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27 nov. 2014

París-Manhattan

SINOPSIS: Alice Ovitz. Tiene una farmacia, el tiempo pasa y no se casa. Su obsesión, su guía vital, su gurú es Woody Allen.
Los estrenos de Woody Allen en Estados Unidos no son estrenos generales. Comienzan en unas pocas salas y, si prosperan (las menos veces), van aumentando el número de copias.
Pero en Francia es otra cosa. El público francés adora a Woody Allen, cosa con la que él ironizaba en Un final made in Hollywood. Así que no es extraño que esta película venga de la mano de una directora francesa. En cierto modo era algo que tenía que ocurrir más pronto o más tarde.
Alice, en su farmacia, prescribe películas. De Lubitsch, de Woody Allen... Sobre todo de Woody Allen. Una crítica a Manhattan la contempla como un crimen. Sus padres, hermana y cuñado se empeñan en que se case. Pero el tiempo pasa hasta que un día conoce a Víctor. Él instala alarmas y jamás ha visto una peli de Woody Allen. Y también conoce a Vincent.
La película es un homenaje desatado al cine de Woody Allen. Más que un homenaje es casi una tesis. El problema de fondo está en que quiere ser una película como las de Woody Allen pero le falta su mismo genio. O tal vez es que, en el fondo, los franceses no pueden renunciar a eso de lo que hablan la mayoría de las películas francesas: los valores morales de la burguesía liberal parisina.
Teóricamente Woody Allen conjuga bien con esas ideas, más aún si se escoge a una familia judía como protagonista. En la práctica, el salto se revela imposible. París y Manhattan son dos esquemas bien distintos, dos formas muy diferentes de ver la vida. Los accidentes son semejantes, la sustancia no.
Sophie Lellouche se esmera en que todo esté ahí, la música, el jazz, Cole Porter, el atraco surrealista a la farmacia, el registro en casa de la hermana y los secretos de familia. Los líos son los líos. Pero no la forma de resolverlos. Woody Allen y Sophie Lellouche tienen diferentes culturas y si el primero los resuelve (de múltiples formas locas), la segunda los deja estar. Los líos son líos y ahí quedan. Liberalismo burgués: vive y deja vivir. Y eso anula toda posibilidad de tensión dramática.
Es el trabajo de Victor, ese instalador de alarmas que también sabe un poco de cerraduras, el que propicia el giro final. Sorprendente, sí, pero excesivamente abrupto. Porque en el fondo no hemos acabado de entender bien a Alice, su pertinacia en la soltería, su soledad. Y, por tanto, tampoco entendemos ese cambio tan abrupto dirigido a un final feliz.
En cualquier caso una película ligera dirigida a  todos los fans de Woody Allen, sabiendo que es Woody Allen, pero un poco menos.

Lo mejor: El momento en que Victor logra abrir la puerta del hotel.
Lo peor: Trata de lo que tratan la mayoría de las películas francesas.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Sophie Lellouche.
Guión: Sophie Lellouche.
Intérpretes: Alice Taglioni, Patrick Bruel.
País: Francia.
Duración: 74 m.
Música: Jean-Michel Bernard.
Fotografía: Laurent Machuel.

26 nov. 2014

NOTICIAS: PRÓXIMO ESTRENO DE EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS

LA ESPERA LLEGA A SU FIN


                El próximo 17 de diciembre es estrena en España el esperado final de la nueva y dilatada trilogía de Peter Jackson sobre El Hobbit. La película promete ser un espectacular final donde veremos a un Thorin (Richard Armitage) ambicioso que solo quiere el tesoro para él, un Bilbo (Martin Freeman) astuto que tiene que tomar una dura decisión para solucionar el conflicto de intereses en el que se halla inmerso y, por supuesto, el desenlace con el Dragón Smaug en la Ciudad Del Lago donde se encuentran Bardo (Luke Evans) y su gobernador Esgaroth (Stephen Fry); pero el plato principal será la singular batalla que da nombre al título con una duración de 45 minutos en el que razas tan dispares como la elfa, la enana y la humana tendrán que tomar la decisión de aliarse (o no) ante la inminente llegada de un descomunal ejército de orcos enviados por la mayor fuerza tenebrosa que ha vivido Tierra Media jamás: el resurgir de Sauron

                Contrariamente a lo que pasó con la saga de El Señor de los Anillos, La lei motiv de toda la trilogía desde la primera película ha sido su alargamiento en la trama, la historia y hasta la propia factura de filmación. En un principio esta tercera película no tendría que haber existido ya que se planteó como un díptico pero en el último momento, Peter Jackson decidió introducir metraje adicional para convertirla en la trilogía actual. Desde el momento en que un libro de 300 páginas se concibió en dos (o tres películas como al final han sido) era evidente que habría muchos capítulos de relleno, pero aun así no sería suficiente por lo que también se optó por añadir pasajes enteros nuevos que apenas salen referidos en el libro y la inclusión de personajes que en el relato de Tolkien ni aparecen. Es el caso Del Orco Blanco Azog El Profanador (Manu Bennett) o el Mago Radagast El Pardo (Sylvester McCoy) que ya aparecen desde El Hobbit: Un Viaje Inesperado. O la elfa Tauriel (Evangeline Lilly) y la propia presencia de Légolas (de nuevo Orlando Bloom), (no contemplada en el libro original) que pudo verse en El Hobbit: La Desolación De Smaug. No obstante, estas inclusiones, pese a que puedan parecer sacrílegas para los fans del escritor surafricano y la obra original, están muy bien insertadas en la historia y vienen a completarla mostrando nuevos matices y una visión más amplia de los acontecimientos anteriores al Señor de los Anillos que pueda servir de nexo entre ambas trilogías y a la vez profundizar en el vasto universo Tolkiniano.


                Curiosamente, esta tercera película ha sido la que más cambios ha sufrido ya desde el inicio que, como se ha mencionado, no estaba ni ideada. Su título original iba a haber sido El Hobbit: Partida Y Regreso parafraseando a uno de los capítulos finales del libro pero sería Peter Jackson el que cambiara finalmente el titulo por el actual para hacerlo más comercial y darle más relevancia a la batalla central de la película. La fecha del estreno también se varió: en un inicio se pensó estrenar en julio pero se retrasó a navidades para no hacerlo coincidir con otros blockbusters como X-Men: Días Del Pasado Futuro así como conseguir un paralelismo con las fechas de estreno de la trilogía original.

                ¿Qué se puede esperar de esta tercera entrega? por lo pronto un menor metraje que sus predecesoras no llegando a superar las escasas 2 horas y media de metraje (las anteriores duran 169 y 161 minutos) pero no por eso va a significar que la historia vaya a quedar mermada. No solo contará con el desenlace final de tan épica aventura sino también con historias apócrifas (escritas o no por Tolkien… o simplemente insinuadas que en la imaginación de Jackson cobrarán vida para la pantalla) como el Concilio Blanco, la épica batalla entre Gandalf (Ian Mckellen) y el Nigromante de Dol Guldur o acontecimientos posteriores que sirvan de nexo entre lo vivido por Bilbo Bolsón y lo que le acaecerá a su sobrino Frodo en El Señor de los Anillos que serán añadidos por los guionistas de la película ya que en el libro original tal vínculo no existe.


                De obligado visionado para ver culminada la opera magna de Peter Jackson, esta tercera película viene a ofrecer al espectador lo que ya ofreció El Retorno Del Rey en la anterior trilogía: un despliegue técnico y una batalla inmensa así como un colofón final a la historia. Será la guinda para un pastel que ya se empezaba a hace largo y pesado por su excesiva dilatación y relleno pero que, aun así, el buen hacer del cineasta neozelandés ha sabido convertirlo en un regreso a la Tierra Media más que digno y espectacular. Para los incondicionales de Tolkien, si ya les pareció aberrante las anteriores películas (y, por ende, la anterior trilogía que, curiosamente, es criticada precisamente por lo contrario: ser demasiado sucinta y haber suprimido personajes y pasajes enteros de los libros originales… si es que si nos atenemos a una regla de tres básica, si el libro de El Hobbit ha dado para tres películas, ¿ la trilogía de El Señor de los Anillos debería haber tenido nueve películas?) esta tercera no se va a quedar atrás. Pero humildemente opino: las adaptaciones rara vez son fieles a las fuentes originales por lo que vayan al cine sin ideas preconcebidas y déjense llevar por la magia, espectacularidad y hasta elementos sorpresivos que pueda aportarnos el director.

25 nov. 2014

ARTICULO: MORTADELO Y FILEMON, DEL COMIC A LA PANTALLA




Sin lugar a dudas, de todos los personajes creados por el genial Francisco Ibáñez los personajes más queridos y famosos (incluso internacionalmente, destacando el público alemán) son Mortadelo y Filemón. Su creación se remonta a 1958 para la revista Pulgarcito con el nombre "Mortadelo Y Filemón, Agencia De Información" y fue concebido como una parodia de Sherlock Holmes Y El Dr. Watson. Por aquella época Filemón lucia chaqueta y sombrero de felpa y fumaba pipa y Mortadelo llevaba paraguas y un bombín de donde salían sus característicos disfraces.  Sus historietas eran cortas y siguiendo siempre el mismo esquema: presentación de un caso o misterio para nuestros detectives, un fatal equivoco que desemboca en el consabido e inevitable fracaso final de la misión y en una persecución del cliente hacia los protagonistas


                A partir de 1969 aparecen las historias largas de 44 páginas siendo la primera El Sulfato Atómico donde la influencia de las historias de espías  la época hace aparecer la T.I.A como parodia de la CIA y Mortadelo y Filemón se convierten en agentes secretos a las órdenes del Superintendente Vicente aunque su incompetencia, torpeza y chapucería siguen intactos. Y desde esa fecha hasta la actualidad el genio de Ibáñez ha ido creando situaciones a cada cual más disparatada y tronchante para sus protagonistas aprovechando, en los últimos tiempos, hasta los acontecimientos históricos y sociales que se están viviendo.


                El mundo del cine y la televisión no permanecería ajeno a tal derroche de genialidad y entre 1965 y 1970 se quiso hacer una serie de televisión aprovechando las historias breves de nuestros protagonistas. Estudios VARA se encargaría de producirlos pero, al no poder soportar las exigencias del medio seriado, se convertiría en una serie de cortometrajes que serian compendiados en el I y II Festivales De Mortadelo Y Filemón y al que se le añadiría una tercera cinta ya con formato de largometraje: El Armario Del Tiempo. No sería hasta 1994 cuando viéramos una serie completa de las aventuras de Mortadelo y Filemón inspiradas en las historias largas editadas en la Colección Magos Del Humor. Vendrían de la mano de BRB Internacional y Antena3 y contaría con 26 episodios pero la animación y la calidad de la serie no serían buenas (y una canción de cabecera nefasta) y viendo la poca aceptación popular se acabó por cancelar el proyecto.



                En el 2003 se acometería la primera incursión de nuestros agentes preferidos al mundo cinematográfico: La Gran Aventura De Mortadelo Y Filemón de la mano de Javier Fesser y con Benito Pocino interpretando a Mortadelo y Pepe Viyuela como Filemón. La película, si bien si supo plasmar la estética de los comics de Ibáñez, ese humor absurdo y la caracterización de los personajes era soberbia, no se puede decir lo mismo de  la esencia y trasfondo de los comics pues, si bien en las viñetas el humor es sencillo, noble e inocente, el film será más basto y soez con unos giros de guion que no gustarían a los fans más acérrimos. No obstante fue un autentico éxito de taquilla pudiéndose considerar una de las películas más taquilleras del cine español con 22,8 millones de euros de recaudación. Eso invitaría en 2008 (aprovechando los 50 años de los personajes) a hacer una secuela: Mortadelo Y Filemón: Misión Salvar La Tierra. El único que repetiría seria Pepe Viyuela (aparte del elenco de secundarios) puesto que Miguel Bardem sustituiría a Fesser en la dirección y Eduardo Soto a Benito Pocino en el papel de Mortadelo. Si bien la película resulta divertida y correcta, tiene menor calidad que su predecesora y eso también se hizo notar en la taquilla no llegando a cubrir las expectativas creadas.


                En este año, el cine le vuelve a dar una tercera oportunidad a estos personajes. Mortadelo Y Filemón Contra Jimmy El Cachondo se estrena este próximo 28 de noviembre y lo hace con cambios significativos. en primer lugar vuelve Javier Fesser a la dirección pero el más importante es que la diatriba entre quien interpretaría a los personajes queda zanjada puesto que se ha optado por la animación digital 3D aprovechando el momento dorado que tiene el sector con éxitos como Planet 51 (2009) O Las Aventuras De Tadeo Jones (2012). Con ello se puede dar aun más rienda suelta  al mundo disparatado e histriónico creado por Ibáñez ya que el ordenador da una libertad compositiva total. Asimismo se espera que se retome el humor inocente y festivo para un público juvenil-adulto de los comics originales. por lo pronto en los thrillers ofrecidos parece que así será. La historia es original para la película no extraída de ningún cómic previo (es más, se está preparando su versión en papel) y nos sitúa en una situación de caos cuando el mundo recibe un ataque a escala de un gas que hace que nadie pueda dejar de reír. Este ataque viene orquestado por el maleante Jimmy El cachondo que, además, tiene cuentas pendientes con la T.I.A. Esta última, se ve en la coyuntura de contar con los servicios de los inefables Mortadelo y Filemón para salvar la situación... o, dado su trayectoria de catastróficos fracasos, puede empeorar aún más.
Desde aquí deseamos un buen éxito a esta nueva andadura de estos entrañables personajes por el mundo cinematográfico ya que todos estos años de risas, buen humor, y diversión de grandes y pequeños bien lo merece. y quien sabe, si cosecha buenos datos de taquilla hasta podamos ver Mortadelo y Filemón 4; por material y comics de F. Ibáñez no será

22 nov. 2014

Nunca es demasiado tarde

SINOPSIS: Mr. May se encarga de busca a  parientes de difuntos que no han sido reclamados por nadie. Su trabajo es eficiente y su vida discurre con asumida monotonía.
Gente muerta que muere sola. Y les investiga un hombre vivo que vive solo. Dedicado buscar parientes de esos muertos, la existencia de Mr. May es tan gris como cabe imaginar. Monótona, sin sobresaltos, rutinaria, sometida a un voluntario sistema metódico.
Los primeros planos se encargan de mostrarnos esa rutina. Su asistencia a un funeral católico, a uno ortodoxo, a uno protestante. Papeleo en la oficina, llamadas de teléfono, la manzana que toma de almuerzo, la cena solitaria con los cubiertos alineados con rigurosa precisión. Y eso sucede un día y otro día.
Leves cambios, algunas alteraciones, parecen indicar que él está abierto al cambio, aunque su laconismo indique que él mismo no es consciente de ello.
Y de pronto, en el mismo día, ocurren dos cosas sorprendentes: el cadáver que debe investigar es el de su vecino de enfrente y le anuncian su propio despido para centralizar oficinas y ahorrar gastos.
Así que Mr. May decide investigar de un modo más especial a ese finado empleando los últimos días que le quedan de trabajo.
Cine minimalista centrado, ante todo, en el análisis psicológico de un personaje en una profesión poco común. Uno de los personajes se lo hace notar. Pero el ama su trabajo. También es una muestra de un trabajo bien hecho.
En la investigación de la vida pasada del vecino fallecido, nuestro protagonista va a encontrarse con personajes singulares, otras vidas extrañas y a la vez muy comunes.
También conocerá a la hija del fallecido. Y la puerta hacia una posible relación se abre.
Pero esta película lo es todo en su final. Ahí todo adquiere sentido y entendemos por qué fue necesario seguir a Mr. May en todo su periplo. Un final sorprendente que aúna coherencia, tragedia, comedia, trascendencia. Y obliga a reflexionar sobre la importancia de nuestro trabajo, la relevancia de nuestros proyectos, el modo en que una vida anónima afecta a muchas otras personas. Al igual que en Las consecuencias del amor, es el cambio de hábitos lo que provoca unas consecuencias inesperadas, pero la vida pasada ahí queda. Nuestros actos como huellas imborrables.
Gran trabajo de Eddie Marsan, casi impasible, pero controlando la gestualidad cada vez que es necesario mostrarle algún sutil sentimiento al espectador.

Lo mejor: Su final.
Lo peor: En unas pocas ocasiones la calma narrativa no está justificada.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Uberto Pasolini.
Guión: Uberto Pasolini
Intérpretes: Eddie Marsan, Joanne Froggat.
País: Reino Unido, Italia.
Duración: 92 m.
Música: Rachel Portman.
Fotografía: Stefano Favilene.

Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 1

SINOPSIS: Katniss Everdeen se encuentra en el Distrito 13, supuestamente desaparecido. Allí los ciudadanos son soldados y han estado esperando el momento oportuno para iniciar la rebelión.
El gran riesgo de Los juegos del hambre en su versión cinematográfica, que no literaria, es el obligado cambio de género.
Las dos primeras películas pertenecían, por su propia naturaleza, al género de aventuras, más próximo a  un público adolescente. Las dos siguientes entregas, de las que la presente es la primera, deben derivar hacia el cine bélico, que tradicionalmente se asocia a un público más joven y adulto.
Podríamos añadir un segundo riesgo ya que, al dividir las dos últimas películas, la actual se centra, sobre todo, en la guerra lejos de las trincheras, en la información y en la desinformación, en las campañas publicitarias contra el enemigo y en los anuncios para alentar a los propios aliados.
Francis Lawrence se ve obligado, por tanto, a construir una película de tono marcadamente político, bien distinta a las anteriores, que puede hacerle perder una parte del público: el más joven.
Hay que reconocer que hay mucho esmero tras la cámara y que el drama tiene fuerza gracias a la profundización psicológica en los personajes. Ayuda a ello un buen reparto. Claro que, si metes en la misma sala a Jennifer Lawrence, Julianne Moore y el difunto Philip Seymour Hoffman, no necesitas ni guión. Ellos solos se encargan.
Es una buena película que trata de convertir los riesgos en oportunidades. Ahora bien. Es innegable que, como película de enlace, tiene un algo de superfluo y que tanto discurso puede agotar.
Si se busca acción, el público quedará defraudado. La película sorprende, precisamente, por la carencia de ella. Se interesa más en acentuar las ciudades destruidas, los crímenes de guerra, la épica aislada de hombres y mujeres que mueren para que sus descendientes tengan una oportunidad de libertad.
Katniss Everdeen sigue evolucionando, descubre en ese hospital en qué se ha convertido y asume su papel con decisión pero con cuidado. No acaba de fiarse del todo de esa presidenta y de esos militares. La obediencia ciega está muy bien para un ejército que debe lanzarse ciegamente a la muerte. Pero no parece una opción civil.
De modo que si, desde el punto de vista cinematográfico, asienta bien las bases para la cuarta entrega, quizá no es lo que esperaban sus seguidores.

Lo mejor: La profundización psicológica en los personajes.
Lo peor: Que lo mejor que tiene aleje de las pantallas a parte del público.

Ficha técnico-artística:
Dirección: Francis Lawrence.
Guión:Peter Craig, Danny, Danny Strong
Intérpretes: Jennifer Lawrence, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth.
País: EEUU.
Duración: 123 m.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Jo Willems

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