Locoporelcine.com, tu revista de cine online en la que encontrarás: críticas de cine, entrevistas, reportajes, opiniones sobre series de televisión. ¡Mucho cine!

26 abr. 2013

La familia Stark

¿Qué tal si, ya que no hemos tenido nuestro Día de Loc@s le ponemos humor al estreno estrella de esta semana?

Os presentamos a la familia STARK :-)

¡£FELIZ FIN DE SEMANA DE CINE!

25 abr. 2013

ENTREVISTA: María Valverde


Después de mucho tiempo volvemos con unas cuantas entrevistas.
Hoy os dejamos con la entrevista a María Valverde.


  

Lo que se dice de: María Valverde

Facebook oficial - Twitter Oficial

María Valverde debutó a los 16 años junto al gallego Luis Tosar en La flaqueza del bolchevique (2003), dirigida por Manuel Martín Cuenca. Gracias a este papel ganó el Goya a Mejor actriz revelación. Participó en películas como Fuera del cuerpo (2004), Vorvik (2005) o la película italo-española Melissa P., basada en un polémico libro titulado Los cien golpes de la escritora italianaMelissa Panarello.
En 2006 interpretó a Lucrecia Borgia en Los Borgia, dirigida por Antonio Hernández y junto a Paz Vega. Un año más tarde promocionó, junto a Daniel Brühl, la campaña otoño-invierno de Purificación García. En 2008 participó en el videoclip de The Melocotons, donde tiene un papel destacado con una estética juvenil y desenfadada.
En diciembre de 2010 se estrenó Tres metros sobre el cielo, dirigida por Fernando González Molina y coprotagonizada por Mario Casas y ella. Se convirtió en la película más taquillera de todo el año y en 2012 se estrenó la secuela: Tengo ganas de ti. Ese mismo año graba la película Broken Horses en Hollywood dirigida por Vidhu Vinod Chopra
En enero de 2013, fichó por una miniserie en Telecinco titúlada Hermanos donde dará vida a Virginia y que empezará a rodar a mediados de febrero. Esta serie es su segundo proyecto en Tv tras el final de la serie La fuga.


(Fuente: Wikipedia)

19 abr. 2013

CRÍTICA: Tierra prometida


SINOPSIS: Steve y Sue, empleados de una compañía de gas, llegan al pueblo para salvarles de la ruina y llenar de dinero los bolsillos de los lugareños. Aunque pronto encontrarán algunos problemas.

No es la primera vez que Gus Van Sant se adentra en los terrenos del cine social y el cine de denuncia.
Tampoco es la primera vez que trabaja con un guión de Matt Damon. Descubriendo a Forrester iba firmado junto a Ben Affleck. Tierra prometida lo firma junto a John Krasinski.
Y, al igual  que en Descubriendo a Forrester, los guionistas se reservan papeles protagonistas. Se ve que la dinámica les funciona y trabajan sobre un sistema de trabajo ya conocido. Tal vez su mayor inconveniente es la ausencia de riesgos.
Tierra prometida es la película más convencional de la carrera de Van Sant. Lineal en su desarrollo, montaje cronológico, estructura dramático e, incluso, un final muy a la americana que podría haber rodado el mismísimo James Stewart.
Matt Damon y Frances McDormand son los empleados de una compañía de gas que viene a comprar las tierras de un pueblo casi arruinado. Es un trabajo fácil: ofrecer mucho dinero, salvar sus vidas, perforar. Pero en el pueblo vive, jubilado, un antiguo físico del MIT que sabe que la técnica de extracción, el fracking, envenena el suelo y el agua. Y, poco después, aparecerá en escena un ecologista (John Krasinski).
Los planteamientos del cine de denuncia se presentan fácilmente. Van Sant tiene todos los elementos para elaborar un arco argumental para exponer un problema de ética empresarial. Sin embargo, curiosamente, la trama se desliza hacia un cine costumbrista, al modo en que dos urbanitas (aunque Steve sea un redneck) toman conciencia del pueblo (esas camisas de franela), de sus costumbres, de su modo de pensar.
Y, una vez en el terreno costumbrista, aparecerá en escena Alice (Rosemarie DeWitt), la maestra del pueblo que se convertirá en otro eje de disputa entre el hombre de empresa y el ecologista.
La escuela, las peleas en el bar, la organización de una feria, el conocimiento profundo de las ideas de las personas que viven allí, son el verdadero tema por el que discurre la película. Los lugareños saben que sus problemas económicos se terminarán si aceptan el trato. Pero para ellos la tierra tiene un valor intrínseco, generacional,  sentimental, simbólico. Un valor más importante que el dinero. Su problema ético es ese. Y por eso Steve se llevará un puñetazo.
Hay un detalle muy interesante en la película que tiene especial trascendencia. La niña que vende limonada la ofrece a 25 centavos. Y acepta sólo 25 centavos porque el cartel dice 25 centavos. Es así como funcionan los negocios. Los honrados. Steve se queda perplejo ante esa actitud pero es lo que le hace descubrir cómo piensan aquellos hombres, mujeres y niños. Esa escena de la limonada, con su carga simbólica (muy explícita, por otra parte) tiene más valor que el discurso posterior de Steve. Un alegato muy de cine americano, convencional, para redondear un final feliz.
Tierra prometida es una película sencilla, que se ve sin esfuerzo, simplemente basta con dejarse llevar por las tierras de estos personajes. Cada uno con sus peculiaridades, modos de ser y pensar. Descubriremos que el ecologista tiene un secreto, que la maestra podría haber dicho sí, que algunas peleas pueden evitarse y otras hay que llevarlas hasta el final. El proceso conduce a que un buen hombre se transforme en un hombre honrado. Eso es lo que los lugareños le pueden enseñar al paleto que se convirtió en urbanita y tal vez, sólo tal vez, pueda dejar de serlo.
Lo mejor: La química laboral entre Damon y McDormand.
Lo peor: Excesivamente previsible.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Gus Van Sant.
Guión: Matt Damon, John Krasinski.
Intérpretes: Matt Damon, Frances McDormand, John Krasinski, Rosemarie McDewitt, Hal Holbrook.
País: EEUU.
Duración: 106 m.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Linus Sandgren.

18 abr. 2013

Reportaje: cine de ciencia ficción. Desde Le Voyage Dans La Lune hasta Oblivion



Desde sus orígenes el cine siempre se ha considerado una ventana para otros mundos, otras realidades, una puerta a la imaginación que nos lleva a galaxias muy muy lejanas, viajes en el espacio- tiempo, invasiones alienígenas, robots o desastres apocalípticos todo ello para deleite de una sociedad agotada, hastiada y desasosegada de una existencia anodina, monótona e insulsa.

            Estas aventuras fantásticas ya se empiezan a ver en los albores de la cinematografía cuando en 1902 Georges Mélièr filma Le Voyage Dans La Lune. Pronto la mítica imagen del cohete espacial clavado en uno de los ojos de la luna se haría un estandarte del cine moderno. Hasta la década de los 70 el género pasa por un proceso de desmitificación y las producciones pasan a ser series B, salvo gloriosas producciones como Metrópolis (Fritz Lang 1927), el resto pasarían a la historia sin pena ni gloria.

            Stanley Kubrick con su 2001: odisea del espacio (1968) sería el primer hito cinematográfico que relanzaría el mundo de la ciencia ficción tomando el camino que hoy conocemos. Sagas como Star Trek o Star Wars son vivo reflejo de esta nueva tendencia basada en viajes intergalácticos y mundos solo soñados hasta ahora en la literatura fantástica. Ambas sagas gozan en la actualidad con un futuro prometedor después de que J.J.Abrams relanzara de nuevo la saga de Star Trek en 2009 de la que esperamos este año su segunda pelicula: Star trek: en la oscuridad.Por su parte, la saga Star Wars, tras la compra de sus derechos por parte de la factoría Disney (miedo me da lo que puedan hacer con tal insigne saga), ya tiene programada, al menos, una nueva trilogía abarcando los episodios VII, VIII y IX siendo la primera programada para el 2015 y, curiosamente, el director está previsto que también sea J. J. Abrams. Quién sabe si, más a largo plazo, también se filme una segunda trilogía que nos narre lo transcurrido entre los episodios III y IV.
          
  Steven Spielberg también se apuntaría a esta nueva tendencia con películas como Encuentros En La Tercera Fase (1977) o la mítica E.T (1982) pero será Ridley Scott el que también revolucione el género con películas como Alíen el octavo pasajero (1979) y sobre todo la soberbia Blade Runner (1982) donde se nos narra un mundo futurista donde la humanidad convive con robots sintéticos llamados replicantes. La película luce un efectismo visual impresionante a la par de una trama basada en una novela de Philip K. Dick donde se plantean trasunto teológico- filosóficos de gran calado que la han elevado a opera magna dentro de las películas de ciencia ficción y que generaciones posteriores tomaran de ejemplo e inspiración como podría ser películas como Inteligencia Artificial (Steven Spielberg 2001), Yo Robot (Alex Proyas, 2004), o la más reciente El Altas De Las Nubes (los hermanos Wachowky 2012).

            A partir de los años 1980 empieza una escalara más o menos irregular de éxitos o fracasos en la más variada temática fantástica. viajes en el tiempo (Regreso Al Futuro, Robert Zemeckis 1985, Timecop, Peter Hyams 1994) invasiones alienígenas (Independence Day , Ronald Emmerich 1996, Mars Attack, Tim Burton 1999 o la saga Men in Black) desastres naturales (Volcano , Mick Jackson 1997, El Día De Mañana, Ronald Emmerich 2004, 2012 , Ronald Emmerich 2009) o las más variadas realidades como la plasmada en la saga Matrix inaugurarían nuevos, prometedores y apasionantes relatos como los de Minority Report (Steven Spielberg 2002), Avatar (James Cameron, 2009) o las últimas producciones basadas en un futuro postapocalíptico como la recientemente estrenada Oblivion (Joseph Kosinsky 2013) o la próxima película de M. Night Shyamalan: After Earth con Will Smith y de próximo estreno en junio de este año.

            En conclusión se puede sacar que el género de la ciencia ficción hoy en día goza de una buena salud auspiciada sobre todo por las nuevas tecnologías y una sociedad castigada y acuciada por una crisis que le supera y ansia salir de esa realidad en busca de nuevas metas, nuevos destinos mas allá de nuestras fronteras físicas, morales, éticas o sociales y le den nuevas esperanzas, nuevas ideas, nuevas ansias de vida y libertad.

7 abr. 2013

Avances. HIstorias de Lavapiés, con Guillermo Toledo


Guillermo Toledo protagoniza “Historias de Lavapiés”, película escrita y dirigida por Ramón Luque


Durante este mes de Abril que acaba de empezar se realizará en Madrid el rodaje del largometraje 'Historias de Lavapiés', cuya acción transcurrirá en ese emblemático y multicultural barrio de nuestra capital.

La película, protagonizada por Guillermo Toledo, Sandra Collantes y Rafael Reaño, está dirigida por Ramón Luque, autor también del guión.

El film se desarrolla dentro del actual contexto de la crisis y muestra la relación entre las distintas clases sociales y étnicas que conviven en Lavapiés, con especial atención a los problemas de los inmigrantes y asuntos de actualidad como la educación.

Guillermo Toledo vuelve a la gran pantalla tras formar parte del elenco de 'Los amantes pasajeros' de Pedro Almodóvar. Protagonista de películas de éxito como 'El otro lado de la cama' o 'Crimen Ferpecto', el actor ha compaginado su actividad en cine con su participación en la compañía teatral Animalario. Junto a él, Sandra Collantes, cuya carrera se ha centrado en la escena teatral y en la televisión, participando en series como 'Frágiles' y 'Cuestión de Sexo'.

Ramón Luque ha dirigido anteriormente los largometrajes 'El Proyecto Manhattan' y 'Hollywood', en colaboración con el también realizador Juanjo Domínguez.

Si quieres estar al día sobre el rodaje, los encontrarás en su web http://www.historiasdelavapies.com/

5 abr. 2013

CRÍTICA: Un amor entre dos mundos


SINOPSIS: Dos planetas, dos sistemas gravitatorios distintos, dos personas que se enamoran. Adan y Eden tendrán que buscar una solución, demostrar que el amor es más fuerte que la gravedad, que su atracción mutua es más intensa.

Juan Solanas tiene dos cosas en común con M. Night Shyamalan y con Christopher Nolan: la fuerza visual y esos mundos similares al nuestro pero en los que cambian algunas reglas.
Por eso, casi de modo inevitable, uno piensa en lo que estos dos directores habrían hecho con el material de Solanas en sus manos. No es mala la idea ni la concepción general. Falla la escritura del guión, su planteamiento ramplón, el deseo de no buscar una mayor complejidad para conformarse con una historia romántica previsible.
Hay que mencionar el valor de su apartado visual. Los escenarios son una mezcla de cómic kitsch, arquitectura retro-futurista que en ocasiones recuerda a Metrópolis y la estética ensoñadora de Sky Captain y el mundo del mañana. Aporta elementos que incitan a la imaginación como ese dirigible destruido o las calles desiertas de Abajo.
La concepción de espacios es verdaderamente imponente, buscando en muchos casos la simetría vertical y, en otros, ofreciendo variaciones. Ese quiebro en las perspectivas es una invitación a mirar de forma distinta a como lo hemos hecho hasta ahora.
La fotografía, muy cuidada, se inclina por el frío azul. Tanto para mostrar el frío físico de Abajo como el frío emocional de Arriba. Los destellos de luz y ambientes cálidos están cuidadosamente elegidos. Se posibilita así que la escena del pez amarillo dentro del líquido rosa tenga su toque especial.
Es, sobre todo, el salón de baile donde los colores contrastan más. El salón de baile se convierte en una especie de refugio para los dos amantes, su cita, su re-conocerse y su reconocerse, la proyección del futuro, la culminación de su historia.
Pero es ahí donde Solanas (director y escritor) no acierta en los planteamientos. Es verdad que las hazañas de Adan para estar con su amada tienen su interés y resultan llamativas, pero la estructura de fondo, con sus giros de guión, son clichés puros, previsibles por completo. No basta con la sorpresa virtual, con el juego de perspectivas, con las divertidas ventajas y desventajas de la doble gravedad.
En realidad esa diversión juega en su contra. Porque las imágenes nos atrapan tanto que las vemos como un pasatiempo lúdico en el que entretener nuestra mirada. El drama, las aventuras y las desventuras de Adan y Eden,  no encajan en ese juego. Percibimos la tensión con indiferencia, sin que lleguen a emocionarnos los encuentros y desencuentros.
Jim Sturgess y Kirsten Dunst se esmeran e intentan, inútilmente, cargar de intensidad a sus personajes. Pero son devorados por la pirotecnia de la imagen. Al igual que se queman los objetos de gravedad inversa, pareciera que fondo y forma tampoco pueden estar unidos.
El personaje más carismático es, sin duda es el de Bob Boruchowitz, al que da vida Timothy Spall. Inteligente, socarrón, políticamente incorrecto (¡fuma!), vengador justiciero y, en cierto modo, Celestina y enlace de los amantes.
Una película que se ve con agrado por su originalidad, pero deja el poso del enorme potencial desperdiciado y lo mucho que se habría podido hacer con semejante idea.
Lo mejor: Sus juegos visuales.
Lo peor: Una trama demasiado convencional.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Juan Solanas.
Guión: Juan Solanas.
Intérpretes: Kirsten Dunst, Jim Sturgess, Timothy Spall.
País: Canadá, Francia.
Duración: 100 m.
Música: Benoît Charest.
Fotografía: Pierre Gill.

Avances. Droga Oral, nuevo proyecto de Chus Gutiérrez vía Crowdfunding

¡Muy buenos viernes, loc@s del cine!

Hoy os traemos noticias sobre un nuevo proyecto de Chus Gutiérrez (Alma gitana, Poniente, El Calentito):

Droga Oral

La película trata de dar una visión diferente sobre el mundo de las drogas. Partiendo de entrevistas a diferentes personajes, DROGA ORAL intenta plasmar la experiencia personal de cada uno y hacer un mapa de las drogas en el Siglo XXI, alejado de tópicos, estereotipos y mentiras. "Porque cuando hablas de drogas hablas de muchas más cosas. Porque cuando hablas de algo que te afecta, es inevitable que a través de tus declaraciones se dibuje tu alma y ya no solo hablas de drogas, sino de emociones, de tus sueños, tus miedos… Del constante aprendizaje que supone estar vivo.” (Chus Gutiérrez).

Crowdfunding 

Para la financiación de la película hemos creado un proyecto de crowdfunding, al que se puede acceder aquí: http://www.mymajorcompany.es/projects/droga-oral. La idea base del crowdfunding consiste en permitir que cada individuo se convierta en el pequeño mecenas de un proyecto (en este caso cinematográfico), de modo que el esfuerzo de muchas personas logre sacar adelante los contenidos que les interesan. Las inversiones tienen diversas recompensas (que varían según el importe realizado), y se destinarán al proceso de montaje de la película. Hoy por hoy las drogas siguen siendo un tema tabú en nuestra sociedad. Es difícil encontrar información clara, experiencias reales o discursos sinceros sobre la importancia de las drogas en nuestra cultura y su consumo.

¿Qué ofrecen a cambio? 

Formar parte de un proyecto sin prejuicios, humano, que intenta aportar un poco de luz y de verdad al complejo mundo de las drogas. ¿Os animáis a colaborar? Toda ayuda es buena. Sin duda, al menos se esfuerzan y se mueven por crear contenidos, no como otros que esperan únicamente ayudas y más ayudas estatales.
Encuéntralos en Facebook

4 abr. 2013

Crítica. The Croods, terror al cambio

Sinopsis:

Prehistoria. Tras la destrucción de su hogar por un gran terremoto, Grug se ve obligado a emigrar con su familia. Mientras avanzan por un mundo desconocido y aterrador, se encuentran con un nómada de mente abierta que los deja a todos fascinados, sobre todo a a la hija de Grug.
Pues bien hoy toca hablar de The Croods, que ya la vi hace unas semanas en el pase de prensa en Barcelona, pero hasta ahora no me he visto con ánimo de comentarla. ¡Qué se le va a hacer!

Como supongo que ya sabrás, se trata de la última película estrenada de animación de Dreamworks que, sin duda, dejará su huella para los próximos Oscar.

Crítica. The Croods
En primer lugar y dedicado a "tiquismiquis" de la historia, la película no pretende ser una clase real de historia / prehistoria, sino más bien lo que refleja su trailer: pura diversión, cada vez menos sufrimiento (nada que ver con Bambi, Dumbo, etc...) y moraleja final.

El film es un festival para la vista: con un ritmo dinámico, una espectacular riqueza visual de colores vivos , perfectos gráficos y paisajes que en ocasiones me recuerda al mundo de Pandora de Avatar.

Si bien es cierto que la historia no resulta algo sorprendente y se la pueda premiar como algo "súper" original que te deje con la boca abierta, sino que más bien es previsible / normalita de inicio a fin pues no se debe olvidar que es un producto Dreamworks, no deja de ser una historia que sabe combinar, como todas sus producciones, la comedia desternillante y el drama, así como esa habilidad de tocarte la fibra sensiblona que la mayoría tenemos con ciertos temas que se tratan en The Croods: la familia, la necesidad de mantenerse unidos, los miedos que los padres sienten, la necesidad de protección, los descubrimientos, la curiosidad joven, las ganas de ver y conocer lo desconocido, que es treméndamente atrayente, el miedo al cambio, el primer amor, etc.

Por cierto, me encanta el tigre, especialmente en la cueva con Grug. Me recuerda a mis gatas, jajajajaja. Sin duda el tema de los animales salvajes está tratado y presentado de forma muy creativa.

Otro punto a favor es la banda sonora que acompaña a la película el ritmo y la tensión que cada situación requiere. Y para una servidora, que es fan de las bandas sonoras, el trabajo de Alan Silvestri resulta un regalazo (esperado).

Crítica. The CroodsResumiendo, The Croods es film divertido, tierno y crudo para toda la familia.


Lo mejor y lo peor:

  • Lo mejor: la riqueza visual y las situaciones cómicas, muy especialmente con la abuela.
  • Lo peor: lo absúrdamente previsible que es.

Ficha técnico-artística:

  • Título original: The Croods
  • Dirección y guion: Kirk DeMicco y Chris Sanders.
  • País: USA.
  • Año: 2013.
  • Duración: 98 min.
  • Género: Animación, aventuras, comedia, familiar.
  • Doblaje original: Nicolas Cage (Grug), Emma Stone (Eep), Ryan Reynolds (Chico), Catherine Keener (Ugga), Clarke Duke (Tonk), Cloris Leachman (Abu).
  • Guión: Kirk DeMicco y Chris Sanders; basado en un argumento de John Cleese.
  • Producción: Kristine Belson y Jane Hatwell.
  • Música: Alan Silvestri.
  • Fotografía: Yong Duk Jhun.
  • Montaje: Darren T. Holmes.
  • Diseño de producción: Christophe Lautrette.

2 abr. 2013

Noticias. Muere Jess Franco

Ha muerto Jess Franco, víctima de un ictus a los 82 años. Con él se va una manera de hacer cine, un maestro y uno de los personajes particulares que han poblado el ecosistema cinematográfico español. Ha muerto casi a pie de plató, pues su última película se estrenaba de modo limitado el 22 de marzo pasado, "Al Pereira vs. the alligator ladies" o por lo que dice IMDB también conocida como "Culitos in the night" (ahí queda eso¡¡¡)

Persona brillante y de espíritu creador, empezó a componer con 6 años, tenía acabados los estudios de piano y armonía en el real Conservatorio de Madrid, se licenció en derecho, escribió novelas con el seudónimo de David Khunne, y estudió cine en Madrid y París. En Madrid además compaginó sus estudios de cine con tareas de actor y director de teatro al tiempo que interpretaba jazz en pequeños clubes. Su pasión por el jazz la expresaba de este modo "Siempre me he considerado un músico de jazz que hace películas antes que un cineasta",

Inició su aprendizaje en el cine como compositor realizando posteriormente todo tipo de labores, siendo además de compositor, guionista, asistente de dirección, director de fotografía, actor ocasional (hizo muchos cameos en sus propias películas), productor... Tras su primer largometraje (la comedia Tenemos 18 años) no paró de dirigir hasta superar un número indeterminado de películas que habitualmente se evalúa en más de 200. Este número es estimado ya que, por recomendación de las productoras para no saturar el mercado y por usar nombres que pudieran tener más gancho en el mercado internacional, firmaba con seudónimos o incluso firmaba como Lina Romay, su musa además de tardía esposa. El lanzamiento de su carrera se produjo con la calamada -Fritz Lang la calificó como una de sus películas favoritas- Necronomicón (1968) realizada en Alemania y que llegó a presentarse en el festival de Berlín (Franco había dejado España consado de las cortapisas a su creatividad por parte del régimen de otro Franco y realizó cintas en Francia, Inglaterra, Suiza, Luxemburgo, Alemania, Holanda, Italia...)

Franco hacía un cine personal, creativo, de bajo presupuesto, cutre algunas veces (serie B e incluso serie Z), pero sobre todo hacía un cine libre. Trabajó en todos los géneros desde la comedia a la pornografía explícita, pero gustaba especialmente del cine que mezclaba erotismo y terror (Vampyros Lesbos y Killer Barbys vienen a la memoria). Los derroteros que tomó Franco no siempre fueron comprendidos por público y crítica, adorado por unos y vilipendiado por otros, sólo en 2009 recibió un claro reconocimiento con el Premio Goya de honor a su dilatada carrera.



Hay que reconocer que tenía buen ojo para las mujeres y para el erotismo. Él mismo supo rodearse de ellas, casándose con una colaboradora más jovén que él, Nicole Guettard, y manteniendo posteriormente una larga con Lina Romay, a pesar de los 24 años de diferencia entre ellos, que se transformó en matrimonio en 2008, y que acabó cuando ella falleció en 2012.

En el capítulo de los trivia cabe comentar que era tío del escritor Javier Marías y que era un cineasta muy admirado por Quentin Tarantino.

También es interesante la extensísima lista de seudónimos que llegó a utilizar, entre los que están los nombres Joan Almirall, Rosa María Almirall, Clifford Brawn, Clifford Brown Jr., Clifford Brown, Juan G. Cabral, Betty Carter, Candy Coster, Terry De Corsia, Rick Deconinck, Raymond Dubois, Chuck Evans, Toni Falt, Dennis Farnon, Jess Franck, J. Franco, James Franco, Jesse Franco, Jess Franco, Jesús Franco, A.M. Frank, Adolf M. Frank, Antón Martín Frank, Jeff Frank, Jess Frank, Wolfgang Frank, James Gardner, Manfred Gregor, Jack Griffin, Robert Griffin, Lennie Hayden, Frank Hollman, Frank Hollmann, Frarik Hollmann, B.F. Johnson, J.P. Johnson, Yogourtu Ungue,James Lee Johnson, James P. Johnson, David J. Khune, David Khune, D. Khunne Jr., D. Khunne, David J. Khunne, David Khunne, David Kuhne, David Kunne, David Kühne, Lulu Laverne, Lulú Laverne, Franco Manera, J. Franck Manera, J. Frank Manera, Jesús Franco Manera, Jesús Manera, Jeff Manner, Roland Marceignac, A.L. Mariaux, A.L. Marioux, John O´Hara, Cole Polly, Preston Quaid, P. Querut, Dan L. Simon, Dan Simon, Dave Tough, Pablo Villa, Joan Vincent y Robert Zinnermann. Una vez más podemos observar su pasión musical al utilizar como alias los nombres de los músicos Clifford Brown, James P. Johnson o Dave Tough.

Desde LxC nuestro sentido homenaje a la persona, al personaje y a su particular manera de hacer cine. Se va el hombre, pero nace el mito.

Aquí una entrevista con el "tío Jess", como también era conocido:


1 abr. 2013

Crítica. Posesión infernal

POSESION INFERNAL

Verdadero remake y no clon de baratillo



Sinópsis:

Cinco amigos se reúnen en un una cabaña de Tennessee para ayudar a una de ellos, con problemas de drogas. Al descubrir y leer el Necronomicón, el “libro de los muertos”, despertarán fuerzas diabólicas que irán poseyendo a todos salvo a uno, que deberá luchar contra el mal y salvar su vida.

Crítica:

Esta cinta es otro de esos clásicos remakes de películas de éxito, de culto… a las que Hollywood nos tiene acostumbrados, pero con una pequeña diferencia, esto no es una copia actualizada sino un verdadero remake. El novel director uruguayo Fede Alvarez ha decidido hacer, sobre la base de la película de Sam Raimi, la suya propia. Así seguiremos teniendo 5 jóvenes, dos parejas y la hermana de uno de ellos, el Necronomicón que invocará a las fuerzas del mal, la fantástica persecución en el bosque por parte de las fuerzas del mal transmutadas en plantas (ese miedo ancestral que todos tenemos al bosque)… Pero deja fuera a Ash (sorpresa y decepción para los aficionados?) tanto al personaje a la falta de la humorística personalidad de Ash en su equivalente, tampoco están el magnetofón y muchos otros elementos de la original. Parece que esta ausencia de Ash planteada por Álvarez fue lo que permitió que Bruce Campbell se implicara en el proyecto.
La película parece haber sido mimada desde la misma cuna por el propio Sam Raimi, que escogió a Fede Álvarez para dirigirla, impresionado por el corto “Ataque de Pánico”, y esto a pesar de ser su primer largometraje. Álvarez previamente sólo tenía en su haber 4 cortos. Por otro lado la producción ha estado a cargo de Sam Raimi, Bruce Campbell (Ash, el personaje y al tiempo productor de Posesión Infernal, la original) y Rob Tapert (productor también en la original) por lo que la calidad de la cinta y la fidelidad de ésta al espíritu del cine de terror “de verdad” parecen garantizadas. Quizá podríamos decir que ésta es la cinta que Raimi hubiera filmado de haber tenido más medios en su momento, por la calidad de los efectos especiales, por la mayor seriedad en el planteamiento del guión, por la superior interpretación… todo obedece a que en la original existía un ambiente de película “de amiguetes”, que lograron realizar la que ha sido una película de culto por muy poco dinero.

La música del español Roque Baños, de larga trayectoria profesional, resulta el complemento ideal para las escenas de tensión. La fotografía de Aaron Morton es muy acertada, dotada de la necesaria originalidad, y acierta en el formato cine a pesar de que casi toda se experiencia profesional procede el entorno televisivo (Espartaco, La Leyenda del buscador, Xena…) aunque ya realizó una incursión en el mundo del terror con The Ferryman. Los efectos especiales han recurrido a medios clásicos (maquillaje, prótesis, sangre artificial) y mucho menos a los CG, esto le da un sabor de autenticidad que contribuye mucho al ambiente de la película.
En resumen, una película de terror inquietante, que llega a infundir esa sensación de terror que se te pega a la ropa hasta horas después de dejar la sala. Pero al mismo tiempo es dinámica y está plagada de gore y automutilaciones. Mucha atención, hay un “premio” para los verdaderos aficionados (al cine en general, que son los que ven los títulos de crédito), para aquellos que aguanten en la sala hasta el final-final de la cinta. Y cerramos con una curiosidad, las iniciales de los personajes, David, Eric, Mia, Olivia y Natalie, componen la palabra DEMON.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Fede Álvarez 
  • Guión: Fede Álvarez, Rodo Sayagués, Diablo Cody, Sam Raimi 
  • Intérpretes: Jane Levy, Shiloh Fernández, Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci, Elizabeth Blackmore 
  • País: EEUU 
  • Duración: 91 minutos 
  • Música: Roque Baños 
  • Fotografía: Aaron Morton 
  • Producción: Sam Raimi, Rob Tapert, Bruce Campbell 

Trailer:

Síguenos también en Twitter y Facebook
Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Powered by Blogger