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28 feb. 2011

"Nuestro invento no es para venderlo"


-Antoine Lumière quedó fascinado con el kinetoscopio de Edison-
Los comienzos del cine fueron muy apasionantes. Resulta que Antoine Lumière era un conocido pintor retratista francés, que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía.
Sus dos hijos, son los que continuaron con el negocio familiar: Louis como físico, y Auguste como administrador.
En 1894, Antoine fue invitado a una demostración del kinetoscopio de Edison. Se trataba de un artilugio muy aparatoso, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a trav
és de una ventanilla.Fascinado, Antoine propuso a sus hijos que buscasen la forma de mejorarlo. Un año más tarde, Louis había encontrado la solución, el proyector cinematográfico. Se trataba de un aparato que pesaba unos cinco kilos, y su funcionamiento era mucho más eficiente que el de Edison.El 13 de febrero de 1894 fue patentado.
El 22 de marzo de 1895 se proyectó en París la conocida: SALIDA DE LOS OBREROS DE LA FÁBRICA LUMIÈRE, rodada tres días antes.
A finales de diciembre de ese mismo año se exhibió el primer espectáculo de pago donde se proyectaron varias cintas, entre las que destacaban la de la fábrica, y otras como: LA LLEGADA DE UN TREN A LA ESTACIÓN DE CIOTAT, EL DESAYUNO DE UN BEBÉ, y EL REGADOR REGADO. Fue entonces cuando Antoine Lumière exclamó: Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como una curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. Y así comenzó la historia del cine, como un testigo de la vida cotidiana.
Estos títulos se convirtieron en verdaderos clásicos de la naciente historia de la industria del cine.
Para visionar las primeras cintas de Lumière:

Oscar 2011: Crónica de la gala

El protocolo del rey


Puro protocolo que se ha visto reflejado en todo, desde los ausentes presentadores (Anne Hathaway, vestido metamórfico en mano, se comía crudo a James Franco, más preocupado por twittear que por conducir la velada) hasta los gags de humor. Y con correctos no quiero decir que fueran de altura, sino que eran políticamente correctos. Una gala rapidísima, acelerada, sin chispa, más preocupada por dar premios que por ofrecer espectáculo… ¿les suena? Sí, exactamente igual que en los Goya de este año pero sin la polémica ley Sinde y sin Buenafuente. La mayor polémica fue la de dar el Oscar honorífico en una ceremonia aparte para posteriormente sacar a los homenajeados a escena y no dejarles ni hablar. Bochornoso.

El rey dio su discurso protocolario sobre el escenario. Muy correcto él, muy formal, tanto que no sonreía, como buen británico que es. Y tampoco sonreía Harvey Weinstein, que repite lo obtenido con "Shakespeare in love". Lo ha vuelto a hacer el maldito hermano Weinstein. ¿Habrá comprado votos esta vez?

Alguna sorpresa puntual en categorías técnicas, pero nada de emoción en los premiados, ni discursos políticos sobre lo que pasa en el mundo, ni mala leche… salvo por el chiste sobre Charlie Sheen a lo Ricky Gervais. Y en el vídeo in memoriam, ni Berlanga ni Rohmer.

Tuvieron que salir los dos mejores presentadores de la historia, Billy Crystal y Bob Hope, para amenizar la gala. Esto y un cachondísimo Kirk Douglas tratando de ligar con todo lo que se movía, fueron lo mejor de una gala sosísima hasta decir basta. Sandra Bullock puso un acertadísimo toque de humor, y al menos vimos cómo Natalie embarazadísima, Christian con una barba mosquetera y Melissa con un look radicalmente opuesto al de su personaje en "The Fighter" (soltó el primer fuck de la historia de los Oscar) subían al escenario, y cómo "Origen" se hacía con cuatro premios técnicos. Pero por lo demás, pura corrección. No se podía esperar otra cosa de unos premios que no se caracterizan precisamente por su valentía. Lo sentimos David (Fincher) y Javier (Bardem). Otra vez se verá verdaderamente recompensado el esfuerzo a la trasgresión. Pero posiblemente nunca sea en estos premios.

A continuación, la lista completa de ganadores:

Mejor película
"The Kings Speech"

Dirección
Tom Hooper ("The Kings Speech")

Actor principal
Colin Firth por "The Kings Speech"

Actriz principal
Natalie Portman por "Black Swan"

Actor secundario
Christian Bale por "The Fighter"

Actriz secundaria
Melissa Leo por "The Fighter"

Película de animación
"Toy Story 3"

Película de lengua extranjera
"In a Better World" (Dinamarca)

Guión adaptado
"The Social Network" (Aaron Sorkin)

Guión original
"The Kings Speech" (David Seidler )

Música original
Trent Reznor and Atticus Ross ("The Social Network")

Fotografía
"Inception"

Dirección artística
"Alice in Wonderland"

Diseño de vestuario
"Alice in Wonderland"

Maquillaje
"The Wolfman"

Montaje
"The Social Network"

Montaje de sonido
"Inception"

Mezcla de sonido
"Inception"

Efectos especiales
"Inception"

Canción original
"We Belong Together" de "Toy Story 3"

Documental
"Inside Job"

Corto documental
"Strangers No More"

Corto de animación
"The Lost Thing"

Corto de acción real
"God of Love"

Pack Exclusivo de Villaronga por CAMEO

-Oportunidad de visionar a un director de hoy-
Un extraordinario director, triunfador con la cinta PA NEGRE en el 25 Aniversario de los Premios GOYA 2011. Agustí Villaronga cuenta también con cuatro títulos estrenados, más la ganadora con 9 Goyas PAN NEGRO. La excelencia, y el cuidadísimo mimo de la distribuidora CAMEO, que este año se alza con 11 Premios Goya para sus películas del DVD, publica en DVD, un cofre de Villaronga ¡exclusivo! y limitado, para todo aquél cinéfilo de pro, que desee visionar los títulos de este gran cineasta, más conocido fuera de nuestras fronteras, que aquí, en España. El interesante pack cuenta con las películas: TRAS EL CRISTAL, EL PASAJERO CLANDESTINO, EL MAR, Y ARO TOLBUKIN + un DVD Exclusivo sobre la trayectoria cinematográfica y galardones obtenidos de Agustí. Una filmografía única y personal, a un precio excepcional de 34,95 Euros. ¡No lo deje escapar Ud.!, la edición es exclusiva y muy limitada.
PARA PEDIDOS Y MÁS INFORMACIÓN,
PINCHEN UDS. EN EL ENLACE DIRECTO:

Crítica: Secuestrados. Te puede pasar a ti

SINOPSIS: Jaime, Marta y su hija Isabel, una familia acomodada, está realizando una mudanza a su nueva urbanización en las afueras. Llegada la noche, unos delincuentes irrumpen violentamente en la vivienda. Objetivo: conseguir el máximo de dinero posible a lo largo de la noche. Pronto comienza el pánico y el terror se apodera de ellos.


Una brutal ejecución en primer plano, cortada brus
camente por una canción más propia de un happy end que de una trágica crónica de sucesos. Éste es el contraste que mejor define el juego perverso al que nos somete Miguel Ángel Vivas en su segundo largometraje.

“Secuestrados” comienza de una manera modélica, con un dominio absoluto de la planificación cinematográfica, en una secuencia que, al igual que el resto del film, es mejor no desvelar. Ya entonces se sientan las bases de lo que serán sus escasos ochenta minutos posteriores. Todo planos secuencia, violencia nada gratuita, e hiperrealismo. Y sobre todo, violencia visualmente justificada, pues lo que relata podría pasarle a cualquiera de nosotros, y la realidad, aunque siempre supere a la ficción, no dista mucho de lo que se nos presenta.

Vivas juega con el espectador como el Michael Haneke de “Funny Games”, dándole un halo de esperanza constante, cuando sus víctimas consiguen (temporalmente) escapar, para luego asestarle un duro e imborrable golpe. Incluso se permite el lujo de jugar con la división de la imagen para que no perdamos detalle, para que estemos atentos de dos acciones que ocurren simultáneamente y que acaban por unirse en todo un prodigio del montaje.

Por el camino se atisban también momentos propios de “La habitación del pánico” –el secuestrador compasivo y el salvaje al que no vemos la cara - o “Los extraños” –la mala suerte de los que se encontraban en casa o pasaban por allí, a los que también les tocará sufrir lo suyo-, pero el cineasta lo convierte todo en suyo propio y aprovecha la ocasión para brindarnos algo totalmente distinto. Una experiencia que te atrapa en la butaca desde el primer minuto y no te suelta hasta el último, de la que es testigo un espectador tenso e impotente por las circunstancias. A esto contribuye su acertadísimo reparto, que desde la espléndida Manuela Vellés hasta Martijn Kuiper, pasando por dos grandes del cine español como Ana Wagener y Fernando Cayo, ensalzan el realismo que persigue y consigue la película.

No estamos ante una película para todo tipo de público. “Secuestrados” es la propuesta de nuestro cine más original de los últimos tiempos, honor que comparte con otros títulos como “Celda 211” o “Buried (Enterrado)”, y posee la violencia más realista mostrada en pantalla de los últimos años, tanto que en algunos planos es incluso imposible mantener la mirada. Pero con esto juega sabiamente su director, pues como voyeurs que somos nos costará a la vez dejar de mirar. Los hay que incluso sueltan alguna risilla burlona, a veces histérica, ante algunas situaciones, conscientes de que lo que están viendo es pura ficción. Pero, no lo olvidemos, una ficción que se puede hacer muy real.

LO MEJOR Y LO PEOR:

  • Lo mejor: su brutal realismo y el formato de la propuesta

  • Lo peor: que haya quien se ría de lo que ve en pantalla confiando en que es pura ficción

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Dirección: Miguel Ángel Vivas
País: España
Año: 2011
Duración: 81 minutos
Género: Terror, thriller
Interpretación: Manuela Vellés, Fernando Cayo, Ana Wagener, Guillermo Barrientos, Martijn Kuiper, Dritan Biba
Guión: Miguel Ángel Vivas y Javier García
Producción: Emma Lustres, Borja Pena, Mario Forniés, Rafa Endeiza, Franck Ribière y Vèrane Frèdiani
Música: Sergio Moure
Fotografía: Pedro J. Márquez
Montaje: José Manuel Jiménez
Clasificación: Mayores de 18 años

TRAILER:

27 feb. 2011

Crítica: CISNE NEGRO. Extraños espejismos

SINÓPSIS:

"Cisne negro" narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre en la nueva producción de la temporada, "El lago de los cisnes", Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. "El lago de los cisnes" requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.


Bueno, ya ha pasado una semana desde que vi 'Black Swan', y creo que ya la he digerido. O al menos, lo suficiente como para comentarla.

Mi visita al cine para ver la nueva película de Natalie Portman empezó con un tremendo susto: una cola kilométrica que daba casi la vuelta me abofeteó. Ante mi rechazo a hacer colas idiotas durante horas por un simple tiqué que indica que he pagado por un asiento, y ante la perspectiva de que me tocará un asiento tan cerca de Portman que me provocaría tortícolis, decidí sentarme en la cafetería de al lado del cine con mi amiga Anna, a comentar la semana mientras nos decíamos la una a la otra "Es que alucino" (refiriéndonos a la cola, claro).

Después de este paréntesis inicial (necesitaba explicar mi sensación cuando llegué al cine), mis expectativas ante 'Cisne Negro' aumentaron aun más. No sé por qué, pues el cine es multisala por lo que esa cola no tendría que deberse forzosamente a dicho film, pero bueno, digamos que tenía bastantes números. Ante esto, he de decir que, puesto que mis expectativas estaban casi por las nubes, el riesgo de decepción es mayor. Pero... lo iré analizando poco a poco.

Natalie Portman está ESPLÉNDIDA. De eso no cabe duda, y nadie lo puede negar. Aun recuerdo cuando la vi en 'El Profesional', junto con Jean Renau, tan pequeñita y tan profesional. Su cara no ha cambiado, aunque sí ha demostrado que es toda una profesional :-) Además del trabajo que ha realizado a nivel de preparación para interpretar a Nina, su interpretación es magistral. Y es el gran qué del film. Emotiva, desesperante y desesperada, estricta, dedicada, obsesionada, delicada, dulce... lo transmite todo y es quién te hace entrar en la película, quien la conduce.

Vincent Cassel, que aparece en un plano más secundario, es otro pilar del film. Me ha encantado, y eso que no soy una gran fan del actor. Pero, como el vino, ha mejorado con los años, al menos en mi humilde opinión. Encaja en el papel de director de la compañía, exigente, liberal, en cierto modo aprovechado...

La fotografía espreciosa, así como el vestuario, los efectos especiales y la banda sonora, esa compañera a veces tan discreta que parece dedicada a nuestro subconsciente.

Entonces... ¿me ha gustado? Pues bien, se podría decir que sí, me ha gustado porque está bien rodada, la interpretación de sus actores es impecable, y te mantiene atenta. Sin embargo, me pasé todo el film repitiéndome: aun no sé de qué va. Vale, quizá el día no fuera uno de los más lúcidos de mi cerebro, de ahi que haya esperado una semana para dar mi opinión. Sí, es un thriller psicológico, un thriller en el que la protagonista y su propia presión la hacen perseguirse a si misma y desencadenar en una paranoia persecutoria. Es evidente que Nina arrastra problemas que su madre intenta controlar.

Si realmente la intención es la de confundir al espectador, y transmitirle esa sensación de "¿Y AQUÍ QUÉ ESTÁ PASANDO"... el film lo consigue, pero hay algo que no me acaba de convencer sin saber exactamente qué es, ya que en ocasiones me resultó demasiado complicada, mal explicada y me dejó un tanto fría. Lo que es cierto es que, tras asimilarla, 'Cisne Negro' consigue que estés en la piel de Nina, la protagonista, pues no sabes discernir entre qué es real y qué ha sido fruto de tu paranoia.


LO MEJOR Y LO PEOR:

Lo mejor: la interpretación de TODOS sus actores.
Lo peor: a ratos, se me hizo difícil de entender.




FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Película: Cisne negro.
Título original: Black swan.
Dirección: Darren Aronofsky.
País: USA.
Año: 2010.
Duración: 110 min.
Género: Drama, thriller psicológico.
Interpretación: Natalie Portman (Nina), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Mila Kunis (Lily), Barbara Hershey (Erica), Winona Ryder (Beth).
Guion: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin; basado en un argumento de Andrés Heinz.
Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Matthew Libatique.
Montaje: Andrew Weisblum.
Diseño de producción: Thérèse DePrez.
Vestuario: Amy Westcott.
Distribuidora: Hispano Foxfilm.


TRAILER:

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20 feb. 2011

Yoya y Bustillo entre el reparto de Toy Story

Cosas de nuestro "dire"... ;-) Una sesión con Toy Story.

Más fotos aquí



19 feb. 2011

Crítica: CISNE NEGRO. Un Perfecto juego de espejos

SINÓPSIS:
“Cisne negro” narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.


OPINIÓN:

A caballo entre el cine de autor y el que vuelve locos a los académicos, Darren Aronofsky tuvo que luchar después de la pretenciosa y fallida “The Fountain” contra el fantasma de su propio ego. El realizador no supo asumir su propia condición de referente cinematográfico y cineasta de culto otorgada en mi opinión demasiado pronto por el público tras “Réquiem por un sueño”. Sin perder su incesante juego de dobles espejos ni su alucinógena y tenebrosa manera de contar historias, Aronofsky supo reciclarse a sí mismo gracias a la loable “El luchador”, para relatarnos nuevamente una trama de luchas, la que mantiene el protagonista, en el ocaso de su carrera, contra sus propios vicios y su fracaso personal.



No era la primera vez que Aronofsky nos hablaba de la lucha. Ya nos había contado la lucha contra la muerte, contra las drogas, por los sueños y la fe, y ahora en “Cisne Negro” nos relata la lucha contra nosotros mismos, contra ese cisne oscuro del otro lado del espejo que lucha por salir y hacerse amo y señor de la función, y en definitiva la lucha por la perfección y la obsesión que ello conlleva. Y lo hace a través de la figura de esa bailarina llamada Nina que ha logrado el papel protagonista de “El lago de los cisnes”, donde tendrá que encarnar la fragilidad del cisne blanco y el poder de seducción y oscuridad de su malvado gemelo. Una interpretación que la llevará al extremo, a bordear los límites de la paranoia, acrecentado por la aparición de otra compañera que intentará arrebatarle el protagonismo, por las exigencias del director y la presencia de una madre, bailarina frustrada, posesiva y obsesionada con preservar la pureza y candidez de su hija.


Y poco más conviene desvelar de la sinopsis de “Cisne Negro”. Una historia simple en apariencia pero a la que su director ha sabido dotar de profundidad y complejidad, de multitud de capas como dos espejos enfrentados entre sí y que no para de sorprender conforme avanza. Aronofsky juega con la realidad y la ficción, con zambullir al espectador en una ópera caótica y confusa en la que no sepa nunca qué es real y qué no lo es, ayudado por una fotografía y una música sublimes y un montaje y realización sobresalientes, que hacen que el film vaya del drama al thriller, pasando por el terror, el erotismo e incluso la metamorfosis propia de una obra de David Cronenberg.

Absorbente, magistral, intensa, paranoica y sumamente difícil de digerir es este último trabajo sobre la obsesión y la doble cara que todos llevamos dentro, que se apoya en un reparto sencillamente perfecto, en un campo como es la dirección de actores en el que Aronofsky ha demostrado ser un maestro. A su sublime labor tras la cámara ayudan secundarios como Barbara Hershey, bordando su papel de madre de la protagonista, Vincent Cassel y Mila Kunis. Incluso el cameo de Winona Ryder es bienvenido y encomiable. Pero si a alguien mima su cámara en cada gesto, en cada paso, es a la soberbia Natalie Portman. Ya sabíamos que era una gran actriz, pero su interpretación en “Cisne Negro” es de las que marca al público. Y para los que lo pongan en duda durante su visionado que esperen al acto final, donde da rienda suelta a todos los registros posibles y nos ofrece qué hay al otro lado de su personalidad, y donde su director funde realidad y ficción hasta el paroxismo. Ahora sí que podemos hablar de un autor de culto. Como dice Nina al finalizar el metraje, PERFECTO.

LO MEJOR Y LO PEOR:
  • Lo mejor: una soberbia Natalie Portman, la dirección de Aronofsky y el acto final.
  • Lo peor: que haya quien aún piense que es una película sobre el mundo del ballet y lo que esconde.



FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

Dirección: Darren Aronofsky
País: EEUU
Año: 2010
Duración: 107 minutos
Género: Drama, thriller
Interpretación: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder
Guión: Mark Heyman, Andres Heinz y John McLaughlin; basado en un argumento de Andres Heinz
Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin
Música: Clint Mansell
Fotografía: Matthew Libatique
Montaje: Andrew Weisblum
Diseño de producción: Thérèse DePrez
Vestuario: Amy Westcott
Clasificación: Mayores de 18 años


TRAILER:



17 feb. 2011

Próximos estrenos marzo y abril 2011

Empezaremos por EL ESTUDIANTE. Estrenada en México con una excelente acogida por parte del público, donde permaneció en cartel más de 22 semanas, conviertiéndose en éxito de taquilla, y de la prensa, otorgándole 6 Diosas de Plata, entre ellas a la Mejor Película y al Mejor Director.
EL ESTUDIANTE, llegará a nuestras pantallas españolas el próximo 4 de marzo.

El mexicano Roberto Girault dirige esta historia basada en el guión de Gastón Pavlovich, una mezcla de comedia, drama y romance con pinceladas de intriga, en la que los personajes acaban rompiendo la barrera generacional que los separa. Jorge Lavat (Eva, ¿qué hace ese hombre en tu cama?), Norma Lazareno (Pobre pero honrada, Señoritas a disgusto), Cristina Obregón, Daniel Martínez, Pablo Cruz Guerrero, Siouzana Melikian, Jorge Luis Moreno y Cuauhtémoc Duque encabezan el reparto de esta historia moderna que en sus entrañas destaca y resalta toda la filosofía de un gran clásico: El Quijote.

LO QUE NOS CUENTA

Chano es un hombre de 70 años de edad, quien acaba de inscribirse en la universidad para estudiar Literatura. Así, se encuentra con el mundo de los jóvenes, de costumbres y tradiciones muy diferentes a las suyas. Pero, con el Quijote siempre como ejemplo, Chano atraviesa la brecha generacional y hace nuevos amigos, a quienes guía y ayuda a sobrepasar sus problemas. Sin embargo, un fuerte golpe tendrá en su vida, y serán ahora sus jóvenes amigos, quienes le ayudarán a superarlo.

Otro de los estrenos que nos vienen es CONFUCIO, que tendrá su estreno el día 1 de abril 2011. Hu Mei, reconocido realizador de las aclamadas y premiadas series históricas Yong Zheng Dynasty and The Emperor in Han Dynasty dirige este biopic sobre la vida del filósofo chino Confucio, encarnado por el legendario Chow Yun Fat (A better Tomorrow, The Killer, Tigre y Dragón) y secundado por un impresionante reparto que cuenta con Zhou Xun (The Message), Lu Yi (Seven Swords), Ren Quan (Assembly) y Qiao Zhenyu (The Book and the Sword).

LO QUE NOS CUENTA

CONFUCIUS se centra en los últimos años de la vida del influyente filósofo chino, periodo que abarca desde su toma de cargo político a los 51, hasta su muerte a la edad de 73 años, época en el que tiene lugar la apoteósica historia de enfrentamientos entre los estados Chinos. Nacido en el año 551 A.C. murió siendo un hombre muy importante para la cultura china. Era una época donde se libraban innumerables guerras entre los reinos de china. El rey Lu recibe la ayuda de Confucio quien utiliza su inteligencia y carisma para calmar su estado de conflicto interno y guerras interminables. Pero las grandes potencias del estado se sentirán amenazados por el filósofo, por lo que Confucio se encamina en forma voluntaria al exilio.

Por último tenemos una película familiar de nombre TIGER TEAM, que se estrenará el próximo 15 de abril 2011.

Basada en las aventuras de El Equipo Tigre, popular colección de libros para niños escrita por el austriaco Thomas Brezina - publicados por la editorial SM-, quien también ha participado en el guión junto a Peter Gersina, co-guionista y director del film.

LO QUE NOS CUENTA

Biggi, Luk y Patrick –el Equipo Tigre-, encuentran un misterioso objeto que tiene cierta conexión con la legendaria montaña de los MIL Dragones, situada cerca de Pekín. En China, ayudados por el anciano Cheng, consiguen encontrar otras dos llaves. Sin embargo, la trístemente célebre señora Q también está buscando las llaves que permiten el acceso al interior de la montaña. Ella está dispuesta a hacer lo que sea para conseguir el elixir de la inmortalidad que supuestamente se encuentra escondido en su interior. Capturados por los secuaces de la señora Q, Bigi, Luk y Patrick son obligados a ayudarle, afrontando innumerables peligros. Cada una de las llaves que van encontrando, acerca más al equipo del tigre al corazón de la montaña y al legendario misterio allí guardado desde hace 600 años.
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9 feb. 2011

Darth Vader y su coche



¡¡BUENÍSIMO!! Y...

SÚPER FRIKI

8 feb. 2011

THE FIGHTER. Regreso triunfal al cuadrilátero

SINÓPSIS
Inspirada en hechos reales, "The Fighter" nos cuenta la áspera pero a la vez cariñosamente humorística historia del regreso de un héroe del boxeo poco común: Micky Ward "El irlandés", y de su hermanastro, Dicky Eklund, quienes tuvieron que enfrentarse como contrincantes antes de unirse en una dura pelea para ganar un importante campeonato y fortalecer sus lazos familiares.


Seis años ha pasado David O. Russell sin dirigir un largometraje desde la reivindicable "Extrañas coincidencias", y su vuelta al cuadrilátero no podía ser más triunfal. De dirigir filmes independientes o comerciales con espíritu indie –la también memorable "Tres reyes"- a pelear por el Oscar a mejor director, a codearse con los más grandes de la industria y estrenar una historia basada en hechos reales, un relato de superación, hermandad y lealtad a la familia.

Podría pensarse que en su salto al cine de grandes festivales y premios hollywoodienses O. Russell haya perdido ese estilo entre histérico, innovador, y minimalista de sus obras anteriores, y algo de eso se refleja en "The Fighter", donde modera su toque personal para realizar algo más acomodaticio para la meca del cine. Pero también hay que decir que si no fuera por su envidiable sentido del ritmo, sus juegos con la cámara y sus bienvenidas manías melómanas, y megalómanas, esta película no tendría la agilidad que Dicky Eklund mostraba sobre el ring.

Así que no podía caer en mejores manos este biopic que mezcla el drama con el espectáculo televisivo, el humor, el documental y cierto toque scorsesiano en algunos pasajes para relatar la historia de una familia. Un joven boxeador prometedor que hace caso de manera ciega a su hermano, un héroe local venido a menos y adicto al crack, y a su madre, una mujer que cree poder decidir lo que es mejor para su familia y que desea ver en su hijo pequeño lo que su hermano mayor no fue capaz de conseguir: un título honorable más allá de un combate en el que no queda claro si su oponente cayó por resbalarse o por méritos propios. Y todos con una cosa en común, la de engañarse a sí mismos. Dicky cree que un documental puede hacerle volver a ser quién era, su madre se ciega ante el posible triunfo de Micky, y el suyo como madre, sin afrontar que su otro hijo ha tocado fondo, y la tercera en discordia, la chica de Micky, no asume el fracaso en que se ha convertido su vida, que discurre muy lejos de sus aspiraciones como deportista. Un gran sentimiento de lealtad contra el que debe luchar Micky Ward, cuando deberá decantarse entre triunfar a espaldas de los suyos o hacer caso a una familia que no le permite avanzar en su carrera.

El director se ve respaldado en unas interpretaciones de altura que engrandecen una película de por sí grande. Mark Wahlberg encarna a Micky con corrección, Amy Adams despunta más allá de la comedia, y Melissa Leo ofrece una desgarradora interpretación como sufrida, y posesiva, madre de los dos hermanos protagonistas. Pero todos se ven ensombrecidos, aunque no para mal, por un Christian Bale excelso, un camaleón capaz de comerse la pantalla con cada nueva aparición y cuyo personaje se hace querer por el público por su mezcla de buen juicio e histrionismo desatado. Y su transformación física no da tanto repelús como en "El maquinista", pero es igual de sorprendente. Además, consigue una complicidad con Wahlberg que hace que parezcan hermanos de verdad.

O. Russell lo ha logrado, ha sabido aunar clasicismo con cine minoritario y grandiosidad narrativa, que solamente desfallece en un combate final demasiado arquetípico –es decir, el personaje que va perdiendo y finalmente se erige como vencedor, final al que nos tiene acostumbrado el cine pugilístico-. Pero hasta esto nos lo sirve el cineasta con cierto toque de originalidad visual, algo por lo que los que le seguimos le estamos agradecidos.

LO MEJOR Y LO PEOR
Lo mejor: el camaleónico Christian Bale, y las pocas veces que inuimos el toque de su director
Lo peor: el arquetípico combate final y que su director pierda parte de su esencia narrativa


FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dirección: David O. Russell
País: EEUU Año: 2010
Duración: 115 minutos
Género: Drama
Interpretación: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Jack McGee
Guión: Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson; basado en un argumento de Keith Dorrington, Paul Tamasy
Producción: David Hoberman, Todd Lieberman, Ryan Kavanaugh, Mark Wahlberg, Dorothy Aufiero y Paul Tamasy
Música: Michael Brook
Fotografía: Hoyte Van Hoytema Montaje: Pamela Martin
Diseño de producción: Judy Becker
Vestuario:Mark Bridges
Clasificación: Mayores de 13 años


TRAILER

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4 feb. 2011

ENREDADOS. Disney apuesta por el desmelene

SINÓPSIS:

El más buscado –y encantador- bandido del reino, Flynn Rider, se esconde en una misteriosa torre, es tomado de rehén por Rapunzel, una bella y vivaz adolescente con una cabellera dorada de 21 metros de largo, que está encerrada en la torre. Entonces, la singular captora, buscando el pasaporte que la saque del encierro donde ha permanecido durante años, sellando un pacto con el guapo ladrón.


Mientras se están ultimando dos de los que seguramente serán auténticos bombazos en taquilla en 2012, las respectivas segundas partes de Cars y Monstruos, dos de sus éxitos más sonados de los últimos años, y después de haber deslumbrado a propios y extraños en 2010 con Toy Story 3, una de las películas de animación más maravillosas de la historia del cine, Walt Disney Pictures presenta este mes de febrero una adaptación, en dos y tres dimensiones, del conocido cuento escrito por los hermanos Grimm Rapunzel.

Sin tratarse de una de sus obras más conseguidas, estamos ante una propuesta nada desdeñable, con impresionantes imágenes, bromas ingeniosas y unos personajes elaborados con inteligencia, lo que no es poco. Los directores de la cinta, Nathan Greno y Byron Howard, quienes ya habían tenido la oportunidad de trabajar juntos en Bolt, nos regalan un producto idóneo para acudir en familia al cine, ya que incluye todos los ingredientes esenciales de un preciado clásico de Disney: mientras los más pequeños disfrutarán con las gracietas de las mascotas de turno ( en esta ocasión un vivaracho camaleón y un caballo muy terco), los mayores podrán recordar no sin cierta nostalgia aquellos míticos títulos de la Disney donde comedia, musical y romance se fundían en perfecta armonía. Todo ello aderezado con la tecnología más puntera (aunque el film es igual de disfrutable tanto en dos como en tres dimensiones) y el humor contemporáneo mas irreverente, sobretodo en las escenas que tienen como protagonistas a una banda de forajidos realmente tronchantes.

En su esencia, Enredados es un cuento tan intemporal como oportuno. Es una historia de autodescubrimiento, el vuelo desde el nido, y la mayoría de edad; y es también una película que habla de alguien que se ha enfrentado a las pruebas y tribulaciones de crecer. El film se centra en la figura de Rapunzel ( a la que pone voz de una manera exquisita Mandy Moore en su versión original, siempre recomendada antes que la doblada), quien acaba de cumplir dieciocho años y no ha visto más mundo que el que le cuenta su madrastra Gothel (voz de Donna Murphy, actriz vista en films como La fuente de la vida o World Trade Center). Rapunzel ha sido dotada con una melena de pelo mágico, que Gothel necesita para mantener su juventud y evitar los peligros inevitables de la mortalidad.
Todo cambiará cuando el apuesto ladronzuelo Flynn (voz de Zachary Levi, visto en Alvin y las ardillas 2) descubra el lugar donde mantienen raptada a nuestra heroína y le enseñe todo lo que se está perdiendo allá en el exterior. El personaje de Rapunzel mantiene la inocencia y la dulzura de las princesas Disney de toda la vida y, sin embargo, representa el espíritu independiente y el ingenio de una heroína moderna, aspecto que le acerca a la princesa Fiona de Schreck. Lo que también fascina en este film es que la villana oculta su maldad bajo el disfraz del amor. No tiene ni la riqueza de Cruella de Ville ni la magia de la bruja de La bella durmiente. Sus únicas armas son la manipulación emocional y la autoestima, diseñadas para mantener a Rapunzel alejada del mundo y de sí misma. Como tal, es un arquetipo increíble de madre devoradora muy parecida al papel que interpreta Bárbara Hershey en la magnífica El cisne negro, de Darren Aranofsky, una de las firmes candidatas a los Oscars de este año. Enredados también viene acompañada de unos personajes frescos que no dicen una sola palabra durante todo el metraje: Maximus, un corcel tan implacable a la hora de buscar la justicia como leal y amoroso, y Pascal, un expresivo camaleón que siempre está dispuesto a ser una especie de Pepito Grillo para Rapunzel, e incluso para Flynn. A destacar también el uso magnífico que se hace de la luz como motivo visual, además de la magnífica banda sonora compuesta por Alan Menken, quien ya demostrara su talento en films Disney como El jorobado de Notre Dame, Encantada, la historia de Giselle (de la que ya se prepara una continuación) y Aladín.

LO MEJOR Y LO PEOR

Lo mejor: Su mezcla perfecta de clasicismo y modernidad.

Lo peor: Sus cien minutos de duración se quedan cortos.


FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Dirección: Byron Howard, Nathan Greno.
País: USA
Año: 2010
Duración: 100m.
Género: Animación
Interpretación: Mandy Moore,Zachary Levy,Donna Murphy,Ron Perlman,Jeffrey Tambor,Brad Garrett,Richard Kiel.
Guión: Dan Fogelman.
Producción: Roy Conli, Glen Keane.
Música: Alan Menken.
Montaje: Tim Mertens.
Diseño de producción: Douglas Rogers.
Dirección Artística: David Goetz.
Clasificación: Para todos los públicos


TRAILER

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