novela, en esta película somos testigos de cómo empiezan a desvelarse secretos del pasado de esta nueva heroína, sirviendo de preludio a la tercera película de la saga: “Millennium III: La reina en el palacio de las corrientes de aire”.

Debido al tremendo -y merecido- éxito de la primera entrega de esta trilogía, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” ha creado muchas espectativas. Y debo decir que, aunque es una buena película, para los que hemos leído los libros y visionado el primer film, esta segunda entrega no llega al nivel de “Los hombres que no amaban a las mujeres”.

Uno de los aspectos principales es el ritmo, y la falta de tensión o misterio en la primera parte del film. Toda la trama inicial y el “atractivo” que hay en la novela pasan inadvertidos en prácticamente la primera media hora. No es hasta el momento en el que Lisbeth empieza a investigar el por qué su rostro aparece por todas partes como presunta responsable de unos asesinatos que la película se recupera.

Han pecado de simplificación en cuanto a la adaptación. Han omitido datos que eran necesarios para una mejor comprensión del filme, y que aportaban un grado de tensión de la que carece la primera parte de la cinta: por qué ella se ha marchado de Suecia y ha estado ausente a lo largo de un año y medio; cuáles son las razones por las que ha cortado todo contacto con Mikael Blomkvist (lo cual formaría parte del primer libro), cuál es el motivo por el que decide regresar a Suecia; y un largo etcétera.

Aun así, la historia te mantiene en la butaca sin mirar el reloj en ninguna ocasión durante dos horas. Es destacable la interpretación de sus actores –principales y secundarios-, así como la correcta y fiel caracterización de sus personajes. Sin artificios que escondan a los actores bajo una tonelada de maquillaje y filtros, el film sigue respirando y transmitiendo naturalidad y credibilidad, aun cuando nuestra Salander se convierte en una especie de Tomb Raider hacia el final de la película, que es lo menos creíble del film (y de la novela).

Millennium II es una confirmación sobre quién es en realidad el personaje protagonista de toda esta trama: Lisbeth Salander. Es ella quien da consistencia tanto a las películas como a los libros, sin su historia no habría nada. Su vida, como se muestra en esta entrega, contiene todo aquello que Larsson denuncia de su país: extrema violencia, corrupción en la propia policía secreta sueca, obviar a sectores de la sociedad esclavizados a una vida de violaciones continuas porque son de un sustrato social tan bajo que no importan a los gobiernos, manipulación de los medios de comunciación.

Del mismo modo que en la primera entrega, la segunda no destaca por la originalidad de sus planos, que son más bien convencionales, sino que es un film más bien de contenido que triunfa por la interpretación de Noomi Rapace especialmente. La banda sonora, de la cual es responsable Jacob Groth, sigue la línea de la de la primera película. Ésta interviene cuando está justificado, con una buena adecuación a la escena.

Ahora sólo cabe esperar que llegue la tercera y última entrega de Millennium, y conocer toda la verdad de Lisbeth Salander. Por el momento, me quedo con la sensación de que han tratado la segunda entrega como un film de transición, y no han sabido sacarle el jugo a la historia.







LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: Noomi Rapace no interpreta a Lisbeth Salander. Es Lisbeth Salander.
Lo peor: Están pecando de simplificación, dejándose aspectos de los que podrían sacar provecho.



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Dirección: Daniel Alfredson
País: Suecia
Año: 2009
Duración: 129 min.
Género: Thriller
Interpretación: Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto
Guión: Stieg Larsson
Producción: Yellow Bird Films / Nordisk Film / ZDF Enterprises / Sveriges Television Música: Jacob Groth
Fotografía: Peter Mokrosinski
Clasificación: Mayores de 18 años


TRAILER:

2 oct. 2009

Crítica: VICKY EL VIKINGO

SINÓPSIS:

Una mañana, la pequeña aldea vikinga de Flake es asaltada por los malvados guerreros de Sven el Terrible que secuestran a todos los niños… excepto a Vicky, un particular niño pelirrojo, hijo del Jefe Halvar, que destaca por sus brillantes ideas en los momentos más difíciles. Halvar, el más cabezota de los guerreros vikingos, decide dar caza a los secuestradores y salvar heroicamente a los niños de Flake. Ante la negativa de Halvar de que Vicky viaje con ellos en busca de los niños, el pequeño Vicky se esconde en el barco. Vicky y los valientes vikingos se las verán con fantasmas, espeluznantes villanos, cofres con legendarios tesoros… y mil aventuras más.


Siguiendo con esta cada vez más habitual fiebre de la adaptación, o más bien readaptación, nos encontramos con el joven personaje Vicky, que ya saltó del papel al mundo animado en una serie de animación germano-japonesa basada en los libros de Runer Johnson.

El film describe la vida de un poblado vikingo, Flake, desde el punto de vista del pequeño Vicky, el hijo del jefe de Flake, Halvar. El joven vikingo difiere de lo que debe ser un vikingo, ya que su potencial es más intelectual que físico. Sin duda, esto representa más un problema que una virtud para Halvar. Todo se complica cuando, tras un ataque sorpresa al poblado, todos los niños excepto Vicky son secuestrados. En la misión de rescate, Vicky demostrará su valía para rescatarlos a todos de las garras de Sven “el Terrible”, el eterno enemigo de Halvar.

Si hubiera que resaltar algo de este film sería la asombrosa caracterización de todos los personajes, rozando la perfección. Par a los que hemos tenido la oportunidad de haber visto la serie de animación, los reconoces en cuestión de segundos. Desde el aspecto físico y sus típicas expresiones (Gorm y su “estoy entusiasmado”, o el famoso toque de nariz en momentos de ingenio de Vicky), hasta la misma aldea, todo está reproducido al detalle. Destacable también la adecuada duración del film, ya que en ningún momento se hace pesada.

Dotada como ya lo estaba la serie de animación de una gran dosis de imaginación, ofrece al público una hora y veinte minutos de distracción acompañada de sonrisas, en los que sin soñar ves barcos y niños volar, barcos fantasmas tripulados por demonios, y muestra el valor de la amistad, la verdad y la familia. Muy respetuosa con la serie, el filme se construye como un episodio de la misma, en la que hay un principio, un desarrollo y un final feliz, cómo no, que aunque cerrado deja la puerta abierta a posibles secuelas.

La película, dirigida a un público infantil, puede llegar a atraer a todos aquellos que como yo, disfrutaron con las aventuras del pequeño vikingo pelirrojo. Sin embargo, precisamente por este motivo se debería de haber contemplado e incorporado a la película algún guiño para el público adulto que acude a la sala con cierta nostalgia. Otro aspecto criticable serían los efectos especiales. Mientras que la caracterización y la ambientación se han reproducido a la perfección, los efectos especiales dejan mucho que desear. Quizá es debido a que cada vez la calidad de estos efectos son más reales, y que el objetivo de la película era mantener el espíritu de la serie incluso en los momentos de lucidez de Vicky, por ejemplo, representados con un fondo de estrellas.

En definitiva, una buena opción de entretenimiento para los más pequeños, y un momento para los más mayores de recordar a “un viejo amigo” de la infancia.


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: La caracterización de los personajes, fiel a la serie animada original.
Lo peor: Los efectos especiales.



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:
Dirección: Michael Herbig
País: Alemania
Año: 2009
Duración: 85 min.
Género: Infantil. Aventuras
Interpretación: Jonas Hämmerle, Waldemar Kobus, Nic Romm, Christian Koch, Olaf Krätke, Mike Maas, Patrick Reichel, Jörg Moukaddam, Ankie Beilke, Sanne Schnapp, Mercedes Jadea Diaz, Günther Kaufmann, Christoph Maria Herbst, Wolfgang Raach, Helmfried von Lüttichau, Bruno S
Guión: Michael Herbig (Libro: Runer Jonsson)
Producción: Constantin Film / Rat Pack Filmproduktion GmbH / herbX film GmbH Música: Ralf Wengenmayr
Fotografía: Gerhard Schirlo
Clasificación: Para todos los públicos


TRAILER:


15 sept. 2009

Crítica: GORDOS, un compendio de contradicciones

SINÓPSIS:

Cinco historias que giran en torno a la obesidad, con un entorno común: un grupo de terapia. Un sitio donde los protagonistas no van a adelgazar, sino a encontrar los motivos por los cuales tienen sobrepeso, a averiguar las causas por las cuales están a disgusto con su cuerpo. El peso es lo de menos, su cuerpo es lo de menos.



¿Cuántos de nosotros somos capaces de desnudarnos en todos los sentidos, sin esconder nada por miedo al rechazo, ante un desconocido? Éste es un filme en el que la gordura, ese gran tabú social, o quizá antisocial, dentro del cual muchas personas se ven marginadas como si formaran parte de una raza inferior, es simplemente la excusa o hilo conductor: “Gordos”.

A lo largo de sus casi dos horas de duración, Daniel Sánchez Arévalo nos presenta con valor a un grupo de personas que se somete a una terapia contra la obesidad. Todos ellos comparten un mundo lleno de contradicciones, que son sus verdaderos problemas: una inteligente ingeniera que busca en la gordura su vía de escape de una relación de la que es “adicta”; un gay cínico que se ve a sí mismo como un fraude (no es cualquier cosa un homosexual con efecto yo-yo que mata a su socio y acaba enfrascado en una relación heterosexual con una mujer); una pareja prometida, perteneciente a una comunidad religiosa, formada por “la monja virgen” y “el beato confuso”, con dilemas sobre el sexo y el pecado; el terapeuta experto, que resulta necesitar una terapia para sí mismo, que incapaz de asumir su problema y afrontarlo, destruye su relación porque es incapaz de asumir la situación transitoria de su mujer...

En cuanto al reparto, a pesar de que en su totalidad hace un trabajo creíble e increíble, personalmente creo que es especialmente destacable el papel de una Verónica Sánchez que demuestra su madurez interpretativa, y encaja perfectamente en el papel. Sin embargo, me quedo con un cautivador Antonio de la Torre, que junto a su cinismo y sus cuatro fases de “adelgazamiento con éxito”, se presenta como conductor de la historia y todas las situaciones. Resulta impresionante la transformación a la que gran parte de los actores se sometieron, ya que tuvieron que engordar varios kilos, aportando una mayor credibilidad a sus personajes. Y cabe decir que lo han conseguido con creces.

De entre todas las opiniones que haya podido escuchar en relación a “Gordos”, coincido en que la película puede pecar de un ritmo inconstante, y la sensación de que es un film formado por diferentes cortos es cierta. Pero el resultado sigue siendo impresionante. Puede que sea el modo en el que el director nos muestra, en su justa medida, humor y drama; o cómo cada personaje refleja algo de cualquier de nosotros con una interpretación que te toca la fibra, pero sinceramente, a la salida del cine tienes una mezcla de sensación agridulce que te lleva a la siguiente conclusión: todos llevamos un gordo dentro. Y es que la obesidad no es más que una metáfora de la inconformidad que tiene el ser humano por naturaleza: el que tiene poco, quiere más; el que tiene mucho, quiere mucho más; el que lo tiene todo, le gustaría ser feliz con menos, pero no puede renunciar a lo que ya tiene. Para estos personajes, su obesidad no es más que una máscara tras la cual se esconden por no querer afrontarlos.


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: El retrato de cada personaje y su problemática
Lo peor: Demasiados saltos de historia y cierto ritmo inconstante



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Dirección: Daniel Sánchez Arévalo
País: España Año: 2009
Duración: 115 min.
Género: Comedia - Drama
Interpretación: Antonio de la Torre, Verónica Sánchez, Pilar Castro, Leticia Herrero, María Morales, Roberto Enríquez, Raúl Arévalo, Adam Jezierski, Fernando Albizu, Marta Martín
Guión: Daniel Sánchez Arévalo
Clasificación: Mayores de 18 años



TRAILER:


10 sept. 2009

Crítica: QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES. Regla o excepción

SINÓPSIS:

Basada en el libro del mismo título, esta película cruza las historias de amor de varias personas que viven en la ciudad de Baltimore. La frialdad de la tecnología frente al contacto entre los seres humanos, la prisión en la que puede convertirse el matrimonio para una sufrida esposa, los deseos pasionales y la idealización del amor platónico son tratados desde una perspectiva cómica por cinco mujeres: Ginnifer Goodwin, Jennifer Aniston, Scarlett Johansson, Jennifer Connelly y Drew Barrymore.


No cabe duda. “Qué les pasa a los hombres” es la típica película destinada a un público mayoritariamente femenino. Sin embargo, y para ofrecer algo de esperanza e ir en contra de esa típica generalización, quiero proclamar a los cuatro vientos que me negaba a ir a verla. El motivo principal: el trailer me pareció horrendo, lo único que se mostraba era un coral de actores guapos y famosos como único reclamo. Sin embargo, decidí darle una oportunidad (y de paso ejercer de buena amiga). Y el resultado al final fue sorprendente incluso para mí: me gustó.

Sinceramente, el film, dirigido por Ken Kwapis, carece de originalidad, no aporta nada nuevo al género de comedia romántica y en general es muy previsible, pero tiene algo. Quizá el motivo resida en que cualquier persona ha sentido esa necesidad de correspondencia que inunda la película, aunque de modo exagerado.

Groso modo, su argumento se basa principalmente en la incapacidad de las mujeres para entender a los hombres y sus señales, especialmente cuando éstas claramente dicen “no me interesas”. Para ello, se reflejan distintos tipos de relaciones amorosas y de parejas, cuyas vidas están de algún modo conectadas. De este modo, nos encontramos con la pareja consolidada (Jennifer Aniston y Ben Affleck) que parece que nunca se vaya a casar, lo que les planteará un problema; la pareja casada en circunstancias un poco forzosas porque “era lo que tocaba” (Jennifer Connelly y Bradley Cooper), que se convertirá en un triángulo amoroso, y desencadenará en un final no demasiado feliz para los componentes de éste; un exitoso agente inmobiliario (Kevin Connolly) enamorado de la chica equivocada (Scarlett Johansson); una publicista en busca del amor a través de todas las tecnologías posibles (Drew Barrymore); el eterno single (Justin Long) que lo sabe todo sobre las relaciones y las señales masculinas que las mujeres se niegan a entender; y personalmente, la estrella del film: la adicta al amor (Ginnifer Goodwin) que no se cansa de buscar y esperar sin descanso junto al teléfono la deseada llamada del que será el hombre de su vida.

Como he comentado anteriormente, es destacable el papel de Ginifer Goodwing. El suyo es un personaje inocente, que encarna la ilusión y la extrema obsesión (que deriva en ocasiones en acoso) por encontrar su media naranja. Protagoniza momentos muy divertidos, especialmente con su nuevo consejero amoroso, Alex, protagonizado por Justin Long. De hecho, salvo una reflexión interesante de Drew Barrymore (cuyo papel es el típico del de la productora que quiere salir en su película) sobre la dificultad de entablar una relación hoy en día con tanta tecnología como intermediaria, la historia entre Goodwing (Gigi) y Long (Alex) es con la que más se disfruta.

Me parece muy desacertada la fórmula escogida para la división del film mediante cortes con frases como “Si no te llama...”, “Si ella no se acuesta contigo...”, “Si no se casa contigo...”, etc. Es incomprensible en el desarrollo del film, no aporta nada, y se trata de un recurso que no tiene justificación alguna para entender la película. De la historia, se podría criticar que es ciertamente patética l la mujer de hoy en día que se refleja en la película. Pero el resultado es simpático.

En definitiva. Un film del que no esperaba nada y que me arrancó más de una sonrisa.

LO MEJOR Y LO PEOR:
Lo mejor: Las reflexiones y los guiños divertidos sobre el amor y las relaciones (o la búsqueda de ellas) con las que te puedes identificar fácilmente, aun siendo exageradas
Lo peor: Típica y tópica. La mayoría del reparto tiene una expresividad acartonada


FICHA TÉCNICO -ARTÍSTICA:

Dirección: Ken Kwapis
País: EEUU
Año: 2009
Duración: 129 min.
Género: Drama, Romance, Comedia
Interpretación: Ben Affleck, Drew Barrymore, Jennifer Aniston, Jennifer Connelly, Kevin Connolly, Bradley Cooper, Ginnifer Goodwin, Scarlett Johansson, Kris Kristofferson, Justin Long
Guión: Abby Kohn y Marc Silverstein
Producción: Flower Films (II), Sessions Payroll Management, Internationale Filmproduktion Blackswan
Clasificación: Mayores de 13 años


TRAILER:


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25 may. 2009

Millennium I: Literatura y cine

¿Es posible hablar de buenas adaptaciones cinematográficas ante best sellers mundiales?

“El libro es mucho mejor que la película” es la eterna afirmación que podemos escuchar cualquiera de nosotros cuando un libro llega a la gran pantalla. Últimamente somo testigos de esta práctica cada vez más común, especialmente en los casos de best sellers.

A las puertas del estreno de la segunda entrega de la trilogía Millenium, de Stieg Larsson, resulta interesante analizar a grandes rasgos la adaptación de la primera: “Millenium I: Los hombres que no amaban a las mujeres”.

En ocasiones afirmar que una película ha sido una buena adaptación se trata de blasfemia. Sin embargo, no es el caso de “Millenium I”.

Independientemente de si se ha leído el libro antes o después del film, uno de los puntos fuertes de la adaptación es el acierto de casting. Actores desconocidos para la mayoría de nosotros, se muestran con sus virtudes y sus defectos, sin caer en la típica perfección a la que Hollywood nos tiene acostumbrados, lo cual se agradece y va en favor de la credibilidad de los personajes. Su caracterización es más que acertada -el personaje de Lisbeth Salander es la estrella y principal responsable del éxito de la película, así como la ambientación de las situaciones -algunas crudas, duras, explícitas, y la trama. Si bien es cierto que se omiten algunos detalles e historias paralelas a la historia central del libro, no hay que olvidar que se trata de una “adaptación”, y como tal se permite ciertas licencias que pueden o no coincidir con el original, eliminando lo superfluo de la novela, centrándose en lo más importante para comprender la historia y la psicología de los personajes, e incluyendo escenas como un avance de lo que vendrá en la próxima entrega.

Es un error hacer competir literatura y cine, son dos obras de arte con lenguajes y códigos distintos, y hay que nutrirse de ambos para disfrutarlos al máximo en cada una de sus formas.
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18 abr. 2009

Crítica: DÉJAME ENTRAR

Tierna, silenciosa, intensa.

SINÓPSIS:

Oskar es un chico de 12 años que sufre continuamente el acoso de sus compañeros de clase más fuertes. Su deseo de tener un amigo parece hacerse realidad cuando conoce a Eli, una niña de su misma edad que acaba de mudarse a la casa de al lado. Pero Eli es una niña misteriosa: es muy seria, está muy pálida, sólo sale por las noches y aparentemente no le afectan las temperaturas heladas. Una serie de desapariciones y asesinatos inexplicables coinciden con la llegada de la chica.


Simplicidad, ternura, intensidad, intriga, tensión, contención... Podría llenar líneas y silencios con miles de adjetivos que describieran todo lo que transmite este film. La expresividad de sus dos jóvenes protagonistas, los silencios que explican todo, las miradas, el contacto leve de ellos, sus diálogos cargados de realidad dentro de esta historia irreal, pero que comparte rasgos cotidianos: amor, violencia, acoso, marginación, supervivencia, exclusión, diferencia, sacrificio...

Sus dos protagonistas, tan diferentes pero a la vez tan iguales son los únicos que se pueden comprender. No pertenecen a este mundo cruel, como tantas otras personas. Sólo se tienen el uno al otro, y la historia sólo puede acabar de una forma.

El estilo del director, Tomas Alfredson, es simple, claro, lacónico. Utiliza mucho los primeros planos, remarcando mucho al espectador la expresión facial de sus protagonistas (los ojos de Eli, el rostro de Oskar...), los detalles como la huella de la mano de Oskar en la ventana, contraluces. No abusa de la banda sonora, se respira tal silencio que sólo se escuchan pasos y respiración, y en breves y contadas ocasiones, una maravillosa banda sonora.


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: La interpretación de los protagonistas y la originalidad de la historia.
Lo peor: Puede resultar una película lenta, hay que ir preprarado para ver otro tipo de cine.



FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Dirección: Tomas Alfredson
País: Suecia
Año: 2008
Duración: 114 min.
Género: Fantástico, drama, terror Interpretación: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg, Ika Nord, Mikael Rahm, Karl-Robert Lindgren, Anders T. Peedu
Guión: John Ajvide Lindqvist
Producción: EFTI
Música: Johan Söderqvist Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Clasificación: Mayores de 18 años




TRAILER:

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