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31 ene. 2013

CRÍTICA: Hitchcock


SINOPSIS: Tras el estreno de Con la muerte en los talones, crítica y público están de parte de Hitchcock. Los estudios quieren que siga haciendo cine comercial, pero él quiere arriesgarse con cosas nuevas. Su idea para Psicosis no es bien aceptada pues temen que sea un fracaso como Vértigo.

Tanto Hichcock como Psicosis son algo más que una persona y una película. Son mitos dentro de la historia del cine. Las invenciones técnicas, estilísticas y argumentales de Hitchcock han sido estudiadas y analizadas minuciosamente repetidas veces.
Por eso, realizar una película sobre el modo en que se rodó Psicosis, tiene numerosos riesgos. El principal de ellos, por supuesto, es que las personas interesadas en cine conocen, en mayor o menor medida, los entresijos de esta película.
Sacha Gervasi, consciente del peligro, decide contemplar las cosas desde un nuevo ángulo. De modo que, aunque la película se titule Hitchcock, en realidad debería haberse titulado Reville.
Porque aunque Anthony Hopkins sea Hitchcock, aunque Scarlett Johansson sea Janet Leigh, aunque Jessica Biel sea Vera Miles, aunque Toni Collette sea Peggy, aunque James D'Arcy sea Anthony Perkins, es Helen Mirren la que se come la película interpretando a Alma.
Como punto de partida, darle especial protagonismo a la esposa, está muy bien. Alma Reville, montajista, guionista y hasta un poco directora, permaneció siempre oculta. Tan oculta que ignoramos la verdadera importancia que tuvo. Y Hitchcock no habría sido Hitchcock sin Alma. Ella fue la mujer tras el hombre y sin ella, la obra del director no sería tan genial ni tan conocida.
Alma Reville cobra relieve y nos cuentan algo de su persona. El intento de colarnos una cierta trama amorosa, más o menos platónica, entre Alma y Whitfield Cook, resulta muy forzada en su desarrollo y en su cierre, poco verosímil. Como ocurría con Mi semana con Marilyn, la realidad es mucho más grande que la ficción. Incidir en la relación de dependencia de Hitchcock con respecto a Alma habría sido mucho más interesante. Algo de eso hay, pero sacrificado por la otra trama mucho menos interesante y que sabemos que no conduce a ninguna parte.
Gervasi rueda de manera convencional, sin pretender hacer alardes. Asume que su película es una historia pequeña, la narración de una anécdota. Acierta al incluir la figura de Ed Gein, el psicópata en quien se inspiró Psicosis, como alucinación y fantasía recurrente de Hitchcock, el intento de entender la maldad del hombre, indagando en su mente para expresarlo en el celuloide. También es sugerente el Hitchcock mirón a través de la ventana o el agujero en la pared, evocando La ventana indiscreta.
Aunque la película está concebida desde el cine y para el mundo del cine, como una especie de homenaje, a la larga es más apta para un público que ignore los hechos fundamentales de Psicosis. Pero un cinéfilo echará de menos los problemas conceptuales: la utilización de la Dolly, los planos cenitales, el montaje de la escena de la ducha, el modo de planificar... Por suerte sí vemos un debate sobre la genial música compuesta por Bernard Hermann para dicha secuencia.
Una película leve, que logra entretener y hacer sugerente el cine de Hitckcock. Pero también un poco decepcionante para quien espere un buen análisis cinematográfico de Psicosis.

Lo mejor: Helen Mirren.
Lo peor: La subtrama no-amorosa entre Alma Reville y Whitfield Cook.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Sacha Gervasi.
Guión: John J. McLaughlin.
Intérpretes: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Jessica Biel, Toni Collette, James D'Arcy.
País: EEUU.
Duración: 98 m.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Jeff Cronenweth.

Día de Loc@s: Estrenos de cine 1 de marzo


Hitchcock

Cine. Hitchcock


En la cima de su carrera como director, Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins) decide filmar una película de terror aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoya el proyecto, así que Hitchcock decide financiarlo él mismo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado fue un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de la historia.


El último desafío

Cine. El último Desafío


Un narcotraficante escapa de la justicia y huye en dirección a México. En su camino hacia la libertad sólo se interpondrá un policía de un pequeño pueblo fronterizo.


Mapa

Cine. Mapa


Un joven director español es despedido de su trabajo en televisión. Para hacer realidad su sueño de hacer cine, viaja a la India con la intención de hacer su primer largometraje, pero pronto descubre que lo que realmente busca no está en la India sino en Madrid. Rodada durante varios años con un presupuesto muy limitado, es una especie de "película-diario" que narra en primera persona situaciones de la vida cotidiana del realizador.

Ai Weiwei Never Sorry

Cine. Ai Weiwei Never Sorry


Película sobre el famoso artista y activista chino Ai Weiwei. En los últimos años, Weiwei ha captado la atención internacional tanto por su ambiciosa obra como por sus provocaciones políticas. El filme analiza la confluencia entre arte y activismo social a través de la vida y la creación de los artistas contemporáneos más importantes de China.


30 ene. 2013

REPORTAJE: Comunicación no verbal en el cine

Podemos definir la comunicación no verbal como el conjunto de medios de expresión no basados en el lenguaje humano ni sus derivados sonoros. Heslin demostró que la conducta táctil de un hombre no era la misma que en una mujer, puesto que a un hombre no le importaría tanto ser tocado por una mujer desconocida; mientras que las mujeres indicaron que no les gustaría ser tocados por un hombre desconocido. En un estudio realizado con pacientes de hospital se demostró que, antes de una operación, cuando los auxiliares tocaban a las mujeres estas tenían menos miedo y ansiedad y su presión sanguínea era menor, mientras que en los hombres sucedía lo contrario. En general, las mujeres reaccionan mejor al tacto que a los hombres.

Con esto, lo que pretendo es demostrar que la mujer ha aprendido a escuchar más, a interpretar mejor la comunicación no verbal que el hombre y que quizá sea por esto que las actrices suelen ser mucho más expresivas que los actores. 

Esto lo podemos comprobar con situaciones cotidianas, por ejemplo: Si un hombre que está en un bar, mira a una mujer y ésta le responde con una sonrisa, lo más probable es que el hombre piense que ha ligado y que esa noche no dormirá solo. Sentirá que está de enhorabuena. Pero seguramente, para la mujer, la mayoría de las veces esa sonrisa no es ninguna señal relacionada con lo sexual o sobre la atracción, sino un mero gesto de cortesía, de simpatía, o de amistad. Si a esto añadimos el hecho de que el hombre tiene entre diez y veinte veces más testosterona que la mujer, se produce el cocktail que nos explica la diferente concepción que hombre y mujer tienen del amor y del sexo.

Como vemos, las mujeres captan más rápido y mejor esa comunicación no verbal. Sobre esto, podemos encontrar en internet dos fotografías muy ilustrativas:







Para verificar que esto es verdad, he buscado algún argumento que lo pudiese refutar y he encontrando un experimento realizado por la Universidad de Harvard (Boston). 

Hace unos años la Universidad de Harvard hizo un experimento sobre la diferente interpretación de la comunicación no verbal entre hombres y mujeres. Consistía en proyectar una serie de cortometrajes sin sonido en los que una pareja hablaba e interactuaba ente sí. Los sujetos del experimento tenían que descifrar o interpretar lo que le pasaba a la pareja. El resultado fue que las mujeres acertaron el 87% de las situaciones presentadas, mientras que en los hombres solo fue un 42%. Pero esto no es todo, profundizando más en el resultado se llegó a la conclusión de que los hombres del grupo que se dedicaban a labores artísticas o comunitarias (enfermeros, etc.) y los homosexuales tenían un índice de acierto similar al de las mujeres, elevando considerablemente los resultados del grupo, lo que implica que el índice de acierto del resto del grupo era muy, muy inferior, a ese 42% que daba la media. 

Esta mayor capacidad de observación de la mujer, de “escucha”, es lo que tradicionalmente se ha identificado como “intuición femenina”, que no es otra cosa que la habilidad necesaria para identificar las diferencias entre el lenguaje verbal y el no verbal. Las razones que explican la diferencia de comportamiento a nivel de comunicación entre hombres y mujeres son de índole cultural, educacional y social pero, sobre todo, las razones son físicas: estudios realizados a través de resonancias magnéticas han demostrado que mientras la mujer tiene entre catorce y dieciséis áreas del cerebro destinadas a evaluar el comportamiento de los demás, los hombres solo poseemos entre cuatro y seis. Ello confirma la realidad de por qué los hombres no podemos hacer más de dos cosas a la vez mientras las mujeres pueden hacer tres, cuatro y hasta cinco. A lo largo de una misma conversación una mujer puede hablar sobre temas no relacionados y utilizar cinco tonos de voz diferente para cambiar de tema o para enfatizar algo. Desgraciadamente el hombre solo puede percibir tres tonos distintos. Por eso muchas veces “perdemos el hilo” cuando ellas quieren comunicar con nosotros.

¿Cuántos problemas de pareja y de familia se habrían evitado o no habrían llegado siquiera a producirse si todos tuviésemos un nivel de interpretación de la comunicación no verbal elevado?, ¿cuánta violencia se podría evitar?, ¿cuántos buenos negocios se habrían podido sellar si ambos interlocutores de la negociación dominasen la comunicación no verbal? Una anécdota refleja claramente la importancia que la comunicación no verbal tiene en el mundo de hoy y en el mundo de la imagen. El primer debate político televisado en el mundo fue el que enfrentó a los candidatos John F. Kennedy y Richard Nixon en las presidenciales norteamericanas de 1960. Kennedy se presentó con un traje azul oscuro, bronceado, maquillado y sonriente, mientras que Nixon lo hizo con un traje gris, demacrado por el cansancio y una reciente lesión de rodilla, muy pálido y sin permitir que le maquillaran. Los resultados de las encuestas sobre quién fue el ganador del debate fueron sorprendentes: una inmensa mayoría de los que vieron el debate por televisión dieron a Kennedy como ganador, mientras que la gran mayoría de los que lo oyeron por la radio dieron a Nixon como vencedor.





Creo que con esto queda demostrado que la comunicación no verbal es más importante que la comunicación verbal. Y no solo eso, como vemos la comunicación no verbal puede explicar muchas de las situaciones cotidianas (como el ejemplo del hombre y la mujer ligando en el bar), puede explicar (en parte) el comportamiento y el pensamiento femenino y el masculino; y ya, referido al mundo del cine, ciertos gestos o expresiones pueden marcar a un actor. Sobre esto, creo que debo mencionaros a Stanislavski, un director de escena ruso que es el padre del Método interpretativo. Konstantín Stanislavski defendía lo que hoy en día se conoce como “actores de método”, el meterse en el papel de lleno, sintiendo lo mismo que siente el personaje, expresándose igual que el personaje. 

Sin más, acabo ya y a continuación os dejo unos vídeos (enlaces) que si pudiera, os obligaría a verlos. Pero como no puedo, os suplico que los veáis para que entendáis mejor todo esto.













29 ene. 2013

CRÍTICA: JACK REACHER


Nuevo thriller para lucimiento de un Tom Cruise en esta ocasión en un papel mas oscuro frío y calculador donde las escenas de acción quedan postergadas en favor de una investigación criminal que si bien la trama resulta algo simple... mantiene al espectador interesado hasta el final

Sinópsis:

Apostado desde una azotea, un francotirador hace seis disparos matando a cinco personas aparentemente aleatorias. Las primeras pesquisas policiales les pone sobre la pista de un antiguo tirador de élite del ejército. Este en su interrogatorio tan solo entrega un papel que dice: "busquen a Jack Reacher". A partir de ese momento Reacher (Tom Cruise) hace acto de presencia y se alía con la abogada del detenido Helen Rodin (Rosamund Pike) para esclarecer la verdad y a medida que van investigando se dan cuenta que la trama es más complicada e implica a mucha más gente de lo que en un principio se creía.

Crítica / texto:

A pesar de que la saga de Mission Impossible goza de muy buena salud (tanta que se esta preparando la quinta entrega prevista para el 2015) Tom Cruise ha querido dar comienzo a una nueva franquicia con el personaje literario de Jack Reacher. Nacido de la pluma del británico Jim Grant -bajo el seudónimo Lee Child - cuenta con la nada despreciable cifra de 17 novelas. La película que nos ocupa está basada en "One Shot". Aunque las cifras de recaudación en Estados Unidos no han sido especialmente brillantes no se puede decir que estemos ante un fracaso cinematográfico en tanto en cuanto ya ha recaudado más de lo invertido en su filmación a falta de los resultados de las taquillas del resto del mundo... y bien podría suponer el inicio de una nueva saga.


La apuesta en la dirección por parte de Cruise (también productor del film) ha caído en la figura del reputado guionista pero poco prolífico director Christopher McQuarrie (es su segundo largometraje tras The Way of the gun - 2000) que lo ha abordado desde un punto de vista más pausado, reflexivo de planos intimistas y centrado mas en la investigación que la acción y efectismo que hemos visto en la saga de Mission Impossible. El propio perfil psicológico de Reacher también es bastante distinto al de Ethan Hunt. El personaje que nos ocupa es mucho más oscuro, es un solitario que se mueve en las sombras y se siente por encima de la ley. Eso le da una dimensión mucho más en la linea de Harry el sucio y le da una libertad de acción que los limites éticos, morales y legales de Hunt nunca le daría. Es el perfecto contrapunto de la abogada Rodin papel de Rosamund Pike (Muere Otro Día, Ira de Titanes) que es el claro ejemplo de persona juiciosa y respetuosa de las leyes que ha jurado defender y hacer cumplir. Por ello es un aporte extra para el conjunto de la película la propia dinámica de investigación de ambas vías y procederes tan dispares pero con mismos objetivos y como acaban complementándose para llegar a la revolución final. No obstante, ya sea por el guión o por la propia novela en si, la trama queda demasiado fácil y no aporta demasiada sorpresa que, si bien no desmerece en absoluto el conjunto de la película, si cabría haberle pedido algo más de enjundia.

Este aspecto de investigación hace que el director relegue a un segundo plano las escenas de acción quedando perfectamente dosificadas en momentos precisos y con la duración justa para que no quede excesiva ni desluzca la trama. En este apartado de las escenas de acción tiene mención especial la inestimable presencia de Robert Duvall como antiguo camarada de Reacher en lo que es el climax final de la película aportando un toque añejo y nostálgico de las películas de cine negro setenteras (en parte también dado por el Mustang que conduce el protagonista) que si bien esta película no pretende trascender, si hace un homenaje a aquellas.


En lineas generales es una opción interesante para las personas que quieran ver un registro más oscuro de Tom Cruise y sorprenderá a quien espere solo tiros y acción pues en esta película se puede ver un trasfondo mucho más allá que solo eso. Aún así se le podría haber pedido una trama más elaborada y no tan simple y quizá un metraje un poco menos dilatado.

Lo mejor: el papel de Tom Cruise en un registo oscuro violento y politicamente incorrecto
Lo peor: la trama algo facil y los antiheroes y malvados quedan muy desdibujados y desaprovechados

Calificación: 7 / 10

Ficha técnico-artística:

  • Director: Christopher McQuarrie
  • Guión: Josh Olson y Christopher McQuarrie; basado en la novela “One Shot”, de Lee Child.
  • Intérpretes: Tom Cruise (Jack Reacher), Rosamund Pike (Helen), Richard Jenkins  (Rodin), Werner Herzog (el Zec), David Oyelowo (Emerson), Robert Duvall  (Cash), Jai Courtney (Charlie), Alexia Fast (Sandy).
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 130 minutos
  • Música: Joe Kraemer
  • Fotografía: Caleb Deschanel.




26 ene. 2013

CRÍTICA: El lado bueno de las cosas


SINOPSIS: Pat sale de una institución psiquiátrica. Su trastorno bipolar se complicó tras descubrir que su esposa le engañaba. Todavía con problemas de autocontrol, conoce a Tiffany, una joven que padeció una adicción al sexo tras la muerte de su esposo.

Con frecuencia da la sensación de que Hollywood ha tirado la toalla en lo que se refiere a comedias románticas. La creación de diálogos brillantes, personajes originales y situaciones imprevisibles hace tiempo que pasaron al olvido.
Es más sencillo que todos los personajes hablen a la vez confiando que resulte cómico; es más sencillo que los veinteañeros sean alocados, los treintañeros inmaduros y los cuarentones estén desconcertados; y, en fin, es más sencillo recurrir al típico cliché de separación por un error, descubrimiento posterior del error y reconciliación final.
Ese modelo tan cansinamente repetitivo es lo que ocurre cuando la producción en cadena se pone en marcha: no hay tiempo para pensar y se recurre a lo que otras veces ha funcionado.
Por eso, cuando surge una comedia romántica ligeramente por encima de la media, se empieza a hablar de genialidad, de obra maestra y las cosas se exageran. Porque El lado buenos de las cosas, siendo una película decente, no es nada del otro mundo. Desde luego, sus 8 nominaciones a los Oscar le vienen muy grandes.
Es cierto que, puestos a escoger comedia, tal vez no haya nada mejor. Pero cualquier espectador, antes de entrar en la sala, ya sabe cómo va a acabar e, incluso, qué tipo de cosas (aproximadamente) van a ocurrir.
Todo no. Porque está la secuencia del baile. Resulta obvio que la película entera está realizada en función de esa escena. Los avatares del guión trenzan la trama para que el resultado del concurso de baile se relacione con el de un acontecimiento deportivo. David O. Russell intenta de este modo escapar a los clichés finales, sustituyendo el dilema de ruptura habitual por un dilema de situación. Por eso es una pena que  haga un doble giro para volver a los tópicos.
Bradley Cooper tiene una legión de admiradoras femeninas y Jennifer Lawrence de admiradores masculinos. Ponerles juntos en pantalla es un gran acierto. Su interpretación es correcta, eficaz y su mera presencia llena la pantalla, de modo que no necesitan gran cosa para sintonizar con el espectador, al menos en los momentos decisivos.
Se agradece que Robert de Niro trate de hacer algo distinto con su carrera, y lo cierto es que consigue una de las mejores interpretaciones de su última década. Ese hombre supersticioso y obsesionado con el deporte y las apuestas deportivas tiene tantos problemas psicológicos como su hijo.
Y Jacki Weaver que, ella sí, es capaz de interpretar cualquier cosa que le pongan por delante, da vida a la madre de Pat, con solvencia y elegancia aunque el personaje tampoco ofrezca grandes posibilidades.
Sí resulta especialmente gracioso Chris Tucker y, precisamente por ello, tener más minutos le habría ido a la comedia muy bien. Él es Danny, otro paciente del centro psiquiátrico que aprovecha para escaparse a la mínima para ir a ver Pat. Socio-Pat. Danny vibra con todo y está dispuesto a disfrutar con cualquier cosa, aunque su verborrea sea incontrolable.
Una película que, pese al prestigio artificial otorgado por las nominaciones y la campaña de promoción, es mucho más sencilla de lo que quisiera. Sin embargo, quien desee una película romántica de cierta calidad, quedará satisfecho.
Lo mejor: La pareja progagonista.
Lo peor: Más tópica de lo que ella quisiera.

Ficha técnico-artística:
Dirección: David O. Russell.
Guión: David O. Russell.
Intérpretes: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker.
País: EEUU.
Duración: 122 m.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Masanobu Takayanagi.

25 ene. 2013

CRÍTICA: El vuelo


SINOPSIS: Whip es piloto de avión en una línea comercial. Cuando el avión comienza a tener fallos sucesivos, realiza una maniobra arriesgada con la que consigue poner a salvo a casi todos los pasajeros.

La secuencia del accidente aéreo, en realidad, es lo menos importante. Está ahí para que Zemeckis nos demuestre lo bien que sabe realizar ese tipo de escenas y lo mucho que ha aprendido de los efectos digitales.
Lo verdaderamente interesante (o lo que podría haber sido), viene después. Mientras los medios de comunicación presentan a Whip como un héroe, los análisis desvelan que llevaba en sangre altos contenidos de alcohol y cocaína.
Hay dos niveles en la película alrededor de la falsedad. Sólo uno de ellos es interesante: la percepción pública que tiene la gente de un héroe, y la del individuo en cuestión que sabe que es un impresentable.
El otro nivel no sólo no es interesante. Es tramposo y ridículo. El aspecto legal es una cuestión extraordinariamente forzada. Al público puritano americano puede parecerle atractivo por sus dificultades en distinguir entre la esfera moral y la esfera pública. Pero para cualquier percepción no puritana, resulta extraordinariamente inverosímil.
En la película se dice que no es un juicio. Pero sí lo es porque hay una sentencia. ¿Debería haberse celebrado ese juicio? No parece probable porque ni siquiera está claro qué se juzga. Los fallos mecánicos del avión están probados, luego el piloto no tiene responsabilidad. Salvo haber salvado muchas vidas.
De celebrarse el juicio, ¿qué se juzga? Si en vez de haber consumido estupefacientes el delito hubiese sido otro (robar unos millones, por ejemplo), no habría planteado problemas. De modo que, ¿no deberían haber sido dos juicios distintos, independientes ambos?
El vuelo parece un relato de legislación-ficción en un universo paralelo. Nada de lo que ocurre en ese ámbito (y es la mayor parte de la película) tiene sentido.
De modo que el plano personal es lo que logra atrapar al espectador. Hay que darle todo el mérito a la interpretación arrolladora de Denzel Washington. Sus subidones, sus crisis, sus breves intentos de rehabilitarse, su vida destrozada. Sus mentiras. Lo único importante son las mentiras. Ahí el actor logra transmitir magistralmente la cárcel en que vive y el lento proceso que le empuja en busca de la redención.
Otra traba de la película es el personaje de Nicole (Kelly Reilly). En su presentación y desarrollo resulta ser un personaje sugerente. Incluso los planos alternos entre Whip y ella parecen situarlos en un mismo nivel de trascendencia. Dos vidas desastradas que se van a encontrar. Por eso, repentinamente, sin ninguna razón, prescindir del personaje de Nicole, lo convierte en puro artificio, relleno. La co-protagonista, resulta irrelevante.
El vuelo es una película muy irregular, con unos agujeros enormes tanto en la construcción del guión como en la forma de afrontar el contenido. No se entiende la relevancia que se la ha dado y que, en un inicio, se hablara de su posible nominación al Oscar. La cordura ha hecho que no sea así. El vuelo es meramente comercial, exageradamente complaciente y, aunque resulte entretenida, no deja de ser un producto del montón, independientemente de que cuente con un holgado presupuesto y tenga buena factura técnica. La duración tampoco está justificada.
Como telón de fondo está John Goodman, el suministrador de cocaína. Muy gracioso, logra una de las mejores secuencias de la película en el hotel. Aunque el tono cómico tampoco parece cuadrar mucho con todo lo demás.
Lo mejor: Denzel Washington.
Lo peor: Los presupuestos absurdos del guión.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Robert Zemeckis.
Guión: John Gatins.
Intérpretes: Denzel Washington, Kelly Reilly, Nadine Velazquez, John Goodman.
País: EEUU.
Duración: 138 m.
Música: Alan Silvestri.
Fotografía: Don Burgess.

24 ene. 2013

Llega la decimocuarta edición del reality más longevo de la televisión


La casa de Gran Hermano vuelve a abrir sus puertas, en principio el catorce de febrero, coincidiendo así con el día de San Valentín así como con el mismo número de ediciones que ha alcanzado el programa desde su estreno en el año 2000.
Ya lo anunciaron al finalizar la edición número 13 del reality, bautizada como Gran Hermano 12+1: próximamente habría Gran Hermano 14. Por aquel entonces, se desconocía tanto la fecha de estreno como si la encargada de presentarlo volvería a ser Mercedes Milá.
Hace unos meses se confirmó que, efectivamente, la periodista estaría presente en la nueva edición del reality show, y hace escasas semanas conocimos a través de diversas redes sociales que la fecha de estreno está programada para el próximo catorce de febrero, bajo el lema “Asómate y siente el vértigo”.
En noviembre comenzaron los castings para participar en el concurso, el cuál superó todas las expectativas en su pasada edición con más de setenta mil candidatos que se presentaron, con ansias de poder entrar en la casa de Guadalix  de la Sierra.
Este año ha habido algunos cambios en el proceso de selección. Antes, había que llamar al pertinente número de teléfono, desde el que te facilitaban un nombre de usuario y una contraseña con el que podías entrar a través de internet a tu ficha personal, rellenarla y mandarla a Zeppelin. Después, si encajabas con el perfil que estaban buscando, te llamaban para citarte al primer casting.
Pero este año se han ahorrado parte del proceso y directamente pedían a los candidatos que les colgasen un vídeo suyo de un minuto, para así poder conocerles mejor y hacer una criba mucho mayor que la que les permitía llevar a cabo la ficha, así como también ahorrarse ellos mismos la grabación del vídeo.
Pero las novedades en cuanto al casting no se quedan aquí. La más revolucionaria (y polémica) de todas viene de la mano de una curiosa tarjeta rasca. Esta tarjeta rasca, disponible en multitud de establecimientos en toda España, ofrece la posibilidad a los candidatos de ahorrarse todo el proceso y pasar directamente al casting final por el precio de tres euros. Sólo tres son las tarjetas premiadas.
Desde Telecinco ya prometen a la audiencia, como cada año, multitud de novedades y sorpresas que no se descubrirán hasta el comienzo del reality.  En el último spot lanzado por la cadena, aparece Mercedes Milá diciendo que Gran Hermano “no deja de sorprender” y que este año “va a ser lo nunca visto”.
Para saber si esto es o no cierto, tendremos que esperar como ya decíamos anteriormente, hasta el catorce de febrero. 

CRÍTICA: Bestias del sur salvaje


SINOPSIS: Hushpuppy vive en La Bañera, un lugar pantanoso y húmedo cercano a la gran ciudad. Aunque el gobierno trata de evacuar a los pobladores, estos se resisten a abandonar su hogar.

La película es verdaderamente peculiar, una de esas historias que pueden ser consideradas como un drama pero que, en realidad, escapan de los característicos encorsetamientos.
Todos los aspectos técnicos de rodaje le otorgan un aire documental y de realismo social. Pero el transcurso de la narración, el discurrir de los minutos, un guión que camina a saltos, es resuelto por nuestra percepción como un cuento mitológico con toques de realismo mágico.
Es en ese contraste, en la realidad de la ejecución y la fantasía de la percepción, donde la película exhibe sus mayores virtudes. Y hay escenas poderosas y sugerentes que, verdaderamente, activan nuestra imaginación y nos hacen avanzar interpretaciones y elucubraciones. Pero cuando el paralelismo realidad-fantasía no se consigue, el espectador queda condenado a la deriva, como la barca de Hushpuppy tras la tormenta.
Pongamos como ejemplo la secuencia en la que las niñas de La Bañera viajan con un desconocido hasta el burdel y, en contraste, los monstruos sobre el puente. Ambos momentos, dentro de una misma historia, deberían darse de bofetadas, chocar entre sí hasta destruir la narración.
Pero funcionan, y muy bien, porque tienen un sentido relacionado. Las mujeres del burdel, ante la presencia de las niñas, abren su corazón y dejan ver la nostalgia de la inocencia perdida, el desencanto de sus sueños de futuro. Y los monstruos que acechan sobre el puente inestable, son la presencia de la realidad, el instante en que nos hacemos adultos y debemos hacerle frente a la adversidad tratando, sin éxito, de contener las lágrimas.
Sin embargo, esta dualidad no siempre es clara. La película se vuelve críptica en su mayor parte. En ocasiones resulta sucia, pesadillesca, sudorosa, pegajosa, compuesta de retazos, de fragmentos de vidas miserables que parecen desear la miseria.
Bestias del sur salvaje es, desde luego, sugerente, siempre que uno esté dispuesto a aceptar el cine más alternativo y el menos comercial. Pero a ese poder de sugerencia le falta equilibrio, razón de ser, algo más interesante que contar o que lo que cuenta, al menos, se haga en un metraje más razonable.
Como nota al margen, la nominación al Oscar de Quvenzhané Wallis, la niña que interpreta a Hushpuppy, no parece muy justa. Tiene su encanto seductor. Como todos los niños. Pero interpretar es otra cosa. Porque resulta obvio que Wallis no tiene capacidad para entender lo que está interpretando, las numerosas capas, la complejidad del mensaje que el director quiere transmitir. De ahí, precisamente, que ante la incapacidad de la niña para expresar emociones complejas, se utilice la voz en off, como un apoyo a la imagen. Como ejemplo sirva la llegada al hospital de campaña donde es comparado con una pecera. Sin la voz en off no se logra entender cómo se siente Hushpuppy.
Película compleja, quizá en exceso, con capacidad para provocar la imaginación. Pero, en el fondo, carece de verdadero poder de empatía. Es dificilísimo conectar con las inquietudes de los personajes, casi imposible entenderlos, saber por qué hacen lo que hacen, por qué reaccionan como reaccionan. Y, desde el momento en que no se consigue eso, el drama y la emoción quedan en segundo plano.
Lo mejor: El final de un camino iniciático que desemboca en realidad.
Lo peor: Excesivamente críptica.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Benh Zeitlin.
Guión: Benh Zeitlin, Lucy Alibar.
Intérpretes: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry.
País: EEUU.
Duración: 93 m.
Música: Benh Zeitlin.
Fotografía: Ben Richardson.

23 ene. 2013

Crítica. Los Miserables, gran homenaje a la obra gracias a Hugh Jackman y Anne Hathaway

Cine. Los Miserables

Sinópsis:

“Los miserables” es la nueva película de Tom Hooper, el oscarizado director de “El discurso del rey”. El film transcurre en la Francia del siglo XIX. Hugh Jackman protagoniza la adaptación de este musical que a su vez se basa en la obra de Victor Hugo. Jackman encarna a Jean Valjean, un individuo que es enviado a prisión tras robar un trozo de pan con el que pretendía alimentar a sus sobrinos y a su hermana viuda. Russell Crowe da vida a Javert, el hombre que le hará la vida imposible, mientras que Anne Hathaway se pone en la piel de Fantine, una mujer que sufre no pocos infortunios a lo largo de su vida.

He de reconocer que éste era uno de los estrenos que llevaba esperando con mayor ilusión desde que supe que se estaba rodando. De hecho soy una fan del musical, celebrado hace ya un año en Barcelona, al que asistí en tres ocasiones y por el que volvería a pagar. Si has tenido la oportunidad de verlo (el musical), sabes de qué hablo.

Cine. Los miserables. Anne Hathaway
Cine. Los Miserables. Anne Hathaway
Pero a lo que iba, el film es sencillamente sublime. Aun así, las opiniones son muy variadas, y ahí reside la genialidad de los productos de consumo como lo es el cine. Como se dice comúnmente: "Para gustos, los colores", y sin duda creo que en la variedad de opiniones reside la riqueza. En mi caso, mi opinión es más que positiva, pero he de reconocer que haber visto el musical ya me había preparado para el largometraje. Aun así, hay puntos negativos que he escuchado de personas cercanas a las que me resulta imposible "respetar". Por ejemplo, quejarse de que la Revolución Francesa queda muy diluida es dejar claramente constancia de que no conocer la obra ni la adaptación, pues la Revolución es el contexto en el que se desarrolla la historia, pero 'Los Miserables' habla de la situación de las personas que en ella aparecen, siempre entorno a Jean Valjean, que es el nexo del resto de historias corales, por así decirlo. Otro comentario quejoso sobre el film es que fuera cantado. ¿Perdón? ¡Pero si es un musical! La catalogación del film lo define como tal, por tanto, ¿qué esperaba, buen espectador? En este sentido, lo que me sobró del film fue que tradujeran las cuatro tristes frases al español (pues por horarios lamentablemente tuve que ir a las sesiones dobladas), que no pegan ni con cola.

La joya de 'Los Miserables':

Cine. Los Miserables. Hugh Jackman
Cine. Los Misereables. Hugh Jackman
En cuanto a los actores, Hugh Jackman demuestra que, además de camaleónico, es un actorazo con todas sus letras. Muy especialmente en la parte inicial, la escena tras el robo al párroco, en sus reflexiones y hasta que decide borrar a Jean Valjean para hacerse merecedor del perdón y la bondad del párroco, ese dolor, la angustia, la desesperación ante la injusticia y el asco hacia si mismo... lo transmite tanto que en el cine me dieron ganas de levantarme y gritar junto a él. ¡Dios qué bien lo hace! Anne Hathaway demuestra que se está convirtiendo en una actriz digna de grandes papeles. Aun la recuerdo de 'Princesa por sorpresa', y al verla convertida en la desgraciada Fantine me sorprende y me encanta ver cómo hay actores que crecen. Ojalá ambos se lleven todo el reconocimiento que merecen. En cuanto al resto de actores, Amanda Seyfried cumple pero no me acaba de convencer, recordándome demasiado a su interpretación en 'Mamma mía!'. Todo un descubrimiento ha sido Eddie Redmayne, un desconocido para mí y que me ha transmitido la ilusión y necesidad del primer amor, el dolor por la pérdida final... Como siempre, el soso por definición Russell Crowe, que refleja siempre la misma emoción: cara fija como si le hubieran inyectado botox en todo el rostro.

Cine. Los Miserables. Russell Crowe
Cine. Los Miserables. Russell Crowe

La verdadera voz del film:

De la banda sonora (aquí puedes escuchar un abstract)  poco puedo decir, pues es el 99% del film y cada día sus letras y notas dan vueltas en mi mente. Es de esas películas que te traspasan, dejan huella, pues es algo que puede pasar (o pasa) "gracias" a la crisis y la gestión nefasta de nuestra clase política.

¿Un film lento?

El ritmo del film es lento, eso no se le puede negar, pues se desarrolla a lo largo de 3h. Además, no se trata de un film de acción al que nos tienen acostumbrados, es una adaptación cinematográfica de un clásico de la literatura, por lo que aun haciendo hecho un trabajo excepcional, su desarrollo es bastante fiel al original pues suceden muchas cosas. La ventaja del musical en el teatro respecto al film es el intermedio. En la sala de cine no lo hubo y para quienes no están acostumbrados a los musicales y/o películas de tal metraje, puede hacerse pesado. En mi caso, no sé si por costumbre o emoción, la segunda vez que la vi en el cine se me hizo más corta. Sin embargo, apuntar este aspecto en la columna de 'puntos negativos' es una aberración. Sencillamente mira la ficha del film antes de acudir a la sala a comprar la entrada.

Lo mejor y lo peor:

  • Lo mejor: Hugh Jackman y lo cuidado que está todo, hasta el más mínimo detalle de atrezzo, caracterización, vestuario...
  • Lo peor: Russell Crow y su inexpresividad tan habitual.

Ficha técnico-artística:

  • Película: Los miserables.
  • Título original: Les misérables.
  • Dirección: Tom Hooper.
  • País: Reino Unido.
  • Año: 2012.
  • Duración: 158 min.
  • Género: Drama, musical, romance.
  • Reparto: Hugh Jackman (Jean Valjean), Russell Crowe (inspector Javert), Anne Hathaway (Fantine), Amanda Seyfried (Cosette), Helena Bonham Carter (Madame Thénardier), Eddie Redmayne (Marius), Aaron Tveit (Enjolras), Sacha Baron Cohen (Thénardier), Samantha Barks (Éponine), Daniel Huttlestone (Gavroche).
  • Guión: William Nicholson, Alain Boublil, Claude-Michel Schönberg y Herbert Kretzmer; basado en el musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg; a su vez basado en la novela de Victor Hugo.
  • Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Debra Hayward y Cameron Mackintosh.
  • Música: Claude-Michel Schönberg.
  • Fotografía: Danny Cohen.
  • Montaje: Chris Dickens y Melanie Ann Oliver.
  • Diseño de producción: Eve Stewart.
  • Vestuario: Paco Delgado.
  • Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Video

20 ene. 2013

La peli del domingo. Lincoln


Sinópsis:



A pocas semanas de iniciar su segundo mandato y cuando la Guerra de Secesión parece estar llegando a su fin, el Presidente Lincoln decide dar un paso más en su lucha contra la esclavitud y, superando los límites temporales y legales de su Proclamación de Emancipación de comienzos de la Guerra, presentar en el Congreso de los Estados Unidos una enmienda a la Constitución declarando prohibida cualquier forma de esclavitud entre los norteamericanos. La película es, precisamente, el desarrollo de los días previos a la votación de la que se convertiría, por el estrecho margen de dos votos, en la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos.

Crítica:

La película es de las que merece la pena. No sólo por su calidad, sino por la historia que cuenta. La única pena, para mi gusto, es que titulándose "Lincoln", realmente se refiere casi en exclusiva a la tramitación de la Decimotercera Enmienda de la Constitución. Sin duda es el legado más importante del Presidente Lincoln, pero esperaba que fuese una película sobre su vida y su actuación como Presidente (que abarca todo el desarrollo de la Guerra de Secesión). Si Washington es el personaje más importante del S.XVIII en Estados Unidos, Lincoln es, sin duda ninguna, el más relevante del S. XIX. Y casi me atrevería a decir que el más importante en la Historia de Norteamérica. Por eso me hubiese gustado una película más completa sobre su vida.

La caracterización del Presidente es extraordinaria,  pesar de que Daniel Day-Lewis no es uno de mis actores preferidos. Sin embargo, encarna muy bien el personaje.

Un último detalle que revela la calidad de la película: su banda sonora, de John Willimas, interpretada por la Sinfónica de Chicago, dirigida por Ricardo Muti.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Steven Spielberg
  • Guión: Tony Kushner
  • Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, Joseph Gordon-Levitt, James Spader
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 149 minutos
  • Música: John Williams
  • Fotografía: Janusz Kaminski

18 ene. 2013

CRÍTICA: Django desencadenado


SINOPSIS: Django ha sido vendido como esclavo y se dirige a la nueva plantación. Un extraño doctor de origen alemán le rescata y le propone un trato por el que podría conseguir su libertad y la de su esposa.

Tarantino ha querido hacer un western. En su sentido radical. Un homenaje, un tributo al cine de sus raíces. Ser respetuoso y aportar su estilo. Para alguien tan ecléctico como él, capaz de aunar todos los estilos, el western siempre late de fondo. En el duelo a espadas entre Beatrix Kiddo y O-Ren Ishii de Kill Bill, en los tiroteos de bar de Pulp Fiction, en las tabernas de Malditos Bastardos, incluso en el enfrentamiento de las chicas contra el psicópata de Death Proof. El western clásico permanece latente en todas sus películas.
Curiosamente, alguien tan posmoderno como él, encuentra menos inspiración en el western moderno. No hay rastros de Sam Peckinpah y su pesimismo existencial. El western de Tarantino es el de los espacios abiertos, la posibilidad de libertad, de cambio, de una vida más allá de la frontera, de las fronteras.
De modo que, durante la primera hora de metraje nos encontramos con una película de corte muy clásico, casi impecable en su desarrollo. Sólo rompe la filiación a los originales en la discusión sobre las capuchas del Ku Klux Klan. Una escena tronchante, estúpida y genial. No se puede ridiculizar más una institución ridícula. Y, durante esa hora no cuenta gran cosa, pero lo cuenta muy bien. Nos narra cómo Django y el doctor se conocen y cómo acaban convirtiéndose en amigos.
La segunda hora muestra una cierta ruptura, pero más temática que estilística o de género. Tarantino nos introduce en el mundo de las plantaciones y seguimos el recorrido de nuestros protagonistas por el universo cerrado en que DiCaprio es el rey: su tiranía, sus peleas de mandingos, sus caprichos. El individuo convencido de que los negros son carne, objetos, y los puede tratar como quiera.
Esta segunda parte, menos inspirada, exhibe esos diálogos largos, progresivamente tensos, que poco a poco nos van acercando al clímax de violencia. Pero aquí la sensación es que, en gran medida, sí se podría haber abreviado parte del metraje. Hay algunas redundancias y el brillo de las conversaciones no alcanza la intensidad de los mejores momentos.
Finalmente, al llegar a ese punto de no retorno, donde ya no se puede dar marcha atrás (Christoph Waltz y su "no pude resistirme"), Tarantino desata el infierno. Parece que no pudiese contener al descerebrado que lleva dentro, al niño gamberro que todos consideran que es. Primero un tiroteo extraordinariamente hemoglobínico, después la tortura, luego esa secuencia en que la que él mismo decide intervenir. Cómica, loca y con final, dispensado a sí mismo, absolutamente delirante. Para terminar en el origen con un aires muy de cómic, muy de pulp, muy Tarantino. Inevitablemente.
La película ha levantado polémicas por las cuestiones de la violencia o el modo de tratar el racismo. Como siempre, con el director, carecen de sentido. La violencia es paródica casi siempre, algo cruda en contadas ocasiones y con la denuncia justa que quiere hacer: sincera pero sin pretender elaborar tesis sesudas. Y hace bien. Porque lo suyo, que es hacer cine, lo ejecuta con notable desenvoltura. Elegante puesta en escena, movimientos de cámara acertados, fotografía magnífica en frío, calor, nieve, siluetas, sombras... Sus abruptos flashback son intencionados para remitir al estilo pulp y se contiene notablemente en la deconstrucción de la narrativa que, en esta ocasión, es casi lineal.
Sin llegar a la altura de sus mejores obras, logra una película notable, que mantiene viva, una vez más, la épica del western, y que de un modo u otro surge renovada con ideas ingeniosas. Y nadie mejor que Tarantino para lograrlo.
Lo mejor: La secuencia del Ku Klux Klan por su diversión, los encuentros entre Django y Broomhilda por su resolución.
Lo peor: Un DiCaprio demasiado histriónico (quizá culpa del director).

Ficha técnico-artística:
Dirección: Quentin Tarantino.
Guión: Quentin Tarantino.
Intérpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Walton Goggins, Samuel L. Jackson.
País: EEUU.
Duración: 165 m.
Fotografía: Robert Richardson

Día de Loc@s: Estrenos de cine del 18 de enero



¡Que no! No nos hemos olvidado del boletín con los estrenos de esta semana, concretamente de hoy, viernes 18 de enero de 2013. Sólo que a una servidora se le ha hecho un poco tarde.

¿Mi opinión? La verdad que me quedo con los estrenos de semanas anteriores, pero esta afirmación está basada en mis gustos personales.

De interés podrían ser: 'Lincoln' y 'Django desencadenado' para fans de Tarantino de los últimos tiempos, ambas con nominaciones a Los Oscar 2013. En el caso de Nameless Gangster, el cartel me recuerda tanto al video del coreano del Gangsta Style, que me echa para atrás.

Lincoln

Cine. Lincoln

En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone la instauración de una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto presenta un gran dilema: si la paz llega antes de que se acepte la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, cientos de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.



Django desencadenado


Cine. Django desencadenado

Dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana (1861-1865), King Schultz (Christophe Waltz), un cazarrecompensas alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo de color Django (Jamie Foxx) dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el malvado propietario de la plantación "Candyland".




Nameless Gangster


Cine. Nameless Gangster


Años 80. Ik-hyun (Choi Min-sik), un funcionario de aduanas corrupto, está a punto de ser despedido. Al intentar dar el último golpe, vendiendo una bolsa de heroína, entra en contacto con un importante jefe mafioso de Busan. Enseguida se gana su confianza, y los dos unidos llegan a convertirse en los amos de la ciudad. Pero, cuando en los años 90 el gobierno declara la guerra abierta contra el crimen organizado, empiezan a aparecer grietas en su relación



Tabú


Cine. Tabú


"Tabu es la palpitante demostración de cinefilia en acción. Para el Sr. Gomes, antiguo crítico de cine, el extinguido estilo y tono del cine clásico no es base para la imitación o la parodia, sino más bien sustento para el material onírico comunal, para ser explotado por algo nuevo y misterioso."


El corazón del roble


Cine animación. El corazón del roble

De repente, en la Colina del Dragón empiezan a bajar tan bruscamente las temperaturas que un pequeño elfo, guardián de un bosque ya moribundo, suplica ayuda a los dioses, que atenderán su plegaria, pero de una forma muy sorprendente.



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