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31 may. 2017

CRITICA Y RESEÑA - WALKABOUT - 1971 -



El término Walkabout hace alusión a un rito de madurez durante el cual los indígenas australianos se someten a un trascendental viaje durante su adolescencia. Se lleva a cabo entre los 10 y 16 años, y les empuja a vivir en el desierto por un período que puede prolongarse hasta seis meses tras los cuales culminarán su transición espiritual hacia la edad adulta. Durante este periodo crucial, deberán subsistir únicamente con lo que da la tierra y no podrán valerse de la ayuda de nadie. 

Cartel original de la película. 

Nicolas Roeg, director de la cinta ha sido un director con una carrera tan irregular como llena de momentos brillantes. Con una plasticidad y puesta en escena que ha sido plagiada por directores de la talla de Danny Boyle o de Ridley Scott, no consiguió dar nunca con un éxito que le aupara de manera definitiva. Debutó en 1970 co dirigiendo "Performance" un delirio musical ambientado en el mundo del pop que contaba como máximo aliciente con la presencia del cantante Mick Jagger. Al año siguiente vino "Walkabout", que le valió la nominación a la palma de oro de Cannes de aquel año. Dos años más tarde, en 1973, presentó "Amenaza en la sombra", thriller sobrenatural de culto protagonizado por Donald Sutherland y Julie Christie. 

El recordado David Bowie, en 1976 protagonizó la siguiente cinta del autor, "El hombre que cayó a la tierra". Tras este prometedor inicio encadenó una serie de filmes, que si bien no fueron fracasos de taquilla, tampoco fueron éxitos ni películas en absoluto trascendentes. Ya en 1990 el relativo taquillazo de "La maldición de las brujas" parece reconducir su carrera en el buen sentido, algo que "Dos muertes" filme de 1995, con una magnífica Sonia Braga al frente del reparto, parecía confirmar. Pero era tan solo una ilusión o un canto del cisne cinematográfico, ya que las cintas que siguieron a esta "El masaje" en 1995 y "Sansón y Dalila" 1996 fueron rotundos fracasos de crítica y público. El cineasta entró en ese año en un retiro del que solo salio para dirigir "Puffball" en el año 2007, un filme fallido en todos los sentidos que venía a confirmar que el director, artífice de tantas y tan buenas películas, estaba definitivamente acabado.

Trío protagonista
El reparto estaba encabezado por una soberbia Jenny Agutter que no alcanzaba la veintena edad junto al actor australiano David Gulpilil, en el papel del aborigen. Dos actores en perpetuo estado de gracia que aun no compartiendo una sola palabra -en el mismo idioma- en todo el metraje, demuestran una química envidiable convirtiéndose de inmediato en una pareja icónica del séptimo arte. Pocas veces los silencios y las miradas dijeron tanto con tan poco. Cerrando el trío protagonista un correcto teníamos a un correcto Lucien John en el papel del hermano pequeño. 

En el año 1971 el director Nicolas Roeg debutaba en solitario -el año antes había sido co-director del inclasificable filme “Performance” con Mick Jagger- con una película que adaptaba la novela Walkabout del escritor James Vance Marshall. En ella dos hermanos, únicos supervivientes de una catástrofe aérea, debían resistir al hostil clima del desierto australiano sin ninguna ayuda y regresar a la civilización sanos y salvos. Cuando lo dan todo por perdido, sin agua y sin comida, su suerte cambiará al cruzarse con un adolescente que se halla en pleno walkabout. Este les ayudara a sobrevivir y les acompañará en su travesía por el desierto. 

Fotografía del rodaje de la cinta

La película, con ligeros pero cruciales cambios -sobre todo en su inicio y su desenlace-, seguía el esquema del libro, pero aportaba mucho a la ecuación. Un padre de familia lleva a sus dos hijos al desierto para pasar una agradable jornada de picnic. Tras varias horas en el coche llegan a un paraje ubicado en mitad de la nada, en pleno desierto australiano.  En un momento dado, el padre prende fuego el coche familiar, saca una pistola y comienza a disparar contra sus hijos antes de descerrajarse a si mismo un tiro en la sien. Sin casi víveres ni manera de regresar a la civilización, los dos hermanos deberán iniciar una travesía que les llevara a cruzar los desolados e inhóspitos parajes de Australia con unas perspectivas de éxito mas bien escasas. 

Lo que podría haber sido tratado de manera más bien poco explícita, ese choque de mundos, es tratado con una sutileza maestra por el director. Cercano al tratamiento de las imágenes y la música que daría Godfrey Regio en Koyaanisqatsi una década después, Roeg cuenta dos historias simultáneas con una maestría indiscutible. La primera de ellas con imágenes -ese muro de ladrillos en contraposición al desierto infinito- y la segunda con los actores, meros peones en una historia que les sobrepasa a todos. Desde el primer momento el espectador queda hipnotizado por el paisaje y cautivado por la bella historia del despertar, de ese DOBLE WALKABOUT -el del Aborigen y el de la joven protagonista- que parecen ir en dirección de converger en un punto común que se trunca de manera dramáticamente dolorosa. 

Roeg abordó en este filme temas como la incomunicación, la trasgresión de los valores preestablecidos, el despertar a la sexualidad en la adolescencia o el miedo a lo desconocido. La película está impregnada de una belleza poética que traspasa el celuloide y cala de manera profunda en el espectador que no podrá evitar hacer ciertas reflexiones al acabar su visionado. Esto se resume en el desolador prologo que cierra la cinta, con una magnifica Jenny Agutter recordando -o quizás imaginando- lo únicos momentos en los que fue realmente libre en toda su vida. Eso, junto a una magnifica banda sonora de John Barry, hizo que la cinta fuera nominada a la palma de oro en 1971, muy merecidamente y que pasase a los anales del cine de manera casi instantánea. Casi 45 años después de su estreno, Walkabout mantiene su mensaje más actual que nunca. El tiempo no ha hecho mas que poner de manifiesto y resaltar que, en el fondo, la libertad es algo que estamos buscando desde hace demasiado tiempo en el lugar equivocado.

Regia films acaba de editar este fantástico filme en una cuidada edición en formato blu-ray con imagen y sonido totalmente restaurados. La película, que viene en una funda de cartón a todo color, contiene además un libreto de 20 páginas escrito por Carlos Díaz Maroto. En su interior encontraremos información sobre el rodaje, los actores y la génesis del proyecto. Un broche de oro que convierte a esta edición, limitada a tan solo 1000 ejemplares, en una auténtica joya para los cinéfilos más exigentes. Una vez más Regia se reafirma como una de las editoras que más cuidado pone a las ediciones en nuestro país con una auténtica pieza de coleccionista. 


Ficha técnico-artística:

  • Director: Nicolas Roeg
  • Guión: Edward Bond (guión fílmico), James Vance Marshall (Novela original)
  • Intérpretes: Jenny Agutter, David Gulpilil, Luc Roeg
  • País: Australia
  • Duración: 100 Min
  • Música: John Barry
  • Fotografía: Nicolas Roeg

Trailer:


23 may. 2017

MUERE A LOS 89 AÑOS EL ACTOR ROGER MOORE



El actor Sir Roger Moore, conocido por haber interpretado a James Bond, ha fallecido a los 89 años, según ha anunciado su familia hace escasas horas. Moore prestó su físico al famoso agente secreto en siete películas de la saga, incluyendo destacando las magníficas "Vive y deja morir" y "La espía que me amó", que se encuentran entre las mejores entregas de la veterana saga cinematográfica. El actor británico saltó a la palestra por su interpretación protagónica en la teleserie "El Santo" entre 1962 y 1969, la cual fue su auténtico trampolín a otros trabajos mayores. 

El actor Roger Moore


La familia de Sir Roger confirmó el triste suceso en Twitter, diciendo que había muerto después de "una corta pero valiente batalla contra el cáncer". La sentida declaración, de sus hijos, decía: "Gracias Pops por ser tú, y ser tan especial para tanta gente". Habrá un funeral privado en Mónaco, agregaron. Un icono del séptimo arte que nos deja con una gran carrera a sus espaldas. 

Moore como James Bond

22 may. 2017

UNDERWOLD: GUERRAS DE SANGRE EN DVD Y BLU-RAY: UN REPASO A LA SAGA


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Con unos modestos resultados en taquilla, desde el 17 de mayo se encuentra disponible en DVD y Blu-Ray la última entrega de la saga Underwold: guerras de sangre de nuevo con su actriz fetiche Kate Beckinsale enfundándose el ajustado y sexy traje de cuero de la vampira Selene. Esta entrega es la quinta dentro de la saga y se presupone el punto final de la eterna guerra entre vampiros y licántropos que se lleva librando desde el 2003 que se estrenara la primera película.

                Underwold se presentó en 2003 y fue la opera prima del director Len Wiseman y aunque no suscitó buena acogida entre la crítica si lo hizo en taquilla. En ella se relata una ancestral batalla entre el clan aristócrata de los vampiros liderados por Viktor (Bill Nighy) y con Selene (Kate Beckinsale) como principal y más letal guerrera y el clan marginal y anárquico de los licántropos liderado por Lucian (Michael Sheen). La guerra toma un giro inesperado cuando ambos clanes muestran interés por el humano Michael Corvin (Scott Speedman) y Selene comenzaría una investigación que le llevará a descubrir una verdad que le cambiará la vida. Con esta premisa comenzaría una saga que recuerda en sus directrices a otras como Blade y se caracterizará sobre todo por su alta dosis de acción y violencia explícita donde Beckinsale será el pilar central y el reclamo de la franquicia.

                En 2006 Len Wiseman volvería a dirigir su segunda parte: Underwold: Evolution donde se retoma la historia donde se dejó. En esta película aparecen nuevos villanos: Marcus (Tony Curran) sucesor en el trono del derrotado Viktor y el licántropo William (Brian Steele) mientras que repiten en sus papeles los mismos actores de la película anterior (Beckinsale, Sheen, Speedman en incluso Nighy) en lo que es un mayor adentramiento en el universo vampírico que creó el propio Wiseman. La taquilla seguía funcionando así que los productores se animaron a hacer una tercera parte en la que se pensaba que fuera una trilogía.

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                Underwold: la Rebelión de los Licántropos (2009) supuso cambios para la franquicia. Por lo pronto el director fue Patrick Tatopoulos (encargado de los efectos especiales de las anteriores) y donde quedan fuera Beckinsale y Speedman. La razón es que nos encontramos ante una precuela que narra el origen de la enemistad entre vampiros y licántropos. Si vuelven Bill Nighy, Michael Sheen y se les une Rhona Mitra (paradójicamente estuvo postulada para interpretar a Selene en las anteriores entregas) como Sonja la hija de Viktor y amor de Lucian. Esta iba a ser el cierre de la saga pero viendo los productivos ingresos de la franquicia se plantearían nuevas historias.

                La siguiente entrega de la historia es Underwold: el Despertar (Måns Mårlind y Björn Stein, 2012) vuelve de protagonista Kate Beckinsale aunque no así Scott Speedman que rehusó retomar su papel de Michael por lo que el guion tubo que pivotar en otra dirección: la aparición de la hija de la protagonista: Eve. Así, en un futuro en el que la raza humana es consciente de la existencia de vampiros y licántropos, se plantea una atmósfera asfixiante contra estas 2 razas donde se las da caza y exterminio o reclusión para investigación científica. En este contexto se incorporaría al reparto India Eisley (Eve) y Theo James (David) la nueva contrapartida masculina para Selene por la ausencia de Michael y los villanos Stephen Rea como el doctor de la empresa Antigen Jacob Lane y Krish Holden-Ried como un licántropo alterado genéricamente en la que resulta ser la batalla más dura en la que se vean envueltos.

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                Y por fin llegamos a este 2017 donde se estrena la última entrega de la franquicia: Underwold: Guerras De Sangre donde aparece un nuevo líder licántropo: Marcus (Tobías Menzies) que busca la sangre de Selene y su hija a toda costa para alcanzar un estado evolutivo superior y obligará a la protagonista a retomar las armas y librar una última batalla que le llevará a cotas inimaginables. Esta entrega está dirigida por Anna foerster, y también repite Theo James afianzándose como compañero masculino de la protagonista ya que Speedman volvió a rehusar ser Michael (y eso que dejaron la posibilidad de su reaparición al final de la anterior entrega) e India Eisley tampoco retoma su papel de Eve. La trama, que parecía que había cogido intensidad y dramatismo en la anterior entrega, queda aquí simplificada a la eterna lucha de vampiros y hombres-lobo. la presencia humana se elimina totalmente. con ello, ese trasfondo de denuncia social que podría subyacer del odio humano a los distintos que se reflejaba en la anterior, también queda suprimido. queda así un producto plano sin innovación ni trasfondo tan solo centrado en mostrar lo que es la puesta en escena habitual de la franquicia: disparos, acción y Kate Beckinsale demostrando, una vez más, que el cuero le sienta fenomenal. No decepcionará a los incondicionales de la saga y los que disfruten con las peleas, disparos y pirotecnia varia pero no se la puede decir que sea una buena película ni siquiera dentro de la propia saga. simplemente es continuista sin mas pretensiones que divertir y mostrar mas de lo mismo. Fruto de ello son los escasos 12 millones de recaudación en Estados Unidos (aunque la salva la recaudación internacional más generosa).

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                El futuro de la saga es incierto. Si bien parece que se da por concluida, no se descarta un reinicio de la misma ya sin Kate Beckinsale (¿centrada en Eve?), la creación de una serie de televisión, o incluso se ha oído un delirante crossover entre Underwold y Resident Evil con el espectacular duelo de féminas: Beckinsale y Jovovich (esta última, curiosamente, también fue contemplada para interpretar a Selena).... Sea como sea no parece que la guerra entre vampiros y licántropos vaya a finalizar todavía.

16 may. 2017

DESPEDIDA A GERMÁN YANKE: AMIGO, MAESTRO, JEFE

Nuestro compañero Javier, fundador de Locoporelcine, ha escrito un texto homenaje al periodista, escritor y poeta, Germán Yanke, recientemente fallecido. Una emotiva despedida para un personaje irrepetible del panorama cultural patrio. 

El periodista Germán Yanke. 

Germán Yanke: amigo, maestro y jefe 



El pasado domingo se fue sin hacer ruido -como a él le hubiera gustado- Germán Yanke, periodista, escritor, columnista, poeta, tertuliano, exsubdirector de El Mundo del País Vasco -donde fue mi jefe en el triste verano del 97-, exdirector de Época, exdirector del informativo 'Diario de la noche' de Telemadrid... y, por encima de todo, mi amigo. 

Estoy seguro de que allá donde esté no le hará ni puñetera gracia que le dedique estas líneas y menos que aplauda algunos de sus logros, principalmente el de haber plantado cara a la expresidenta de la Comunidad de Madrid y condesa consorte de Bornos y de Murillo... y de la charca de ranas. Ella es Grande de España, pero Germán fue Grande del Periodismo, porque hay que tener 'un par' para hacer preguntas impertinentes y replicar a la persona que te está dando de comer en el medio público en el que trabajas, sobre todo, teniendo en cuenta la legión de lameculos, comefelpudos y periodistas mercenarios que, tristemente, pululan por este mundillo de la Comunicación. 

Cierto es que a él le puso en Telemadrid mi paisano Javier Arenas, pero no es menos cierto que una vez que al pez lo echaron al estanque, éste nadó libre y feliz a corriente y a contracorriente que, en el fondo, es lo que cuenta y lo que los ciudadanos valoran... Y también los políticos de raza -que los hay, como los periodistas-, que son los que no temen a las críticas porque tienen recursos más que de sobra para defenderse ni nada que ocultar, los que no saben lo que es descolgar un teléfono y llamar al director de un medio de comunicación, ni elaborar listas negras... y tantas cosas. 

He hablado con unos cuantos maestros del Periodismo y todos me dicen lo mismo: que era una buena persona y que no se callaba nada. Por eso precisamente fue vetado en no pocos lugares por más de una hiena de la profesión que ahora se da golpes en el pecho loando su figura con un DEP y que presume de haber sido demócrata toda su mezquina vida en este oficio tan ingrato y, a la vez, tan maravilloso gracias a gente como Germán.
 


 
Un saludo, 

Javier M.

10 may. 2017

Libros de cine - Entrevista a Javier Figuero, autor del libro Los inadaptados de Tim Burton

Tim Burton es uno de los cineastas más insólitos del cine actual. Los protagonistas de sus películas son desarraigados, introvertidos, melancólicos, outsiders, viven una dualidad existencial entre su mundo interior y la realidad exterior. Sus personajes reflejan las experiencias del director durante su infancia, adolescencia y también a lo largo de su vida adulta, especialmente en el ámbito profesional. De pequeño, Burton vivió aislado, encerrado en su habitación, donde veía películas de terror y dibujaba seres monstruosos. De mayor, él siempre se ha considerado un director ajeno a la industria de Hollywood: forma parte de ese entramado cinematográfico pero se siente extraño en él. El libro que ahora tienes en tus manos estudia el cine de Tim Burton desde la perspectiva de su outsider protagonista, atendiendo especialmente a sus películas más emblemáticas y personales.

Javier Figuero, autor del libro. 


¿Qué supone Tim Burton en la historia del cine?



Tim Burton supone una gran novedad dentro de la industria del cine norteamericana. Es un director muy personal, con una manera muy original de hacer cine que, además, triunfa comercialmente. Burton desde el comienzo fue un inadaptado con éxito, lo que resulta una contradicción, porque el éxito es más bien un indicio de adaptación. En sus primeras películas logró mantenerse independiente, al menos en gran medida, y conseguir la aceptación del público. 

Ha construido un elenco de personajes inadaptados verdaderamente notables, muchos de ellos con una doble personalidad muy acuciada, que expresa la incapacidad de dichos personajes para vivir en el mundo real, por lo que escapan a otra realidad ficticia donde pueden mostrarse con autenticidad. Hay títulos memorables que ya forman parte de la historia del cine con Eduardo Manostijeras, 1990 o Big Fish, 2003. Además, es un autor que se ha desenvuelto con una gran destreza entre la animación y la imagen real. 

Tim Burton (izqda) y Johnny Depp (dcha) como Eduardo Manostijeras


¿Cuáles son las mejores y las peores películas? 

Su primer cortometraje, Vincent, 1982, es una pieza excepcional, ahí establece muchas características de su peculiar estilo: su protagonista incomprendido y solitario: un outsider social con problemas de comunicación, ese estilo visual extraño y fantástico, que será un sello personal del director. Además, ya aparece aquí un elemento fundamental en su cine: la imaginación, que se desborda en cada plano de sus películas. También podemos apreciar el interés del director en la transmisión de sentimientos más que en el desarrollo de una trama perfecta, otra peculiaridad muy burtoniana. 

Entre sus grandes películas podemos mencionar a Eduardo Manostijeras, 1990, un trabajo personal que ahonda en el mundo del inadaptado, Big Fish, 2003, un singular y emocionante retrato de la relación padre-hijo afrontada con una exuberante imaginación, o Pesadilla antes de Navidad, 1993, que aunque fue dirigida por Henry Selick, es un proyecto muy personal de Burton. Proyectos menos acertados han sido El Planeta de los Simios, 2001, o Sombras Tenebrosas, 2012. Aquí encontramos a un Burton menos personal, menos inadaptado, más sumiso a la industria.


Un joven Burton en el proceso de rodaje de "Vincent"


¿Han estado sus musas y ex-parejas a la altura?

Yo diría que sí, pienso sobre todo en Helena Bonham Carter, que ha interpretado personajes determinantes en películas como Big Fish, Sweeny Todd o El Planeta de los Simios. 


¿Por qué Hollywood no le valora? 

Aunque ha tenido problemas en Hollywood, yo creo que sí le valoran, de otra forma no le habrían encargado todas las películas que ha dirigido. Pero Tim Burton es peculiar, alguien distinto, extraño para una industria muy acostumbrada a hacer las cosas de una determinada manera. 

Él mismo cuenta que cuando estaban preparando Beetlejuice, 1988, tenía reuniones de guión interminables, donde daban mil vueltas a la trama, y especialmente al tercer acto, para acabar improvisando un montón de situaciones del desenlace de la película. Esta peculiaridad del autor le ha ocasionado más de un quebradero de cabeza, hasta el punto de trasladar su residencia fuera de Estados Unidos y establecerse en Londres. Escapó de allí porque, como él mismo afirmó, no podía soportar todo lo que rodeaba al negocio de hacer cine. 

Antes he mencionado que Tim Burton está más interesado en la expresión de los sentimientos de sus personajes que en la estructura de la historia, esta manera de abordar sus trabajos seguramente le ha perjudicado en un Hollywood que tanto valora la forma tradicional de narrar.

El autor en una fotografía reciente



Sobre el autor, Javier Figuero, es periodista y doctor en Comunicación Audiovisual. Ha trabajado como guionista en series como Menudo es mi padre (Antena 3), Médico de familia (Telecinco), Esquimales en el Caribe (TVE1) y un medico di famiglia (RAI). Cineasta independiente, ha dirigido varios cortometrajes y documentales, con los que ha recibido varios premios internacionales: Milagros (2006), Tablas (2008), Carlota (2009), Jano y el Cartel de cine (2011), Anillo (2013), La belleza salvará el mundo (2015), La cosa más bonita del mundo (2016). Actualmente imparte clases de guion en la universidad CEU San Pablo.


Portada del libro



Ficha Técnica

Editorial Encuentro

Colección: ENSAYO 

Materia: CINE 

296 páginas - También disponible en Ebook.


Entrada elaborada por Javier M. Faya.

6 may. 2017

LIBROS DE CINE - Tales From The Darkside: Los guiones nunca rodados - Joe Hill

En 2015, Joe Hill planeó el relanzamiento de la mítica serie de televisión Tales From The Darkside. El proyecto nunca alcanzó la luz verde, pero ahora el genial autor de Locke & Key ha transformado sus guiones para esa propuesta en una colección de escalofriantes relatos acompañados de las ilustraciones de Charles Paul Wilson III. Una lectura que no defraudará a ningún aficionado al auténtico terror.

Portada de "Tales from the darkside"

Tales from the Darkside fue una serie de televisión de corte terrorífico y capítulos auto conclusivos que debutó en el año 1983. Manteniéndose en antena hasta 1988, abarcó cuatro temporadas y 90 capítulos con una calidad irregular que alternó episodios memorables con otros que no lo fueron tanto. La serie fue apadrinada por el realizador George Romero, quien venía de empalmar varios éxitos cinematográficos consecutivos con “Zombi”, “Creepshow” y “El día de los muertos”. Entre su elenco de guionistas tenemos nombres tan destacados en el género como el de Harlan Ellison, Clive Barker, el propio George Romero o el mismísimo rey de terror, Stephen King. La serie rápidamente alcanzó el estatus de culto y cautivo a toda una generación de jóvenes televidentes entre los que se encontraba un jovencísimo Joe Hill. 


Joe Hill, nacido como Joseph Hillstrom King en 1972, es hijo del escritor Stephen King -dato que mantuvo oculto durante bastante tiempo- y la también escritora Tabitha King. Su debut con la antología de relatos “Fantasmas” en el año 2005 le valió el prestigioso Premio Bram Stoker a mejor colección de relatos aquel mismo año. Su primera novela larga, “El traje del muerto” (2007) fue un completo éxito de ventas, pero fue con Cuernos (2010) con la que consiguió renombre mundial. A esta le siguieron “Nos4a2” en 2013 y “The fireman” en 2016. Del mismo modo el cómic le es familiar habiendo tocado el género del noveno arte con las estimulantes “Locke & Key”, o la miniserie “La capa

El escritor Joe Hill
En 2015 la cadena de televisión CW encargó a Joe Hill un guión para un reboot de la serie “Tales from the Darkside”. Emocionados ante la calidad del material entregado por el escritor, le encargaron dos libretos más y pronto se inició la preproducción de la serie. Llegándose a filmar dos de aquellos guiones finalmente la cadena de televisión no dio luz verde al proyecto -la versión oficial habla de temas económicos- quedándose todo el proyecto guardado en un cajón. La editorial IDW se hizo con los derechos de aquel material a formato cómic y reunió de nuevo al equipo que había llevado a cabo la serie Locke & Key, Joe Hill y Gabriel Rodríguez, para llevarlo a cabo. El resultado fue “Tales From the Darkside de Joe Hill”, calco fiel al noveno arte de aquellos guiones, que con un resultado sobresaliente nos permitió entrever lo que pudo ser y no fue. La colección, cabe decir, llego a mano de Panini Comics a España en un magnifico tomo recopilatorio que salió a la venta en marzo de 2017.

A finales de 2016 IDW junto a Joe Hill y el dibujante “Charles Paul Wilson III” puso a la venta los guiones originales nunca rodados de aquella serie. Más de 128 páginas de texto, adornadas con alguna ilustración eventual, que a modo de libreto nos daba una idea de la visión que el propio Hill quería darle al proyecto. Con un magnifico y clarificador prologo seguido de 125 páginas de guion puro y duro, al fin y tras varios años rondando por despachos, el lector podía disfrutar de este material. Con tres historias en su interior: “Se abre una ventana”, “El Sonámbulo” y “La caja negra” (que estaba proyectada como episodio piloto) constituye una autentica rareza editorial. Pocas veces hemos tenido la oportunidad de disfrutar de un guion puro y duro que previamente había sido rodado, nunca emitido y finalmente adaptado a cómic. La calidad de las historias es algo desigual, si bien “La Caja negra” es una relato impresionante, con mucho la mejor del tomo, “Se abre una ventana” es un divertimento ligero que mezcla humor negro y terror de manera más bien poco trascendente. “El sonámbulo” tercera historia del recopilatorio, recupera de nuevo el nivel y nos retrotrae a esos capítulos de la propia “The Dark side” original, o la más conocida “historias de la cripta” con aquellas historias donde la moraleja y el castigo, siempre dotados de una pátina macabra, vertebraban la historia. El computo global, no obstante, aprueba con nota.

Portada de la edición en cómic de la obra. 


En conclusión, “TALES FROM THE DARKSIDE Los guiones nunca rodados” funciona tanto como libro por sí mismo como por su labor de complemento a la versión cómic. Da al lector la oportunidad, pocas veces a su alcance, de disfrutar de un guión cinematográfico en su estado más puro. Quizás es este formato el que más pueda acercarnos a la visión más pura que tiene el autor de una obra cuando la escribe. No hay un filtro de lo que un dibujante interprete de unas indicaciones de un guionista aportando una visión propia. No se somete a la interpretación de un director ni a las limitaciones del formato cinematográfico o televisivo. Y debido a su carácter sintético y directo no se pierde -prácticamente- nada en la traducción.  

Hay que abordar este libro sin prejuicios, teniendo en cuenta el escollo inicial, que supone el propio formato. No obstante, la reciente “Harry Potter y el legado Maldito” ya puso de manifiesto que la adaptación literal de un guion -en ese caso era de una obra teatral- no debería ser ningún problema para la mayoría de los lectores. La prosa brillante de Joe Hill y la calidad de las historias justifica su adquisición para todos los fans del autor o los amantes del terror en cualquiera de sus vertientes, tanto televisiva como escrita. Panini edita “TALES FROM THE DARKSIDE Los guiones nunca rodados” en un tomo de 128 páginas en tapa dura con portada e ilustraciones interiores de Charles Paul Wilson III. Disponible en librerías desde finales de Abril de 2017.  

Reseña original publicada en www.lacomicteca.com




Ficha 

  • Joe Hill y Charles Paul Wilson III.
  • 128 Pág B/N
  • Tapa dura sin sobrecubierta
  • País: España
  • Ed Panini Comics

5 may. 2017

CRÍTICA: Guardianes de la Galaxia Vol. 2

Sinopsis: Continúan las aventuras del equipo en su travesía por los confines del cosmos. Los Guardianes deberán luchar para mantener unida a su nueva familia mientras intentan resolver el misterio de los verdaderos orígenes de Peter Quill. Viejos rivales se convertirán en nuevos aliados, y queridos personajes de los cómics clásicos acudirán en ayuda de nuestros héroes a medida que el universo cinematográfico de Marvel continúa expandiéndose.

¿Es James Gunn el cineasta que el MCU necesita? Y otra pregunta al aire; ¿es la segunda parte de las aventuras de Star-Lord, Gamora, Drax, Rocket y Groot lo mejor que ha parido el Universo Cinematográfico Marvel hasta ahora?

Casi diez años han pasado desde que Kevin Feige y compañía pusieran sobre la mesa la idea de adaptar el Universo Compartido Marvel (MCU) al cine, a imagen y semejanza de lo que se llevaba haciendo décadas en las viñetas. Un solo universo cohesionado, un continuo crossover de personajes en historias cada vez más corales. Y una sencilla premisa: conseguir que el espectador repita, crear fandom (lo cual implica vender figuras, camisetas y todo el merchandising que podáis imaginar) por encima de reventar la taquilla.

El fenómeno Marvel ha sido lo más potente que le ha pasado al cine de masas en este milenio: fenómeno que creativamente está dando signos de agotamiento. Las presiones de Disney/Marvel sobre sus propios autores, la constante dependencia de las secuelas por venir, el carácter, connatural a los departamentos de Marketing, de reducir cualquier atisbo de riesgo a su mínima expresión, ha provocado la salida de algunas de las mejores mentes detrás del MCU (Joss Whedon, Edgar -snif- Wright) y, en consecuencia, la producción de unas historias cuya frescura está desaparecida en combate. ¿Son "Civil War", "Ant-Man" y "Doctor Extraño" buenos films? En mayor o menor medida, sí. ¿Han renovado el género como hicieron en su día "Los Vengadores", "El Soldado de Invierno" y "Guardianes de la Galaxia"? Ni por asomo.

En retrospectiva, creo que precisamente fue el film de James Gunn el que alcanzó el culmen de la excelencia del MCU (contra todo pronóstico; recordemos la ola de hate que sufrió el trailer de la primera entrega), y todo lo que vino después no hizo sino recalentar las sobras de una fórmula en proceso de descomposición.

Por todo ello, las dudas recorrían mi mente al sentarme en la butaca del cine el pasado viernes. ¿Conseguiría Gunn mantener el interés en su particular MCU cósmico sin contar con el efecto sorpresa de la primera entrega?

Para los despistados: esto no va de supertíos dándose de leches bajo alguna precaria excusa argumental. Esto no es Vengadores-en-el-espacio. Cualquier relación entre Guardianes Vol.2 y el resto del Universo Marvel, más allá de los clichés del género (que son abrazados sin ningún pudor, pero siempre poniendo por encima la realidad humana de los personajes) y la propia fórmula de la casa (bien entendida, por cierto) es pura coincidencia. Cualquiera que vaya al cine esperando dos horas y media de acción, humor Marvel, Hulk-aplasta, se va a sentir profundamente decepcionado. Aun haciendo gala de escenas de acción galáctica al mejor estilo de la casa, esto no lo es lo importante.



Lo importante son los personajes. Como tiene que ser, ¿tan difícil era?

Todo el film está repleto de unos personajes deliciosos, tanto principales como "secundarios" (frontera que se difumina en una película tan coral), construidos con la firmeza del acero narrativo que un buen guionista sabe aportar cuando se le permite. James Gunn, mediante algún desconocido y maravilloso truco de alquimista, consigue mantenerse ajeno a las presiones de su anterior éxito y de toda la industria que mantiene el MCU, seguir a lo suyo, a lo que mejor sabe hacer, y capear la crisis de creatividad de su propio estudio a base de un trabajo insultamente personal.

La materia prima de los protagonistas es una carne, un hueso y un barro tan puros que el apelativo "Guardianes" parece todavía más irónico de lo que ya es de por sí, teniendo en cuenta que hablamos de un equipo formado por la escoria del universo. Drax el Destructor mantiene unas raíces autoparódicas firmes (ejemplo de un personaje construido a medida de su actor), pero gracias a Mantis (la viva encarnación de un recurso de guión, la exteriorización del trauma interno) consigue la empatía del espectador de una forma típica, esperable, pero aún así funcional; Yon´du se libera de sus propias limitaciones y subvierte su rol de mentor del héroe, revelándonos un backstory demoledor y regalándonos una trama de redención que daría para una película propia; el propio Capitán de la Nave, el Papá de los Guardianes, Peter Quill, conduce la historia principal (que parte del mayor de los clichés del género, la muerte del progenitor) y evoluciona en una dirección que, por previsible que sea (¿acaso no hubiera sido interesante que aceptara la oferta de Ego, y se convirtiera en el malo del film, siendo los Guardianes sus rescatadores?) funciona a las mil maravillas como hilo conductor.

El propio malo-malísimo, Ego, es un antagonista bastante interesante pese a que en la segunda mitad acaba por inmolarse en el campo de minas de los clichés del género (sólo le faltó la risa malvada). Incluso los personajes más planos de la anterior entrega, las hermanas Gamora y Nebula (¡quién lo iba a decir!) consiguen robarte el corazón con una sola línea de diálogo que revienta el molde de chicas-malas-muy-enfadadas. Sin duda, la revelación de esta segunda entrega.

Aunque las fangirls de Chris Pratt pidan mi cabeza después de esto, quiero gritar bien alto que Rocket, el maldito Mapache Cohete, se come la película él solito. Ya no es que el propio concepto de mapache psicópata mercenario sea pulp y autoparódico como él solo: es que la pluma detrás del guion vuelve a demostrar que, por encima de todo, su película son sus personajes, y éstos son hijos suyos. Rocket ya era el perfecto ejemplo de cómo crear un antihéroe sólido; y en esta segunda parte, el compartir escenas y tramas con otros personajes (especialmente, con Yon´du; "qué par de seres somos") le hace recorrer un arco de personaje capaz de conquistar al más alérgico a la narrativa superheroica (siempre que sea capaz de asumir la idea de un mapache que habla y dispara). Es el mejor de los amigos sin dejar de ser el mayor de los bastardos peludos del Reino. Esa es su magia.

Groot, ahora convertido en Baby Groot a.k.a. "Tronquito", brilla con más intensidad en aquellas escenas en las que saca la parte más paternal de Rocket, convirtiéndose así en su Talón de Aquiles, ese punto débil que nos deja ver la humanidad del Querido Mapuche. No da mucho más de sí, más que para ciertas escenas diseñadas para que Tu Novi@ No Friki se enternezca y para vender Funko Pops como pan caliente.

Quizás la parte que menos brilla en lo respectivo a las tramas es el romance, un poco forzado (¿como en la vida real?) entre Quill y Gamora, una pareja cuya química brilla por su ausencia, pese a regalarnos una simpática escena de baile. Afortunadamente no se le da mayor importancia.

El resto de la película funciona de forma tan sólida como nos tiene acostumbrados el MCU: tramas sólidas, ritmo narrativo in crescendo (la primera mitad de la película más pausada, reservando para la segunda los "fuegos artificiales") y una estructura clásica que mantiene el interés. El aspecto estético merecería un artículo para él solo, pero yo me limitaré a confirmar que se trata de una delicia para el ojo y para el oído, un festival de referencias a los ochenta que va mucho más allá del homenaje por aquí homenaje por allá, y que convierte el horterismo connatural a esta época en toda una maravilla del buen gusto. Yo, desde luego, compraría el libro de arte de la película a ciegas.

En el apartado visual me atrevo a decir que se trata del mejor trabajo de diseño de escenarios y de colorismo que se ha visto en el MCU hasta ahora; una pena que no pueda decir lo mismo de la banda sonora, que, dejando aparte el "Awesome Mix 2" (que es aún más Awesome que el primero), cae en todos los malos hábitos de las composiciones orquestales de Marvel; subraya situaciones emocionales obvias, haciéndolas artificiales, y carece de personalidad por sí misma. Afortunadamente, son momentos contados los que se hace notar.


La familia importa


Creo que hasta este punto podemos decir que la película mola. Mola mucho. Pero hay algo más que me gustaría añadir a todo esto.

Hay un punto importante en la base del guion que marca la diferencia con el resto de las películas del MCU, y, particularmente, con la Saga de los Vengadores. Esencialmente vienen a ser lo mismo: grupo de héroes con o sin película propia unen fuerzas y superan sus diferencias para alcanzar un objetivo común, normalmente, vencer al malo de turno.

Son lo mismo en cuanto a concepto, pero en cuanto a personajes, son sagas completamente antagónicas. En la Mansión de los Vengadores se pasean: un héroe de guerra e icono de una generación de combatientes; un millonario con super-armadura y súper-trastos; el Dios del Trueno y el hombre más fuerte del mundo. Si precisamente son personajes con cierto interés es gracias a los autores que han conseguido plasmar en la pantalla sus respectivas inseguridades; y, me atrevería a añadir, si la "fórmula Marvel" está agotándose es porque el propio estudio está impidiendo a sus autores que profundicen en estos conflictos internos y, por tanto, está poniendo trabas a la evolución de sus personajes.

Ahora revisemos de nuevo a nuestros Guardianes: el Capitán de la Nave es un niño inmaduro cuyo buen corazón no resuelve su absoluta incapacidad para hacerse cargo de responsabilidad alguna; el piloto, al margen de ser un roedor, oculta su falta de autoestima y su terror a la pérdida con unas dotes muy desarrolladas para la maldad; Drax es un inútil que necesita estar permanentemente controlado; la tía-dura es la hija repudiada de un Hitler intergaláctico; y Groot... es Groot.

Son los descastados, los ignorados, los rechazados, la basura al fondo del barril de la galaxia. Una triste parodia de los Vengadores. Y es su capacidad para unirse, para superar sus propias barreras y formar parte de una familia (lo cual implica cuidar de los demás, olvidar el egoísmo) lo que les redime y los propulsa directamente al Olimpo de los Personajes de Verdad.

Todo ello gracias a un libreto que se permite el lujo de profundizar en sus relaciones, que hace un uso de la autoparodia y del "humor Marvel" subordinado a la realidad de los personajes (el humor del absurdo funciona cuando humaniza a quien lo sufre) y que nos regala constantemente momentos de intimidad entre todos sus personajes y consigue que los percibamos como nuestros.

¿Es el Volumen 2 la mejor película que ha parido el MCU? Demonios, ¿después de este tocho, todavía no os ha quedado claro?

Welcome to the freakin´ Guardians of the Galaxy.



Ficha técnico-artística:

  • Director: James Gunn
  • Guión: James Gunn (Cómic: Dan Abnett, Andy Lanning)
  • Intérpretes: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Kurt Russell,Michael Rooker, Karen Gillan, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn,Pom Klementieff, Chris Sullivan, Sylvester Stallone
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 137 minutos
  • Música: Tyler Bates
  • Fotografía: Henry Braham

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