Locoporelcine.com, tu revista de cine online en la que encontrarás: críticas de cine, entrevistas, reportajes, opiniones sobre series de televisión. ¡Mucho cine!

14 abr. 2017

ESTRENO TRAILER STAR WARS LOS ÚLTIMOS JEDI

En el marco del "Star Wars Celebration" que tiene lugar estos días en orlando, Disney acaba de desvelar el teaser trailer de la que será la nueva pelicula de Star Wars. LOS ÚLTIMOS JEDI. Disfrutadlo!

ACTUALIZACIÓN: Se añade el Teaser Poster






13 abr. 2017

LIBROS DE CINE - JARDÍN DE INFANCIA, El cine de terror y los niños -

No hay nada más sobrecogedor y terrorífico en imagen que un niño mirando a la cámara fijamente, perdido, sin palabras ... ¿Es malo? ¿Es bueno? ¿Es una víctima o un actor del mal? Y es que, el Séptimo Arte se ha recreado, desde antes del sonoro, en la infancia, sus pequeñas ilusiones, sus miedos, sus mentiras y, por qué no decirlo, su maldad. Los niños han sido en el cine protagonistas principales en historias de terror, sobrenaturales, psicológicas, de ciencia ficción, transportándonos como nadie a lugares fuera de nuestros estrechos límites.

Portada del libro

Pocas imágenes suscitan tanta inquietud como la de un niño en una película de terror. Esas subversión de los roles, el asignar a un ser puro e inocente esa pátina de maldad es algo que universalmente, tanto dentro como fuera del cine, ha producido temor. La cultura popular ha contado con decenas de estos tiernos infantes desde hace siglos. Ya desde los cuentos clasicos, donde unos aparentemente inocentes Hansel y Gretel acababan empujando a la bruja dentro del horno, hasta las apariciones espectrales del filme Sinister y su secuela. Novelas, cine, videojuegos, cómics, este arquetipo universal ha transitado por todos los soportes posibles. El escritor José Vicente Rojo pone su ojo analitico en el septimo arte en su libro "Jardín de infancia, el cine de terror y los niños" y de forma amena y concienzuda nos descubre unos cuantos de estos "enfants terribles" de la gran pantalla. 

Pero no solo encontraremos infantes aterradores. El libro tiene una amplia visión del rol del niño en el cine de terror. Alterna entre cintas en las que la presencia del niño es mas bien sugerida como una mera excusa que sirve para el avance de la trama como en Al final de la escalera y otras en las que es la victima inocente como en La Mano que mece la cuna o la trilogía de Poltergeist. Se centra en filmes donde son los villanos de la función como la recordada Quien puede matar a un niño de Ibáñez serrador, El buen hijo o Los chicos del maiz. Pero también ahonda en aquellos filmes ya de cuño mas sobrenatural como The Ring, el clásico indiscutible de Friedkin, El Exorcista, o El Pueblo de los malditos, una de las cintas de John Carpenter que suelen pasar más desapercibidas. Se centra en todas las épocas del cine y tiene el acierto de fijarse, por lo general, en filmes notables que llevaran al lector a redescubrir ciertas cintas bajo otra perspectiva después de haber leído sobre ellas en el presente volumen. 

Linda Blair, como regan, en El Exorcista (1973)

Cada una de las 44 películas que componen el volumen se articulan de una manera idéntica. Una sinopsis de la película seguida de un apartado que detalla la presencia de niños en la cinta y el rol que estos desempeñan en el argumento. Continua un comentario crítico del autor analizando la cinta bajo su punto de vista y se cierra cada análisis con una completa filmografía del director citado. Esto permite poder leer el libro de manera pausada, a trozos, pudiendo husmear entre las decenas de películas reseñadas de manera independiente. Cada uno de los 44 filmes ocupara entre cinco y siete páginas dentro de la guía, lo cual permite dar la suficiente informacion al lector sin dejarse absolutamente nada en el tintero.

Haley Joel Osment en El Sexto Sentido.

Jardín de infancia: El cine de terror y los niños sirve de guía crítica y puede leerse como tal sin ningún problema. Pero cuando realmente le sacaremos jugo es cuando usemos el libro a modo de cuaderno de campo a la hora de elegir uno de los 44 filmes que en él se diseccionan. Podremos o no coincidir con la opinión del autor -es algo que realmente no importa-, pero tendremos un comentario critico sobre el que vertebrar el visionado de manera mas objetiva. En el libro no están todas las que son y quizás falten títulos esenciales de la época dorada del Hollywood o títulos de ciertas productoras de serie B clásicos, pero recoge producciones de todas las épocas que permiten al lector adquirir una visión amplia del tema. 

Ficha técnica

  • Autor: José Vicente Rojo
  • Páginas: 318
  • Editorial: Tebar Flores
  • Idioma: Español
  • Formato: Tapa Blanda

Web

El Festival de Cannes presentará los dos primeros episodios de la nueva entrega de la serie "Twin Peaks" de David Lynch.


Según adelante EFE, El Festival de Cannes presentará en su 70 edición los dos primeros episodios de la nueva entrega de la serie "Twin Peaks", de David Lynch.

El delegado general del Festival, Thierry Frémaux, anunció hoy el estreno de este avance de una de las series más esperadas del año y que formará parte de los eventos especiales de una edición de aniversario del festival francés, que se celebrará del 17 al 28 de mayo.



Es el regreso de una serie que se estrenó en 1990 y que supuso una revolución en la producción de ficción televisiva.

Kyle MacLachlan, Sheryl Lee o Mädchen Amick son algunos de los intérpretes que repetirán los personajes que les hicieron famosos hace más de 25 años y que se volverán a ver las caras en una serie que tiene previsto su estreno en las televisiones el 21 de mayo.

¿Tenéis ganas de regresar a Twin Peaks?



10 abr. 2017

Thor: Ragnarok - Trailer de la nueva película del Dios del Trueno



Nuevo look para el Dios del Trueno


Hace escasos minutos Marvel ha liberado el trailer de la que será la tercera incursión del Dios del Trueno en el celuloide: Thor Ragnarok. Dirigida por el cineasta Taika Waititi, responsable de la estimulante "Lo que hacemos en las sombras" y de la reciente "A la caza de los ñumanos" muestra un cambio de registro total respecto a sus correctas predecesoras. Con un aire decididamente mas pulp y despreocupado el trailer adelanta la presencia de personajes que se suman a la saga y de otros viejos conocidos del universo marvel que se unen a la fiesta. 

Hulk, la aparición sorpresa del trailer


Con Chris Hemsworth repitiendo como Thor y Tom Hiddleston de nuevo como Loki, vemos ademas a Cate Blanchett como la enigmática villana Hella, Jeff Goldblum en el papel del Gran Maestro a a Tessa Thompson como Valquiria. Como as escondido bajo la manga vemos a Mark Ruffalo, en su mas que popular papel de Hulk en un rol muy similar al que mostraba en la saga de papel "Planet Hulk".



4 abr. 2017

TAXI DRIVER - EL ORIGEN DE UN GUIÓN IRREPETIBLE

Poster promocional de Taxi Driver (Sony Pictures)


A principios de los años 70 el guionista Paul Schrader estaba sumido en una profunda depresión inducida por el fracaso de su primer guión y la ruptura de su matrimonio. Inmerso en una espiral autodestructiva, el aspirante a guionista, pasaba las noches deambulando borracho con su coche por la ciudad de Los Ángeles. Cuando todos los bares ya habían cerrado él seguía conduciendo hasta caer rendido de agotamiento. Tras un ingreso de urgencia en el hospital, que casi le cuesta la vida, supo que había tocado fondo y que era hora de empezar de cero. Después de recibir el alta, se puso a escribir, de manera frenética y a modo de catarsis personal, lo que sería el guion de la película Taxi Driver. Un ejercicio terapéutico en el que exorcizó sus demonios personales plasmándolos sobre un papel.

Schrader supo retratar en aquel libreto como pocas veces se había visto en la gran pantalla la esencia del antihéroe existencialista. Construyó una historia sobre el aislamiento y la enajenación en el mundo moderno. El taxista como máximo exponente de persona que aun tratando con cientos de pasajeros cada día es incapaz de paliar su soledad. Una ventana abierta al alma torturada de un ser afligido en un viaje sin retorno a la locura. Usando la escritura como instrumento de curación había creado un icono del siglo XX. Un personaje que, bien podría decir, era parte de él mismo. 

Schrader (Izqda) Scorsese (centro) y DeNiro (dcha) en el rodaje de Taxi driver

Habiendo reconducido su vida y su carrera, Schrader se hallaba inmerso en un reportaje periodístico sobre el director Brian de Palma. En uno de sus encuentros le entregó al realizador el guion de Taxi Driver. De Palma no se mostró interesado en dirigirlo, pero le dio el libreto a su vecino, el productor Michael Philips y a un joven director amigo suyo llamado Martin Scorsese. El joven director italoamericano se mostró fascinado por la historia de Schrader y le expresó su deseo de dirigirla. Philips, reacio antes la idea de que un perfecto desconocido se pusiera al frente de aquel proyecto, se opuso. Para intentar convencerle Scorsese le invitó a un pase previo de su filme “Malas Calles”. Al instante Philips supo que el director neoyorkino debía dirigir Taxi Driver y que aquel joven actor, Robert DeNiro, coprotagonista de la cinta, debía protagonizarla.

El éxito fulgurante en las carreras de Scorsese y DeNiro, quien ganó un Oscar por su labor en El Padrino 2 (1974), retrasó el proyecto cinco años por problemas de agenda. Aquel talentoso grupo de desconocidos se habían convertido en grandes estrellas. Pero su compromiso con aquel guión seguía intacto. El talento y la particular visión tras la cámara de Martin Scorsese hicieron del proyecto una obra maestra. Una de las cintas más relevantes del séptimo arte que cuatro décadas más tarde sigue siendo aplaudida. El tiempo dio la razón a Philips y Scorsese. Taxi driver arraso en taquilla y se hizo con la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cannes de 1976. Lo demás, como suele decirse, es historia.

Deniro y Scorsese en pleno rodaje del filme.


Como regalo por estas cuatro décadas Sony Pictures ha puesto a la venta hace escasas semanas la edición definitiva de esta obra maestra en formato Blu-Ray. Compuesta por dos discos, uno de ellos dedicado íntegramente a material extra, presenta un sonido e imagen restaurados a partir de un master 4k.  Además de las horas de contenidos extra, el Blu-Ray contiene un debate inédito de 40 minutos que tuvo lugar en el Festival de Cine Tribeca de 2016. Más de media hora en la que Martin Scorsese, Paul Schrader, y el plantel protagonista desgranan este filme irrepetible cuarenta años después de su estreno. 

El elenco de la cinta, 40 años después. 

3 abr. 2017

NUEVO Y ESPECTACULAR TRAILER DEL REBOOT DE LA MOMIA CON TOM CRUISE

Ya está disponible en calidad HD el nuevo tráiler en español de LA MOMIA, nueva y espectacular versión cinematográfica de la leyenda que ha fascinado al mundo desde su estreno original en 1932 dirigida por Karl Freund y protagonizada por un inolvidable Boris Karloff. Esta nueva versión, dirigida por Alex Kurtzman y protagonizada por Tom Cruise, se estrenará el próximo 9 de junio en España. De momento el trailer promete buenas dosis de acción y una visión innovadora de esta historia universal.

Poster de la nueva adaptación de La Momia


Para completar el reparto, se unen a Tom Cruise intérpretes de la talla de Annabelle Wallis (el próximo estreno Knights of the Round Table: King Arthur, la serie "Peaky Blinders"), Jake Johnson (Jurassic World) y Courtney B. Vance (la serie "American Crime Story: The People Versus O.J. Simpson"). Y el ganador de un Oscar Russell Crowe (Gladiator).





1 abr. 2017

MORDIENDO LA VIDA - CRITICA Y RESEÑA DVD -

Tras su salida de la cárcel, Rodolfo, un delincuente de poca monta, es requerido por el jefe del lumpen local para que lleve a cabo un ajuste de cuentas en su nombre. El ambiente de violencia y prostitución de la ciudad no tardará en arrastrarlo a una espiral de crimen. 30 años después de su estreno, Mordiendo la vida es un título de culto que permanecía inédito en formato doméstico, algo que remedia la presente edición plagada de extras. Tercera película del mallorquín Martín Garrido, supone una incursión en los códigos del género criminal realizada de forma ultra realista, sórdida y violenta, con actores provenientes de los verdaderos bajos fondos.



Mordiendo la vida (1986) es una de esas películas que se ha ganado su estatus de filme de culto a pulso.Estrenada en el año 1986 por el director y actor Martín Garrido Ramis vio lastrada su recorrido por las salas de cine del país por la quiebra de la distribuidora concesionaria de los derechos. Teniendo un paso notable por multitud de festivales cinematográficos en España, vio de nuevo truncada una oportunidad de participar en el festival de Berlín, en él el que había sido seleccionada, por falta de fondos para costear una copia en condiciones. No habiendo conocido una edición doméstica desde el momento de su estreno la aparición de una copia en DVD es casi un acontecimiento para esta cinta que arrastra una pátina de malditismo desde hace más de tres décadas. 

Portada de la reciente reedición en DVD
Portada de la reciente reedición en DVD

A priori Mordiendo la vida  podría ser una entre tantas películas del cine Kinki de los años ochenta. Una historia arquetípica de policías y delincuentes ambientada en los barrios marginales  de cualquier ciudad española de la época. Tras cumplir condena, Rodolfo, un delincuente de poca monta, es requerido  por el jefe de la mafia local para que lleve a cabo un ajuste de cuentas. Nada más acabar su trabajo ignora que será ajusticiado  por "El murciano", mano derecha  de don Antonio, capo local, para no dejar ningún cabo suelto. Antes de llevar a cabo esta ejecución, Rodolfo irá en busca de "La rizos", por la que guarda una obsesión insana y enfermiza. La rizos, mientras tanto estará escondiendo a su padre de la policía tras haber asesinado este a su esposa y al amante de ésta en un arrebato pasional. Don Ricardo, un veterano policía a punto de retirarse y su compañero ángel, policía vocacional de buen corazón y métodos expeditivos se verán inmersos en mitad de un cruce de tramas que desembocaran en un final explosivo.

Desde la primera escena el espectador es consciente de que está delante de una película que transgrede las normas dentro de su género. Aquí no es necesario recurrir a un lenguaje supuestamente barriobajero y soez, lleno de tacos cada dos líneas, para dibujar unos personajes de lumpen. No hay constantes alusiones a las drogas por parte de los protagonistas llegando casi a la parodia. Aquí tenemos auténtica  visceralidad cinematográfica sin recurrir al cliché en el que si que caían otras películas con similares pretensiones a esta. Los personajes de este particular universo construido por Martín Garrido exudan veracidad en cada línea de diálogo. No es un mundo donde los malos sean muy malos y los buenos  sean muy buenos.  La pareja de policías protagonista, un policía a punto de jubilarse algo corrupto y que admite que se cogió este empleo fue por salir de la hambruna de la guerra  y ángel, su compañero, policía de carrera y protector vocacional del barrio chino, no se diferencian demasiado entre sí. Nadan en un mar de grises  alejados del maniqueísmo buenista que situaba a los antihéroes en el papel de héroes populares y a la policía como los malos del cuento en filmes de este género. Los personajes protagonistas de la cinta se saben perdedores e inmersos en una corriente de vital de la que no podrán salir jamás.

Las pasiones que mueven a los habitantes  de esta cinta  son totalmente entendibles. Emociones básicas y universales que el director sabe plasmar con habilidad sobre el libreto. Construidos con la complejidad desconocida o pocas veces explorada por el género, son esclavos  de sus anhelos. En un momento dado de la cinta  vemos al personaje de la rizos paseando por el puerto deportivo de Mallorca  anhelando una vida al otro lado de los muros del barrio chino, deseando una vida en esa zona llena de lujo. A pocos metros, ángel, la observada reflejando un anhelo similar por la propia rizos.  El personaje de Rodolfo es movido por los celos, por la pasión, por la venganza. Incluso el asesino sin escrúpulos interpretado por Paul Naschy tiene una escena en la que va a visitar a su hija muerta al cementerio dotando su personaje  de una visión diferente de la que teníamos de el hasta el momento. En ningún momento podremos posicionarnos como espectadores con total seguridad. Sólo sabemos, parafraseando a uno de los protagonistas, que han nacido entre la mierda y que no podrán salir de ella por mucho que quieran.

El veterano actor Eduardo Fajardo
El director, Martín Garrido, en ocasiones sorprende con arriesgados encuadres de cámara poco habituales en esta clase de cine. Su uso de los espacios interiores es magistral. No obstante gran parte de la película tiene lugar entre hoteles y pensiones clubs y bares. Sabe dotar tu final de un resultado sórdido  que refleja fielmente la época de mitad de los 80 sin caer en la exageración ni la parodia. El barrio chino de Palma se transforma en otro personaje más de la cinta sirviendo de lugar común y de marco referencial para el desarrollo de toda la película. Pero también tiene sus puntos flacos. La cinta en ocasiones acusa  su exiguo presupuesto y se ve limitada a un resultado que bordea peligrosamente  entre el diseño de producción de un telefilm de gran presupuesto y el de una cinta cinematográfica de bajo presupuesto. Esto según se mire es un punto flaco o un punto fuerte ya que estamos ante una película que fue casi  el esfuerzo de una sola persona. Con un buen pulso narrativo que sabe mantener el interés y llevar paralelas un buen puñado de tramas sin que el espectador se pierda entre ellas, Martín Garrido consigue un resultado final notable. Un fiel retrato  de una época, de una ciudad,  de un barrio, de unos personajes y deseo que estos llevan sobre sus espaldas.


La actriz Beatriz Barón como "La rizos"

Dentro del elenco actoral, Martín Garrido, también director de la cinta, da el tipo perfectamente en su rol de policía atormentado y de buen corazón con una interpretación contenida y precisa. Al rodaje de esta cinta era ya un actor con años de experiencia en teatro y cine. Su compañero en la ficción, el actor Eduardo Fajardo, toda una leyenda del celuloide español, aún con pocos minutos en pantalla, deja una impronta notable como un policía veterano y algo corrupto a punto de jubilarse. Destacar que esta fue una de sus últimas interpretaciones antes de que entrara en un estado de retiro del que solamente volvió en dos ocasiones a la entrada del nuevo siglo con papeles de secundario. Eterno secundario de lujo en producciones nacionales e internacionales su sola presencia ya era un plus para esta cinta, una cara conocida y reconocible para el espectador. Como contrapunto femenino tenemos a la excelente actriz Beatriz Barón en el papel de "La rizos". Objeto de deseo de Rodolfo, amor platónico de Angel, abnegada hija y sabedora de una suerte que le será imposible cambiar. La actriz construye un personaje poliédrico y complejo, quizás el mejor del filme. El variado elenco de actores secundarios, algunos profesionales, y otros provenientes de los bajos fondos y el barrio chino de Palma, cumplen sin estridencias en sus papeles. Entre los extras, según se dice, había familiares y amigos del director, con el fin de abaratar costes. Notablemente ensalzados estos últimos por el maravilloso doblaje madrileño de esta cinta en el que reconocemos algunas de las voces más míticas de aquella década, consiguen no desentonar con los actores principales.

El caso más polémico de la cinta lo protagonizó el actor gallego Jacinto Molina, alter ego de Paul Naschy. Estigmatizado en aquella época como un actor de producciones de Serie B y fanta-terror, su presencia en esta cinta pudo resultar desconcertante a los espectadores de la época, acostumbrado a verle como el hombre lobo español. Por declaraciones del director sabemos que la presencia de Naschy obedece a una vehemente recomendación que el actor Eduardo Fajardo le hizo a Martín Garrido para ayudar a Naschy. En aquel entonces pasaba por un bache personal que le tenía sumido en una gran depresión y su carrera estaba, literalmente, estancada. A día de hoy, y desde la distancia, la presencia del hombre lobo más famoso de la cinematografía española no extraña al espectador más moderno. Aquellos que en su día no tuvieron la oportunidad de ver todo el universo del fanta-terror español no asociará esta cara con sus anteriores papeles y solo se quedaran con una actuación correcta del carismático actor. 


Naschy (de pie) interpreta al "Murciano"

Mordiendo la vida se encuadra dentro de la corriente de cine kinki que desde mediados de los años 70 pobló las carteleras españolas. Pero donde directores como Eloy de la Iglesia o José Antonio de la Loma caían en la exageración intencionada que convertía a unos personajes decididamente dramáticos casi en parodias de sí mismos, Martín Garrido opta por otra opción. Más cercana a cintas como Deprisa Deprisa (1981) de Saura, El Crack (1981), de José Luis Garci, o 27 horas (1986) de Montxo Armendáriz, Garrido construye una película de personajes. Una visión más cercana al realismo noir francés o al enfoque de Friedkin -French Connection, Vivir y morir en Los Ángeles- que a la de sus homólogos patrios. Una cinta que si bien no es perfecta, ni lo pretende, se deja ver con agrado y aporta un aire fresco y diferente a un género que ya en aquellos años daba sus últimos coletazos. Al año siguiente se estrenaría El Lute: Camina o revienta, De Vicente Aranda. Una producción de gran presupuesto que perdía la esencia de lo que representaba este tipo de cine y definitivamente y daba carpetazo a toda una época.

Martin Garrido como Ángel

Sin haber sido editada en formato doméstico desde su estreno en cines hace más de 30 años, Cameo y Vial Of Delicatessens acaban de poner a la venta una edición en formato DVD este mes de marzo. La copia, con una notable calidad de sonido e imagen incluye como material extra una entrevista al director, Martín Garrido, otra a la actriz Beatriz Barón y otra a Joana Amaro. Una auténtica pieza de culto casi desconocida en nuestro país injustamente olvidada que al fin ve la luz. Nunca la frase más vale tarde que nunca tuvo más sentido.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Martín Garrido
  • Guión: Martín Garrido
  • Intérpretes: Beatriz Barón, Paul Naschy, Eduardo Fajardo, Martín Garrido
  • País: España
  • Duración: 92 min
  • Música: Joana Amaro

Trailer



Vídeo Musical con el tema principal del filme




29 mar. 2017

WARNER BROS LIBERA EL TRAILER DE IT

Poster Oficial de IT - Warner Bros - 

Warner Bros acaba de liberar hace escasos minutos el trailer de la esperadísima adaptación de IT. Dirigida por Andres Muschetti, director de la cinta de terror "Mama" (2013), adapta la icónica novela homónima del autor Estadounidense Stephen King.



Con Bill Skarsgård en la piel del aterrador Pennywise, todavía esta por ver si superara a la anterior adaptación de la novela, dirigida por Tommy Lee Wallace en 1990. De momento Stephen King ya ha valorado positivamente el metraje que ha podido ver. Nosotros deberemos esperar a Septiembre para salir de dudas. 

28 mar. 2017

ENTREVISTA EXCLUSIVA A MARTÍN GARRIDO - DIRECTOR DE MORDIENDO LA VIDA -

El director Martín Garrido en la actualidad
El director Martín Garrido en la actualidad
El director Martín Garrido (Palma, 1952)  nos dedica unos minutos para hablar de su cinta de culto "Mordiendo La vida", que acaba de editarse por primera vez en DVD a cargo del sello Vial of Delicatessens y la distribuidora Cameo.

¿Cómo surge Mordiendo la vida? ¿Cuál es el germen del proyecto?

El actor Eduardo Fajardo -Don Ricardo en Mordiendo la vida- vino a Palma a hacer una función y yo fui a verla y después a felicitarlo en el camerino. Y resultó que él había oído hablar de mi primera película “Qué puñetera familia”, la primera película comercial de la historia de las Baleares. Me dijo que le habían dicho que la película era mala, pero era innovadora. Me quedé sorprendido. Nos fuímos a tomar copas hasta el amanecer y durante ese tiempo hablamos de hacer una películas juntos. Le dije que escribiría un guión. Así nació “Mordiendo la vida”.

Beatriz Barón se marca un papel de antología –que le valió alguna que otra nominación- prestando su físico a “La Rizos”, uno de los personajes troncales del filme. ¿Cómo dio con la actriz? ¿La conocía de antes?

Yo también soy actor (”Perras callejeras”, “La Coquito”, “El sacerdote”, “Acosada”, etcétera) y en mis principios conocí a Beatriz Barón en una gira teatral por España. Años después, cuando escribí el guión, escribí la Rizos para ella. 

La actriz Beatriz Barón a día de hoy. 


¿Cuál fue el peso de la música de Joana Amaro en mordiendo la vida?

Joana Amaro vino a través de Lorenzo Santamaría que produjo el LP de la banda sonora. Fue una música potente, aún hoy, cuando se escucha la canción que da título a la película, parece que esté escrita hoy.

A día de hoy la presencia de Naschy sorprende para bien, pero en la época su figura estaba asociada de manera indeleble al cine de fanta-terror ¿Fue positiva la aparición del actor o mas bien lo contrario ?

En esos años Paul Naschy era famoso por el hombre lobo y era un descrédito contratarlo en una película, de hecho nadie lo hacía. No sé cuántos años llevaba esperando oir el teléfono que nunca sonaba. Yo no hubiera contratado ni loco a Jacinto, fue Eduardo que me lo pidió por favor. Por lo visto estaba pasando una depresión de caballo porque se habían olvidado de él. Aunque ahora, hay que reconocer que si no fuera por su presencia en la película, supongo que no sería de culto. De todas formas hizo bien su papel, aunque se le dobló porque él no sabía.

Su cinta tiene ecos del cine policiaco sin concesiones que hacía Friedkin (Vivir y morir en los ángeles, A la caza, French connection) y del noir francés de aquella época. ¿Bebió de aquellas fuentes?

Si bebí te aseguro que lo hice del noir francés porque es el que más me gusta. Pero te diré una cosa (y lo han dicho críticos) esta película es única, no se parece a ninguna para bien o para mal, y parece francesa. Yo sabía que había hecho diferente, y el tiempo me ha dado la razón.

Martin Garrido en una escena descartada de Mordiendo la vida


¿Esperaban la positiva acogida que tuvo en festivales “mordiendo la vida?

Uno cuando va a un festival lo espera todo, pero sabe que todo es mentira y que prevalecen los intereses. De hecho Beatriz Barón iba a ganar el premio a la mejor actriz por la Rizos y se lo llevó Iciar Bollaín porque la respaldaba una potente distribuidora. Me lo dijo el mismo director del festival, que para él Beatriz era la mejor. Si la vida fuera justa Beatriz Barón hubiera ganado el premio y seguramente su vida habría cambiado. También ocurrió lo mismo con el Festival de Cine de Berlín, que la seleccionaron, pero el productor no tenía 500.000 pesetas para una copia en condiciones y llegó tarde.

Por encima en calidad de gran parte del llamado “cine kinki” el recorrido de la cinta estuvo lastrado por una distribución deficiente. ¿Cómo afectó esto al trayecto de la cinta por salas?

Mordiendo la vida” se la quedó Filmoser, que ya no existe. Un mes después de firmar un contrato estupendo de distribución, la productora quebró por la crisis del VHS. Se arruinaron y la película salió perjudicada. Se hizo en dos o tres cines, se vendió a Antena 3, y no salió en VHS.

Mordiendo la vida se asemeja más a la visión sobria de Armendáriz en la cinta “27 horas” que a las cintas de De la Iglesia o De la loma, que tenian una visión mas fantasiosa del cine kinki.  ¿Fue complejo dar con este equilibrio entre mostrar una sociedad  comida por la delincuencia sin caer en tópicos y lugares comunes?

Te doy la razón. De todas formas de diré que cuando me planteo escribir un guión lo único que me preocupa es que no sea caro porque como sabrás hago un cine independiente. Realmente nunca he escrito aún mi guión, el que escribiría si tuviera un millón de euros para producirlo. Una pena. Por eso es difícil clasificarme o compararme.

Portada de la reciente reedición en DVD


¿Le sorprende el estatus de cinta de culto que ha adquirido con los años Mordiendo la vida?

Siempre consideré esta película diferente a las demás. La verdad es que ha sido una sorpresa, pero te diré una cosa. Hace 32 años que la rodé, y en todo ese tiempo nunca han dejado de hablarme de ella. La gente me paraba y me preguntaba siempre lo mismo: ¿”Mordiendo la vida” no sale en vídeo?

En un momento del filme el personaje del “Alto” le dice a  Ángel que “el barrio de antes no se parece nada al de ahora” con aire melancólico ¿Qué queda a día de hoy de la Mallorca reflejada en la película?

El Barrio Chino de la película ya no existe, aunque en una esquina quedan unas cuantas putas que se resisten a irse. Aquel barrio tenía su encanto porque aún no había aparecido la droga. Te podías pasear a cualquier hora del día sin problemas.

Director de cine, de teatro, dramaturgo y actor, con un currículum envidiable ¿En que anda trabajando ahora mismo?


Tengo dos películas por estrenar que si todo va bien este año las estreno: “Turbulencia Zombi” y “Una función para olvidar”. Ahora estoy terminando el guión de mi próxima película que rodaré también este año.


24 mar. 2017

NUEVO TRAILER Y PÓSTER DE ALIEN COVENANT



Con la sugerente frase "La ruta que lleva al paraíso comienza en el infierno." 20th Century Fox acaba de desvelar este impresionante póster para el inminente estreno de "Alien Covenant" en su página oficial. El 12 de Mayo, una semana antes que en los estados unidos, descubriremos si esta vez el veterano realizador Ridley Scott ha conseguido acercarse en calidad al "Alien: El octavo pasajero" que nos brindó en 1979. Los trailers e imágenes filtrados hasta el momento parecen indicar que así será.


También se ha liberado una nueva versión del trailer final, con mas segundos que el ya visto hace unos días. Tras el poster podréis verlo. Eso si, procurad no hacerlo con las luces apagadas.






23 mar. 2017

HANA BI - FLORES DE FUEGO - TAKESHI KITANO

Nishi es un violento e impredecible policía que abandona su carrera como agente de la ley después de que su compañero quede postrado en una silla de ruedas en un accidente. Acuciado por las deudas por culpa de la enfermedad terminal que sufre su mujer, se verá obligado a pedir un préstamo a la yakuza que antes combatía.

Crítica



La figura de Takeshi Kitano apenas necesita presentación; director, actor, cómico, guionista y realizador de algunas de las películas más celebradas del cine nipón de las últimas décadas. Venerado en su país de origen, puede presumir de una filmografía llena de títulos imprescindibles.


Debutando como director con la interesante Violent Cop en 1989, Kitano se especializó en dirigir filmes de temática violenta a comienzos de los noventa. Películas como Boiling Point o Sonatine, que retrataban el mundo la Yakuza -mafia japonesa- de forma descarnada y realista, le brindaron cierta notoriedad en su Japón natal. Pero la piedra de toque que supuso el reconocimiento del director a nivel internacional llegaría pasado el meridiano de la década, en 1997, con la película Hana Bi.
Ganadora del prestigioso León de Oro en el Festival de Venecia en 1997, este duro drama policiaco le supuso a Kitano el aplauso general de crítica y público. Una cinta que daba buena muestra del potencial del director y le presentaba ante el gran público como uno de los cineastas asiáticos más a tener en cuenta.

La película pone al espectador en la piel de Nishi, interpretado por el propio Kitano. Un áspero ex policía que tras un tiroteo en el que su compañero de patrulla acaba postrado en una silla de ruedas, decide dejar el cuerpo. Incapaz de sufragar el tratamiento médico a su mujer, enferma terminal, tomará la decisión de pedirle un préstamo a la mafia que antes perseguía. Hostigado por la Yakuza, Nishi iniciara un plan con el que intentara darle solución a sus problemas. Una huida hacia delante que el espectador intuye como una carrera casi suicida. 



El director, todo un experto en plasmar violencia en la pantalla, la utiliza aquí de manera casi poética y como motor de avance de la trama. Consigue un equilibrio imposible entre la ternura que Nishi muestra con su mujer y la brutalidad con la que trata a sus enemigos. Construye con una mezcla de humor negro y ternura uno de los personajes más interesantes de su carrera. La motivación de este antihéroe, aunque pudiera parecer lo contrario, no es la ira, la venganza o el remordimiento, sino el amor más profundo hacia su esposa. Un protagonista que apenas tiene dialogo y sostiene su personaje con gestos, miradas o largos silencios. Una conjunción de lírica y violencia que descubrió a Kitano como un realizador con una sensibilidad arrolladora.

Flores de fuego es una película exigente con el espectador que quizás desalentado por el tempo pausado característico del cine asiático se vea tentado a tirar la toalla. Su ritmo lento, en ocasiones casi estático, puede abrumar a quien se acerque a la cinta. Una cinta para ser disfrutada casi como si fuera un lienzo en movimiento. Un retrato de la violencia único en su género e impregnado de una melancolía que traspasa la pantalla y que deja huella en el espectador. Takeshi Kitano consigue lo imposible en esta cinta, dotar a la violencia de un halo de belleza y dignidad nunca antes visto. 



La banda sonora corre a cargo de Joe Hisaishi, toda una leyenda en Japón y conocido en occidente por ser el compositor de cabecera del director Hayao Miyazaki. Este trabajo intimista y envolvente aprueba con nota en una película donde los silencios tienen tal importancia que la música se convierte en un personaje más. Su labor al frente del apartado sonoro le valió en 1997 un merecido premio de la Premios de la Academia Japonesa a la mejor banda sonora.


Recientemente la editora Mediatres ha editado en nuestro país Hana-Bi en Blu-ray y DVD. Una edición remasterizada en alta definición y con un completo libreto que hará las delicias de los seguidores del director nipón. Una oportunidad inmejorable para acercarse a la obra de Kitano con una de sus películas más emblemáticas. Autentica poesía a 24 fotogramas por segundo. 

Ficha técnico-artística:

  • Director: Takeshi Kitano
  • Guión: Takeshi Kitano 
  • Intérpretes: Takeshi Kitano, Kayoko Kishimoto, Tetsu Watanabe, Ren Osugi, Susumu Terajima, Yasuei Yakushiji, Tarô Itsumi, Makoto Ashikawa, Yûko Daike
  • País: Japon
  • Duración: 102 min
  • Música: Joe Hisaishi
  • Fotografía: Hideo Yamamoto

Trailer



22 mar. 2017

HARDCORE HENRY - CINE DE CULTO -

No recuerdas nada. Tu esposa te acaba de resucitar. Te dice que te llamas Henry. Cinco minutos más tarde, te han disparado, la han secuestrado y debes rescatarla. ¿Quién la tiene? Su nombre es Akan, un poderoso señor de la guerra que cuenta con un ejército de mercenarios y un plan para dominar el mundo. Estás en la, para ti, desconocida Moscú y todos te quieren muerto. Todos, menos un misterioso británico llamado Jimmy. Si puedes sobrevivir a la locura y desvelar el misterio, tal vez puedas descubrir la verdad acerca de tu identidad.

Crítica



En ocasiones los requisitos para que una película adquiera el estatus de “culto” suelen estar bastante desdibujados. Filmes minoritarios, ignorados en el momento de su estreno, fracasos flagrantes de taquilla que han triunfado por el boca a boca en el mercado doméstico años más tarde. Y la mayoría de las veces suele ser así, pero en contadas ocasiones el mercado suele alumbrar clásicos de culto instantáneo. Por nombrar alguno de los ejemplos más recientes tenemos la notable Dredd (2012, Pete Travis), Redada Asesina (2011, Gareth Evans) la reciente It Follows (2014, David Robert Michell) o la cinta que nos ocupa hoy, Hardcore Henry (2015, Ilya Naishuller)


Cartel de la película

En el año 2013 un videoclip de la banda rusa Biting Elbows para su tema “Bad Motherfucker” revolucionó internet. A lo largo de cuatro minutos y medio de pura adrenalina seguíamos en primera persona a un agente secreto que debía robar un dispositivo de teleportación. Viral desde su lanzamiento, el videoclip sumó más de 10 millones de visitas en apenas unos meses, a día de hoy el conteo va por los 37 millones y sigue subiendo a un ritmo lento pero inmutable. Tras aquella maravilla estaba el jovencísimo director Ilya Naishuller -nacido en 1983- que firmaba su primer trabajo dejando a la industria boquiabierta. Nada más se supo del debutante realizador hasta que en 2015 y casi por sorpresa se estrenaba Hardcore Henry, una versión alargada de aquel corto amparada bajo el mecenazgo del director y productor Timur Bekmambetov.

Acabas de despertar, te llamas Henry.

El ruso Timur Bekmambetov siempre ha sido considerado como un director con un talento visual desbordante, pero sin una vis cinematográfica que encamine su enorme potencial visual hacia un fin concreto. Director de cintas tan impactantes visualmente como irregulares en su desarrollo como "Wanted" o "Guardianes de la noche", deja notar su particular influencia desde los títulos de crédito. Pero la presencia del debutante Ilia Naishuller contiene los excesos del veterano realizador canalizando su potencial y conocimientos en el uso de la imagen y poniéndolos al servicio del filme. Sabiendo que la trama es una mera excusa para desplegar una escena de acción detrás otra, Naishuller lleva a la gran pantalla todo aquello que nos mostró en su debut videoclipero, esta vez, elevado a la enésima potencia. Sin perder su identidad propia, solo hay que comparar “Bad Motherfucker” con “Hardcore Henry”, nos ofrece la historia que quiso contar en aquel entonces, pero que quizás por falta de experiencia o guía, se quedó en una talentosa intentona. Obtiene una sintonía perfecta con el estilo de Bekmambetov, pero con una voz propia que le da un lavado de cara al estilo de su mecenas.

Hardcore Henry se sostiene sobre un hilo argumental fino, casi inexistente, pero que sabe conducir el avance del filme sin ningún problema. Sabedor de esto, el director intercala momentos de humor -bastante negro, eso si- con otros decididamente dramáticos, desarrollando paralelamente la trama de Jimmy (Sharlto Copley) junto a la del propio Henry. No es un divertimento descerebrado, y aun con una justificación mínima, la violencia queda aceptada y legitimada por completo. Copley lleva el peso de la trama sobre sus hombros con gran acierto y nos ofrece algunos de los momentos más divertidos y brillantes del filme. Las escenas de violencia, numerosas y variadas, son un auténtico recital de recursos cinematográficos. Nos ofrece a lo largo de 95 minutos, puntos de vista insólitos, coreografías a pie, en vehículo o usando el escenario como si fuera un personaje más. Una vision novedosa que nunca antes se había plasmado con tal acierto en la gran pantalla. Revoluciona en cierta manera el género como otras cintas modernas, -John Wick, sin ir más lejos-, han hecho más tarde. En esta ocasión, más es mejor, y el espectador asiste gozoso al espectacular recital a manos de Naishuller. Es imposible despegar la vista de la pantalla. Consciente de su condición, el realizador juega con el espectador llevando la fórmula casi al extremo de parodia, como en la aplaudida última escena del filme. Pero ni aun así consigue sacar al espectador del juego en el que está inmerso. Quien busque una trama profunda, no la encontrará, quien busque escenas de acción con una calidad sobresaliente, si que saldrá mejor parado. No hay que baremar esta película más que consigo misma, sus propios logros, que no son pocos y dejarse llevar por una de las cintas más sorprendentes del pasado 2015. 

Sharlto Compley en una de sus numerosas encarnaciones en la película. 

En el apartado actoral, Sharlto Copley interpreta un papel de antología prestando su físico a las diferentes encarnaciones de “Jimmy” a lo largo de la película. Omnipresente compañero de un protagonista en primera persona que no articulará una sola palabra a lo largo del filme, sirve como contrapunto y alivio cómico. El actor sudafricano aborda una amplísima gama de registros, acentos y encarnaciones demostrando una versatilidad actoral formidable. Un irreconocible Danila Kozlovsky como Akan será carismático el villano de la función. Convincente en su rol de megalomaníaco quizás hubiera necesitado algún minuto más en pantalla para desarrollar su personaje de manera mas profunda. Completa el plantel protagonista la bella Haley Bennett como damisela en apuros y esposa de Henry. Papel con un giro esencial en la trama y una interpretación por parte de Bennet más que correcta


En Hardcore Henry no hay momento para el descanso.

Naishuller no inventa ninguna fórmula. El recurso de narrar en primera persona tiene mucho más recorrido del que se pueda imaginar. Ya en 1947 veía la luz La dama del lago (Robert Montgomery), primera película en ser rodada íntegramente en primera persona. Una extravagancia de cine negro que no tuvo demasiada trascendencia cinematográfica. A esta le siguieron títulos célebres como “El proyecto de la bruja de Blair” (1999), Monstruoso (2008), La trilogía V/H/S(2012/13/14), o Chronicle (2012). Incluso el cine patrio con REC (Jaume Balaguero 2007), un título capital de nuestro fantástico, ha jugueteado de forma bastante acertada con la cámara subjetiva. Lo que el realizador ruso consigue es no agotar al espectador en ningún momento. Se juega todo el metraje a una carta con un único protagonista, y se las ingenia para ofrecer una innumerable variedad de situaciones aun cuando el personaje central no articula una sola palabra durante todo el filme. Una proeza desde el punto de vista formal. Construye un proyecto sólido, rabiosamente entretenido y solvente cinematográficamente. Una película en la que el argumento es una mera excusa para desplegar un arsenal de violencia explosiva. Una pelicula unica en su genero, de culto desde su mismo estreno e injustamente desconocida entre el gran público. 

Desde febrero podemos disfrutar en nuestro país de esta obra de culto moderna gracias a la distribuidora Cameo. Editada en formato DVD con una altísima calidad de imagen y sonido, no hay excusa para no hacerse con esta obra que, sin duda alguna, se revalorizara con los años. Una cinta casi desconocida que contentará a los amantes de la acción más desenfrenada, el cine experimental, coleccionistas de filmes de culto y a cinéfilos sin prejuicios. 

7/10

Ficha técnico-artística


  • Director: Ilya Naishuller 
  • Guión: Ilya Naishuller y Will Stewart 
  • Intérpretes: Sharlto Copley, Danila Kozlovsky, Haley Bennett, Tim Roth 
  • País: Rusia 
  • Duración: 96 minutos 
  • Música: Dasha Charusha 
  • Fotografia: Seva Kaptur, Feodor Lyass y Pavel Kapinos

Trailer:


19 mar. 2017

LA TORRE OSCURA DESVELA SU PRIMER POSTER OFICIAL

Acaba de desvelarse el primer póster oficial de la esperada adaptación a pantalla grande de "La torre oscura", una de las sagas literarias más célebres de su autor, el escritor Stephen King. Dirigida por Nikolaj Arcel y con Idris Elba y Matthew McConaughey al frente del reparto, la película tiene como fecha estimada de estreno el mes de agosto de este 2017. De momento y hasta que aparezca el primer teaser trailer este poster es el único material oficial disponible junto a las pocas fotografías de producción que han sido filtradas. 


18 mar. 2017

EL GUIONISTA ZAK PENN DESMIENTE LOS RUMORES DE UN REBOOT O UN REMAKE DE "MATRIX"

Todos los mentideros de Internet buyeron el miércoles pasado tras un reportaje en el que el guionista Zak Penn afirmaba estar trabajando en un remake de la saga Matrix

En seguida decenas de foros especializados en cine se llenaron de mensajes donde los fans de la legendaria trilogía pusieron el grito en el cielo por la idea de que una serie tan reciente en el tiempo y que ha marcado a toda una generación de cinéfilos fuera a conocer una remake. Ante tal revuelo el propio guionista tuvo que aclarar algunos puntos en su cuenta de Twitter pocos días después.

"¿Quiero ver mas historias dentro del universo de Matrix? Sí! Porque es un concepto brillante que puede generar grandes historias"
"¿Que tal si tan solo reestrenamos Matrix? No hagas un reboot de la película si no puedes hacerlo mejor que el original

"No puedo decir nada, solo que las palabras reboot y remake salieron del propio articulo, paremos de dar cancha a noticias inexactas"
"Todo cuanto puedo decir por el momento es que nadie podria o deberia hacer un reinicio de Matrix. La gente que conoce Animatrix y los cómics de la saga sabrán lo que quiero decir"

Tras estas declaraciones, que parecen mas una maniobra publicitaria que un desmentido oficial, se pone en marcha la maquinaria publicitaria para el filme. Sin saber todavía muy bien cuando o donde se ubicará dentro de la saga es imaginar que las noticias empezaron a salir con cuentagotas durante los próximos meses. Habrá que estar atentos.

Trio protagonista de la trilogía original.

17 mar. 2017

EL LAGO DE SATÁN - CINE DE CULTO -


Vardella, una fiera bruja ajusticiada por los aldeanos de Transilvania en el siglo XVIII, vuelve en la persona de una atractiva y recién casada chica inglesa, Veronica (Barbara Steele). Su marido Phillip (Ian Ogilvy) intentará combatir a las fuerzas del mal ayudado por el sabio profesor Von Helsing (John Karlsen), descendiente del hombre que mató al conde Drácula.

Crítica


El lago de satán (1966) es una rara avis dentro del fantástico de los años sesenta. Se sitúa a  caballo entre las alambicadas producciones de la Hammer de mediados de los sesenta y la serie b que otras distribuidoras menores estaba produciendo en aquellos años. Con aspiraciones de gran historia, el joven realizador, Michael Reeves, saca oro de un presupuesto exiguo y un reparto con desigual talento que son los mayores lastres de este filme.  Pero el tremendo talento de Reeves en su ópera prima, hace que todo luzca en pantalla con una dignidad y estética más propios de una producción mayor que de una Serie B.


Cartel original de la cinta
Situada en dos líneas temporales, una presente donde se desarrolla la historia principal y otra ubicada 200 años antes donde se narra la historia de la Bruja Vardella, El Lago de Satán es una historia arquetípica de brujería. Situada en Transilvania a mitad de la década de los sesenta nos narra las desventuras de un matrimonio que en su viaje de luna de miel se verá inmiscuido en una maldición centenaria. Los escenarios y la ambientación son totalmente creíbles y el diseño de producción aprovecha el ridiculo presupuesto de 15.000 libras al máximo. El maquillaje de la propia bruja y todas las escenas ambientadas en el pasado, edificios y vestuario, dan una total sensación de credibilidad y podrían pasar por escenas de una producción de mayor envergadura. En ningún momento se aprecia la temida sensación de "cartón piedra" que era tan común en muchas cintas de terror de aquellos años. 



La terrible bruja Vardella

El debutante director Michael Reeves consigue una narrativa ligera y fluida en los 79 minutos de metraje de la cinta. Teniendo en cuenta que era la primera película en la que ejercía labores de dirección, el joven realizador sale aprobado con nota. Cae en algunos fallos menores y lleva a cabo algunos giros tramposos de guión, que, siempre al servicio de la trama, pueden pasarse por alto. Sin embargo en ningún momento se hace pesada y consigue enganchar al espectador casi desde el primer fotograma. 



La pareja protagonista
Al frente del reparto tenemos a una de las musas del género, Barbara Steele que presta su bello rostro a Verónica, la protagonista de la cinta. Su hipnótica aparición en la cinta –se dice que grabó todo su papel en una sola jornada maratoniana de 18 horas- deja huella e incluso se hace escasa. Con menor fortuna tenemos a su contrapartida masculina, el actor británico Ian Ogilvy, quien aun demostrando una química evidente y palpable con su compañera de reparto, cae en la sobreactuación, más propia de un caricato que de un actor serio, en más de una ocasión. Un plantel de interesantes secundarios, entre los que destaca John Karlsen como el Conde Van Helsing  da la réplica a la pareja protagonista. Gran parte del equipo de la cinta, debido a las limitaciones de presupuesto, ejercició además como secundarios o como extras.


Barbara Steele
El director consigue algunos momentos de puro cine de terror  impropios de un realizador novel de tan solo 23 años. Las apariciones de la Bruja Vardella vienen acompañadas de un clima enrarecido, malsano y extraño que consigue inquietar al espectador.  Algunos giros de guión ilógicos consiguen romper el clímax alcanzado por Reeves en más de una ocasión y hacen que la cinta bordee peligrosamente en la serie Z más ramplona.  Sin embargo el cómputo final hace que el director consiga una película que si bien no pasó a la historia del género como un filme notable, sí que lo hizo como una ópera primera destacable y un filme interesante. Una madera de buen director que cristalizó en sus dos siguientes películas en las que ya se apreciaba una evolución clara desde este lago de satan. Sin embargo y por méritos propios esta cinta puede acreditarse sin ningún problema como "de culto", quizás, en parte, gracias a la temprana desaparición de su director. 


El director Michael Reeves
En definitiva, El Lago de Satán es una película primeriza, con todo lo que ello conlleva. Una ópera primera de un director que en sus siguientes títulos, “Los Brujos”, y sobre todo con su tercer filme “Cuando las brujas arden” se posicionó  como uno de los más talentosos directores de género de su época. Por desgracia, Michael Reeves falleció por una sobredosis medicamentosa accidental a la edad de 25 años en 1969 dejando truncada lo que hubiera sido a buen seguro una brillante carrera y pasando a formar parte de la leyenda del género.  Nos quedan tres películas como legado cinematográfico para recordar al malogrado realizador y la idea de hasta dónde podría haber llegado en el séptimo arte en los años posteriores. 


El conde Van Helsing, cazador de brujas.
En España podemos disfrutar de esta película en una correctísima edición en formato DVD publicada por el sello Vial of delicatesen y distribuida por Cameo. Toda una joya con audio en castellano e inglés y una imagen restaurada que no amerita para nada el paso del tiempo. Una pieza de culto para los amantes del terror más desconocido. 


6/10 

Ficha técnico-artística:

  • Director: Michael Reeves
  • Guión: Michael Reeves, F. Amos Powell
  • Intérpretes: Barbara Steele, John Karlsen, Ian Ogilvy, Mel Welles, Joe 'Flash' Riley
  • País: Coproducción Reino Unido-Italia
  • Duración: 79 min.
  • Música: Paul Ferris
  • Fotografía: Gioacchino Gengarelli

Trailer:



Síguenos también en Twitter y Facebook
Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Powered by Blogger