Locoporelcine.com, tu revista de cine online en la que encontrarás: críticas de cine, entrevistas, reportajes, opiniones sobre series de televisión. ¡Mucho cine!

22 jun. 2014

ARTICULO: TWIN PEAKS cumple 25 años

 
Quién lo diría, 25 años ya a la espalda de esta exitosa y pretendidamente misteriosa serie de televisión. La innovación que supuso en las series de televisión unida al aura de prestigio de David Lynch la han convertido en una serie de culto. Rodada con medios cinematográficos y en 35 milímetros, el capítulo piloto arrasó en la SEMINCI de Valladolid y en algunos países se estrenó en pantalla grande. Quién no recuerda la campaña viral, cuando aún no se llamaban campañas virales, en la que se preguntaba “¿Quién mató a Laura Palmer?”. Nominada desde 1990 hasta la actualidad a infinidad de premios, entre ellos 14 nominaciones a los Emmy de 1990, recibió tres Globos de Oro y dos premios Emmy. Incluso recibió un TP de Oro. Alguien se acuerda de los TP de Oro?
 
Inicialmente con guión de Mark Frost y David Lynch, dirigiendo este último 6 de sus episodios, esta serie fue construida sobre un total de 29 episodios más el piloto, estos fueron distribuidos en dos temporadas. La serie tuvo una gran acogida inicial pero la segunda temporada sufrió altibajos de audiencia. Parte de su declive se debió al hecho de que los productores empujaran a Lynch a desvelar prematuramente quién era el asesino de Laura Palmer. A partir de ahí la segunda temporada, más que mantener continuidad con la primera, parece una serie distinta que compartiera personajes con aquella. Otra parte de su declive se al cambio de guionistas y directores, ya que David Lynch y Mark Frost estaban volcados en otros proyectos. Los vaivenes amenazaron con acabar con la segunda temporada a mitad de ésta, pero Lynch y Frost regresaron para rescatarla aunque sólo lograron mantenerla funcionando 6 capítulos más.
 
 
 Entre su extenso reparto pudimos ver a Kyle MacLachlan (que ya había hecho Blue Velvet con Lynch y que veríamos como ejecutivo guaperas en Showgirls de Paul Verhoeven), Sherilyn Fenn, Lara Flynn Boyle, Joan Chen, Billy Zane, el propio David Lynch o a un bisoño David Duchovny (The X-Files, Californication). La serie está trufada de guiños como el nombre de la asesinada Laura, como la película de Otto Preminger con un guión vagamente similar, o los nombres Harry S. Truman (presidente USA y Sheriff de Twin peaks) o Dale Cooper (agente especial del FBI en la serie y secuestrador de avión que huyó saltando en paracaídas). Se han escrito de tinta escritos sobre estos guiños/homenajes/referencias.
El episodio piloto representa dos de las horas más brillantes de la historia de la televisión y resulta muy prometedor como inicio de una serie. Pero a pesar de su buena realización, de la gran manufactura técnica o de la participación de extraordinarios directores, guionistas y actores, la serie acaba resultando confusa e innecesariamente enrevesada. Una voluntad de continuar la serie más allá de su culminación natural, la injerencia de los productores y un  onirismo estéril privan a la serie de un final digno y dotado de coherencia, dando la sensación de navegar sin rumbo, sin un objetivo claro.

Es curioso que al acabar las dos temporadas uno se quede con la sensación de que ni a David Lynch, ni a los productores, ni a casi nadie le importase de verdad quién mato a Laura Palmer. Bueno, quizá a los publicistas.

21 jun. 2014

CRÍTICA: Amanece en Edimburgo

SINOPSIS: Ronnie y Ally vuelven de la guerra en Afganistan y tratan de reahacer sus vidas. Pero en la familia de Ronnie, con los 25 años de casados de sus padres, van a surgir algunas dificultades.
Esta clase de musicales es uno de los géneros más específicos que existen en cuanto a selección de público. Los ídolos de Justin Bieber formaron colas para ver su documental y nadie en su sano juicio se metería por equivocación en la sala. El espectador sabe a qué va.
En este caso se trata de The Proclaimers. Una película con una trama en la que hay que encajar 15 canciones, versionadas y cantadas por diferentes personas para adaptarlas a la estructura general.
Desde ese punto de vista, la cuestión cinematográfica queda bastante al margen. Hay situaciones inverosímiles, evolución acelerada de los personajes o momentos algo repetitivos.
El director acierta al tomar a una familia como eje y dividir en tres tramas sentimentales los destinos de cada una de ellas. Como muchas de las canciones giran sobre todo, obviamente, alrededor del amor y el desamor, tres historias favorecen los distintos puntos de vista.
A partir de ahí, cada cual, dependiendo de su grado de fanatismo por el grupo podrá decidir qué temas le gustan más, si están bien cantados o no, si las versiones que se han hecho son las apropiadas. Personalmente me quedo con Oh Jean cantada por la aguardentosa voz de Peter Mullan.
Amanecer en Edimburgo, además de ser una estupenda operación de marketing, es un producto en el que se nota que sus protagonistas (independientemente de que las historias sean más positivas o negativas) se lo han pasado bien. Los protagonistas y el resto del equipo. Especialmente en esa secuencia final que, como no podía ser de otra manera, está a cargo de I'm Gonna Be (500 Miles), una versión que no parece del todo apropiada pero que, indudablemente, hace las delicias de todos esos extras que se lo pasan en grande en la plaza.

Lo mejor: Cinematográficamente el comienzo, con los soldados cantando en un convoy en Afganistán poco antes de sufrir un atentado.
Lo peor: Su previsibilidad y lo forzado de algunas situaciones.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Dexter Fletcher.
Guión: Stephen Greenhorn.
Intérpretes: Paul Brannigan, George MacKay, Kevin Guthrie, Jan Horrocks, Peter Mulan, Freya Mayor.
País: Reino Unido.
Duración: 110 m.
Música: The Proclaimers.
Fotografía: George Richmond.

20 jun. 2014

CRÍTICA: Transcendence

SINOPSIS: Will Caster es un eminente científico empeñado en la búsqueda de la  inteligencia artificial. Conciencia, alma. Pero a medida que la idea se extiende, algunos grupos terroristas comienzan a actuar y, durante un atentado, Caster queda herido.
Nueva variación al clásico tema de la inteligencia artificial. Hace pocas semanas pudimos ver The Machine, conectada de algún modo por el tema.
No es justo del todo compararlas porque los objetivos y la estructura son bien distintos, pero tal vez sí cabe hacerlo desde un punto de honradez cinematográfica. The Machine, muy consciente de su escaso presupuesto se ceñía a casi un único escenario para explorar las ideas. Transcendence no parece ser consciente de las limitaciones. Pareciera que el presupuesto se hubiese ido en contratar a un grupo de actores solventes. Y parece que, ceñirse a un escenario (el campo de paneles solares) le habría venido mejor.
Hay un gran acierto en Transcendence: la fluidez narrativa con que concatena todos los abundantes temas que quiere tocar. Inteligencia artificial, nanobots, conciencia común de colmena, híbridos, evolución, trascendencia. Existe un hilo lógico sencillo y eficaz que convierte la historia en algo ágil.
Ahora bien, sus pretensiones de realizar algo global le pierden. El plan maestro de trascendencia habría exigido un amplio presupuesto que nos presentase escenarios diversos por toda la tierra. Las ideas de células de oposición terrorista, política global y acciones de ejército coordinadas vienen a exigirlo.
No está bien reducir todo eso a un pequeño grupo de gente, a una docena de coches armados y unas cuantas personas concienciadas. El desequilibrio entre lo que cuenta y el modo de contarlo es excesivo. De modo que, ya que toda la acción se centra en ese campo de paneles solares, debería haberla centrado aún más, sin afanes pretenciosos, abarcando más de lo que realmente puede.
Es verdad que tener un plantel de actores relativamente conocidos ayuda bastante. Sobre todo porque su físico basta para identificarles ante la carencia de unos caracteres poco trabajados. Ese tono de solemne gravedad no logra ocultar la ausencia de verdadero drama, de emociones en choque. La gravedad global de lo que se nos cuenta debería tener más impacto en el espectador. Y no lo consigue porque, en el fondo, nos da igual lo que les pase a todos: a PINN, a los hombres de la base, a los opositores o a la humanidad entera.
Esa indiferencia general es su gran punto débil. Y aunque la película tenga sus atractivos en cuanto a planteamientos de fondo se diluye en un intento innecesario y fraudulento de introducir escenas de acción que ni siquiera logran dar la talla y que se resuelven de un modo bastante simplón.
Como ocurre con muchas otras películas de ciencia-ficción, la idea es sugerente. El  modo de desarrollarla no tanto. En esta ocasión el problema se hace muy evidente. El director no sabe dirigirse a sus última consecuencias y la verdadera cuestión de fondo (la libertad, presente en todo momento pero no citada) queda ahogada por todos los elementos colaterales.
Lo mejor: La secuencia de los coches que pasan sobre un charco y cómo los nanobots transmiten de inmediato la información.
Lo peor: Su agudo desequilibrio en las formas.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Wally Pfister.
Guión: Jack Paglen.
Intérpretes: Johnny Depp, Rebecca Hall, Paul Bettany, Cillian Murphy, Kate Mara, Morgan Freeman.
País: Reino Unido, China, Estados Unidos.
Duración: 119 m.
Música: Mychael Dana.
Fotografía: Jess Hall.

14 jun. 2014

CRÍTICA: Sólo los amantes sobreviven

SINOPSIS: Adam es un vampiro que está pensando en suicidarse. Su esposa Eve viene desde lejos para tratar de animarle. Y, entonces, aparece la infame hermana de Eve, Ava, de la que se han escondido durante 87 años..
 Decir que una película es de vampiros acarrea serios problemas porque cada espectador se crea unas expectativas diferentes. Desde el romanticismo de Crepúsculo al Drácula de Coppola, pasando por los clásicos en blanco y negro o rarezas como Déjame entrar, Byzantium, Somos la noche, cada cual tiene su estilo favorito y confía en reencontrarse con algo semejante.
Para no llevar a engaños bastan dos palabras: Jim Jarmusch. Es decir, diferente a todo. El personalísimo estilo del director toma a los vampiros como una excusa para hablar de sus inquietudes, de su concepción del mundo, de su perspectiva vital. Pero de modo liviano, juguetón, sin preocuparse demasiado por una profundidad que nunca ha pretendido. Como dice uno de los personajes en la película, le gusta mirar desde la distancia.
Jarmusch mira el mundo a través de sus vampiros. Pero podrían ser vagabundos, ricachones o cualquier otra cosa. Les deja moverse a su aire para que vayan hablando de música, de guitarras eléctricas, de literatura, de científicos...
Tom Hiddleston encarna convincentemente a Adam. Tilda Swinton a Eve. A él le gusta la música, el color negro, el aislamiento y vive en Detroit. A ella le gusta la literatura, los colores, sociabilizar y vive en Tánger. Es la depresión aguda de Adam, con idea de suicidio, la que les hace reencontrarse.
Como gran parte de las historias vampíricas, el tema de la soledad se convierte en el punto crucial. Lo original de Jarmusch está en que esa soledad de los vampiros se debe al modo en que los zombis destruimos la belleza del mundo. Adam no lo soporta más. No quiere contemplar cómo los humanos acaban sistemáticamente con las mejores cosas.
Y entonces aparece la misteriosa Ava (Mia Wasikowska), hermana de Eve. Los tres tienen una historia pasada y la aparición en sueños ya ha sido una premonición de lo que la infame hermanita puede suponer para la pareja.
Jarmusch puede parecer un tipo serio. Pero, en el fondo, en todas sus películas, hay una corriente de humor soterrado, irónico, que mira con simpatía al mundo y que no se toma en serio a sí mismo. Son especialmente divertidos esos encuentros entre Adam y el científico del hospital que le proporciona sangre. Pero también detalles como el de presentarnos a John Hurt como Marlowe (el verdadero escritor de Hamlet) o el ofrecernos esos helados de sangre con forma de polo, tan refrescantes.
Una película de Jarmusch bastante más asequible que otras del director, aunque eso no implica que sea comercial. Hay que habituarse a su calma, a su ritmo lento, a dejar que sean los protagonistas quienes vayan explorando su historia poco a poco.
Lo mejor: Su peculiar estética entre lo sofisticado y lo decadente.
Lo peor: Algún breve desvío narrativo que no aporta mucho a la trama.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Jiim Jarmusch.
Guión: Jim Jarmusch.
Intérpretes: Tilda Swinton, Tom Hiddleston, Mia Wasikowska.
País: Reino Unido, Alemania, Grecia.
Duración: 123 m.
Música: Carter Logan.
Fotografía: Yorick Le Saux.

CRÍTICA: Las dos caras de enero

SINOPSIS: Un americano, guía turístico y timador de poca monta, se encuentra con un matrimonio americano en apuros. Su aproximación a ambos le introduce en una trama criminal de la que no es consciente.
Las novelas de Patricia Highsmith se sustentan en las relaciones. Bajo la aparente historia policiaca lo que de verdad importa son los mecanismos psicológicos de sus personajes. Son criminales que se enfrentan a sus propio crimen, que en la búsqueda de una salida incorrecta acaban implicando a mucha más gente.
Eso, unido a finales abiertos o casuales o muy cotidianos, convierten sus historias en algo impredecible, muy alejadas de los resortes clásicos de las novelas policiacas. En realidad tienen más de intimistas que de acción y suspense.
Cuando Hitchcock filma Extraños en un tren acierta al distanciarse de la novela. Sabe que la prosa de Highsmith es inadaptable. Apegarse a la literalidad es el error de las sucesivas adaptaciones que se han realizado, incluida la presente película.
Las dos caras de enero tiene encanto mientras dura el misterio. Quién es quién es ese triángulo formado por un timador de poca monta, un gran estafador y la esposa del último.
Oscar Isaac es el timador que se siente atraído por el matrimonio formado por Viggo Mortensen y Kirsten Dunst. Las razones de ese acercamiento son complejas e interesantes: ve una figura paterna en él, un fuerte atractivo en ella, desea timarles y, al mismo tiempo, ayudarles en el lío en que están envueltos. Cuando quiere salir del embrollo ya es tarde.
Y justo entonces también es tarde para la película, que ya no logra remontar el vuelo. Cuando quedan aclaradas las posiciones de los tres, la trama se queda sin recursos para seguir adelante.
La obligatoria convivencia de los tres y la igualmente obligatoria demolición de las relaciones, se sustenta en el trabajo de los actores. Sin duda ponen todo de su parte. Pero el director, más allá de filmar los ambientes exóticos de Atenas, Creta y Turquía, no sabe muy qué hacer para lograr un relato dinámico.
Hay escenas aisladas que sí logran cierta tensión, especialmente cuando la policía se acerca a sus presas. Pero esa tensión desaparece inmediatamente después, sin lograr establecer una unión con las demás.
Finalmente, el director, apegado a un realismo innecesario, evita cualquier giro sorprendente, una vuelta de tuerca que pudiese sacar al guión de su rutina.
Una adaptación con poco alma. Las dos caras de este Jano tampoco parecen suficiente doblez, suficiente engaño, para encontrar la emoción o para que simpaticemos con los personajes.
Lo mejor: Los tres interpretaciones principales.
Lo peor: La insípida dirección de Hossein Amini.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Hossein Amini.
Guión: Hossein Amini sobre la novela de Patricia Highsmith.
Intérpretes: Viggo Mortensen, Kirsten Dunst, Oscar Isaac.
País: EEUU.
Duración: 100 m.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: Marcel Zyskind.

12 jun. 2014

NOTICIA:Savage Cinema confirma, para su segunda edición, el estreno europeo de "On Any Sunday: The Next Chapter"

Savage Cinema confirma, para su segunda edición, el estreno europeo de "On Any Sunday: The Next Chapter"
"On Any Sunday: The Next Chapter", dirigida por Dana Brown, es una exploración de la cultura de la moto y todas sus disciplinas: la pasión por la carrera y la excitación de montar en moto.

El director Dana Brown (Step Into Liquid y Dust to Glory) se une a su padre, el nominado a los premios de la Academia, Bruce Brown (Endless Summer  y On Any Sunday) para crear este nuevo retrato que cuenta con nombres como Marc Márquez, Mickey Rourke, Travis Pastrana, Roland Sands, Ashley Fiolek, Kenny Roberts, Dani Pedrosa y Scott Caan.

En 1971 On Any Sunday, protagonizada por Steve McQueen, llenó las salas de cine escribiendo una parte de la historia del motociclismo. Un film que trascendió el deporte y alcanzó una audiencia mundial  gracias  a sus protagonistas comprometidos y sus historias reales. Una absoluta obra de culto para los amantes de la cultura de la moto. On Any Sunday: The Next Chapter es un título clave para definir lo que es el cine de aventuras y deporte, un género que evoluciona conforme se rompen los límites de lo que se considera deporte de acción.

Para la imagen de esta edición Savage Cinema ha apostado por que la protagonista sea "Impostor", una de las motos obra del colectivo de artistas El Solitario, para transmitir una imagen radical, potente, salvaje, lejos de los tópicos o imágenes más recurrentes del género para hacer un guiño directo a la cultura de la moto.

Por esta misma razón Savage Cinema se alía con el joven y prestigioso evento de cultura de motos y surf Wheels&Waves, que arranca el 12 de junio en Biarritz. La noche del 13 de junio se estrenará el mini corto de Savage Cinema protagonizado por “Impostor” / El Solitario en el corazón del evento, el Faro de Biarritz. Y en septiembre todos ellos vendrán con sus motos al esperado estreno de On Any Sunday: The Next Chapter. 

Savage Cinema

Savage Cinema arranca su segunda edición con la ilusión de volver a sorprender dentro y fuera de las salas. Hasta el 16 de julio está abierto el plazo para la inscripción online de las películas con temática vinculada al deporte, aventura y naturaleza de cualquier género, que hayan sido producidas en el último año y quieran participar en la 62 edición del Festival de San Sebastián.

NOTICIA: El Festival de San Sebastián, Premio Alianza Francesa en Euskadi por su labor histórica de difusión de la lengua y la cultura francesa.

El Festival de San Sebastián, recibe el Premio Alianza Francesa en Euskadi por su labor histórica de difusión de la lengua y la cultura francesa.  

El director del certamen, José Luis Rebordinos, recogió el premio en Vitoria.
El 10 de junio por la tarde tuvo lugar el acto de entrega del Premio Alianza Francesa en Euskadi que este año ha sido concedido, por unanimidad, al Festival de Cine de San Sebastián. El director del certamen, José Luis Rebordinos, recogió el premio en un acto celebrado en el Palacio de Villasuso de Vitoria. El momento estuvo acompañado con la presentación de un video realizado para el Festival por Carlos Rodríguez, de Morgan Creativos, en el que se realiza un repaso a la amplia presencia de destacadas figuras de la cimetografía francesa a lo largo de su historia.




8 jun. 2014

NOTICIA: Disponible para su descarga el primer teaser tráiler del cortometraje de Mario Casas y Maria Valverde “A Lonely Sun Story”‏

 
Disponible para su descarga el primer teaser tráiler del cortometraje “A Lonely Sun Story”
 
Estimados compañeros:
 
Ya podéis descargar para su publicación online y emisión broadcast el primer avance del cortometraje de animación  “A Lonely Sun Story” que está protagonizado por María Valverde y Mario Casas.
 
 
El cortometraje se estrenará en otoño de 2014 y próximamente desvelaremos más detalles de su producción.
 
 
 

 
“A Lonely Sun Story” en los premios Goya.
 
Linda y Óscar, personajes animados interpretados por María Valverde y Mario Casas, aparecieron por sorpresa entre el público en la pasada Gala de los Premios Goya ante la sorpresa y perplejidad de los espectadores desde sus casas. En ALSS Mario Casas y María Valverde no sólo ponen sus voces e interpretación, además han “prestado su físico” para la creación de los protagonistas Óscar y Linda.
 
“A Lonely Sun Story” mezclará acción real y dibujos animados. Está producida por Forma Animada (Alfred & Anna, 30 años de oscuridad), Scope Producciones (En primer plano, Cupcake Maniacs ), y Frame Over (El vendedor de Humo)
 
Sobre “A Lonely Sun Story” sus directores solo quieren avanzar que -“Es una historia romántica de ciencia ficción, donde se mezclan el amor y la aventura”. Habrá que espera hasta otoño para ver el resultado final de esta producción, que se encuentra en plena producción. María Valverde y Mario Casas han participado activamente, inspirando a los animadores con sus brillantes interpretaciones, gestos, expresiones, voces y físico, para dar vida a Óscar y Linda.
 
“A Lonely Sun Story” es una producción animada protagonizada por María Valverde (La Flaqueza del Bolchevique, Exodus, La Carga) y Mario Casas (The 33, Las Brujas de Zugarramurdi).  Dirigida por Juanma Suárez y Enrique F. Guzmán con guión de Tessy Díez Martín y con música original de Roque Baños (Evil Dead, Oldboy) y temas originales de la Banda de Hard Rock The Electric Alley.  Producida por Enrique F. Guzmán (Forma Animada)Juanma Paz y Nacho Ribate (Scope Producciones) y Carlos Escutia ( Frame Over )
 
 
 

5 jun. 2014

CRÍTICA: Días de vinilo

SINOPSIS: Cuatro amigos. Han pasado toda su vida en Buenos Aires. Han pasado los años, sus sueños no se han cumplido como ellos esperaban, sus relaciones sentimentales han sido un desastre y, ahora mismo, se encuentran en un punto muy bajo.
Días de vinilo es una de esas películas argentinas que emergen desde la realidad para trazar un panorama universal. Es una historia romántica que podría haberse tratado desde el más puro cliché, de cualquiera de las mil maneras en que ya se ha tratado. Pero hay detrás una enorme trabajo que le eleva muy por encima del habitual cine romántico.
Gabriel Nesci escribe y dirige. Es un guión con una aparente naturalidad que sólo poseen los guiones muy elaborados, trabajados hasta el más mínimo detalle. La música es el ambiente en que se mueve la trama. Porque, siendo adolescentes, estos cuatro amigos recibieron una lluvia de vinilos procedentes de una ventana en la que se producía una ruptura sentimental.
Y ambas cosas les han marcado para el resto de la vida: la música... y ellas.
La voz que nos guía es la de Gastón Pauls (grandísimo papel), uno de esos cuatro amigos. Nos sitúa en la víspera de una boda, la de uno de los amigos que parece que finalmente dará el paso hacia la madurez.
A partir de ahí se demuestra una genialidad poco frecuente a la hora de hilvanar las tramas, de establecer conexiones y generar el lío de equívocos y confusiones. Y entran en juego las relaciones sentimentales y profesionales.
Hay mucho de melómano, bastante de cinéfilo y un poco de literario en los entresijos de esta trama narrada con mucho humor. Un humor inteligente en que no se puede desperdiciar ni una frase.
Nesci bebe de Frank Capra, de Billy Wilder, de Woody Allen. Pero no es un mero plagiador. Los utiliza como inspiración para dar forma a su particular visión. Es cierto que podemos encontrar rastros de los tres directores citados en muchas de las secuencias. Pero Nesci no les imita, los incorpora a su relato de modo personal, con un innegable deje argentino.
Tampoco se puede despreciar a los secundarios. El guión se ha esforzado por otorgarles vida. Véase por ejemplo el dependiente de la tienda de regalos de bodas. Aunque particular interés tiene la aparición de Yenni Orozco (colombiana-asiática), con las iniciales de la nueva Yoko Ono que parece destinada a volatilizar las relaciones de Los Hitles.
Nesci no sólo escribe bien. Compone algunos planos maravillosos como esa conversación en la barra donde se van congregando sucesivamente los protagonistas para dar rienda suelta a sus problemas. O de nuevo, los cuatro, en la tienda de discos.

Finalmente hay que citar los cameos de Leonardo Sbaraglia. Es una parodia a los caprichos de los actores. Pero funciona, al mismo tiempo, como un hilo que conduce la trama, como maestro de la vida: la acción, el amor, el miedo. Como si estableciese una serie de capítulos dentro de la estructura de la película, mostrando la relevancia de todos esos aspectos en la vida de cada persona. Y una nueva ocurrente aparición entre los títulos de crédito.
Una película alegre, nostálgica, vital. Muy hábil en su estructura y que, sin necesidad de un gran presupuesto, logra un enorme grado de empatía con el espectador.
Lo mejor: La habilidad para relacionar tramas.
Lo peor: No habría venido mal un poquito más de metraje para cerrar todas las tramas con calma.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Gabriel Nesci.
Intérpretes: Gastón Pauls, Fernán Mirás, Ignacio Toselli, Rafael Spregelburd, Inés Efrón, Emilia Attias, Maricel Álvarez, Akemi Nakamura, Leonardo Sbaraglia.
Guión: Gabriel Nesci.
País: Argentina.
Duración: 120 m.
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro.
Música: Gabriel Nesci.

1 jun. 2014

CRITICA: Maléfica


 MALEFICA
 
No creas todo lo que dicen los cuentos de hadas

Sinópsis:

Maléfica es una bellísima joven con un corazón puro y unas asombrosas alas negras. Crece en un entorno idílico, un apacible reino en el bosque, hasta que un día un ejército de invasores humanos amenaza la armonía del país. Maléfica se erige en la temible protectora de su reino, pero al final es objeto de una despiadada traición que endurecerá su corazón hasta convertirlo en piedra.
 

Crítica / texto:


En lo que ya parece haberse convertido en un hábito y al mismo tiempo una elección paradójica, una gran productora de Hollywood escoge a un director novel para llevar sobre sus hombros la responsabilidad de una cinta que se espera que sea un pepinazo de taquilla. Un caché más bajo y una mayor docilidad a las indicaciones de los productores. Se consideró a Tim Burton por el ambiente que se pretendía lograr, pero nl llegó a cuajar. Conviene no olvidar que Angelina Jolie no es sólo actriz en esta cinta, sino productora ejecutiva. Si ha actuado como su media naranja hizo en “Guerra Mundial Z” habrá condicionado mucho el desarrollo del guion, aún más al haber incluido en la producción a su hijita de 5 años, Vivienne.
 

En nuestro caso Robert Stromberg es el director escogido. Si bien es su primer trabajo como director tiene una extensa, más de 90 participaciones en el departamento de efectos visuales, y muy reconocida carrera. Entre otros premios ostenta dos galardones y una nominación a los Oscar, varios premios Emmy y un premio BAFTA. El género de ficción no le es extraño (“Sly capitán y el mundo del mañana”, “Piratas del Caribe. En el fin del mundo”, “Avatar”, “Abierto hasta el amanecer”), ni tampoco las adaptaciones para adolescentes de novelas juveniles y cuentos infantiles (“Oz, un mundo de fantasía”, “Alicia en el país de las maravillas”, “La brújula dorada”, “Los juegos del hambre”). Diríamos que en algunos ambientes de este trabajo tenemos notables reminiscencias de “El Laberinto del Fauno”, en la que participó.
 
 
Como también se está convirtiendo en costumbre, a un director bisoño lo arropa un equipo muy experimentado. Podemos nombrar a Dean Semler (“Bailando con lobos”,” Apocalypto”) como director de fotografía, uno de los puntos muy fuertes de esta cinta, a David Allday (“La leyenda del samurai”, “Robin Hood”, “Charlie y la fábrica de chocolate”) como director artístico o a Vince Abott (“Gravity”, “Blancanieves y la leyenda del cazador”, “Charlie y la fábrica de chocolate”) en los efectos especiales. La música de James Newton Howard compone finalmente el broche ideal a la película. No en vano es un activo compositor que ha participado en cintas para adolescentes (“Los juegos del hambre”, “los juegos del hambre: En llamas”) y la ficción de cierto carácter oscuro (“After earth”, “El caballero oscuro”, “Blancanieves y la leyenda del cazador”). En el apartado musical no podemos olvidar un guiño juvenil de Angelina Jolie, el tema “Once Upon a Dream” de Lana del Rey forma parte de la banda sonora de esta película y fue elegido personalmente por ella.
 
 

En esta película a Angelina, debido al maquillaje y a las prótesis faciales, se la ve tan exageradamente delgada y blanca que se diría que antes que Maléfica estaría mala y élfica. Su personaje lleva todo el peso de la película. Es  una bruja, mala y muy mala, pero con una profundidad muy superior a las brujas que hemos conocido. Se trata de una bruja con causa. No sólo ha sido traicionada y su bondad trasformada en oscuridad, sino que actúa en defensa de su mundo. No actúa por la ridícula y pura maldad de los cuentos infantiles, hace lo que tiene que hacer. Elle Fanning, hermana de Dakota, interpreta a Aurora y es el contrapunto de bondad y pura inocencia. Y entre los personajes, tres que desentonan, las hadas buenas son melifluas de modo ridículo en una historia oscura, uno se alegra del mal trato que les da Maléfica.
 
 
En definitiva, una versión más adulta de La Bella Durmiente, orientada a un público adolescente que busca narraciones tradicionales pero adaptadas a su gusto. Que nadie se confunda y lleve a los niños.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Robert Stromberg
  • Guión: Paul Dini, Linda Woolverton (Basada en cuentos de los Hermanos Grimm, Charles Perrault y Giambattista Basile)
  • Intérpretes: Angelina Jolie, Elle Fanning, Brenton Thwaites, Sharlto Copley, Sam Riley
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 97 minutos
  • Música: James Newton Howard
  • Fotografía: Dean Semler

Trailer:

Síguenos también en Twitter y Facebook
Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Powered by Blogger