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24 sept. 2017

ESTRENO EN DVD Y BLU RAY DE PIRATAS DEL CARIBE 5: LA VENGANZA DE SALAZAR


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El próximo 6 de octubre se pondrá a la venta en DVD y Blu-ray la última entrega de la franquicia Piratas del Caribe: la venganza de Salazar. En esta entrega el inefable Jack Sparrow (Johnny Depp) se enfrentará al Capitán Salazar (Javier Bardem). Para ello se verá obligado a contar con la compañía de Carina Smyth (Kaya Scodelario), una joven y brillante científica, Henry Turner (Brenton Thwaites), hijo de William Turner y Elizabeth Swann y su viejo “amigo” el capitán Barbossa (Geoffrey Rush). Se embarcarán así en otra aventura que, por su contenido, tiene sabor a reinicio de la saga dado que la anterior entrega no gozó de buena prensa. Hagamos un repaso a lo que ha sido la trayectoria de esta saga que ya tiene 14 años en su haber.

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                En 2003 el subgénero de las películas de piratas anda en sus horas más bajas. Seria Disney, el productor Jerry Bruckheimer y el director Gore Verbinsky quien lo retomarían paradójicamente inspirándose en la atracción de disneyland piratas del caribe. La apuesta era arriesgada pero Piratas del Caribe: la maldición de la Perla Negra resultó ser todo un éxito. El principal artífice fue su protagonista Jack Sparrow un socarrón, descuidado e indolente capitán pirata venido a menos muy alejado de los cánones clásicos de héroe aventurero y justiciero que nos tenían acostumbrados Errol Flynn o Burt Lancaster. Ese toque inconfundible es inherente a Johnny Depp que se ha ganado el afecto de la audiencia y se ha convertido en un pilar tan claro e indisoluble de la franquicia que el propio Bruckheimer ha dicho que no habrá una sexta entrega sin él a pesar de que el actor no está en su mejor momento ni personal ni profesional. La réplica y genial contrapunto en esta primera aventura la hace el Capitán Barbossa (Geoffrey Rush). El componente amoroso vendría de la mano del herrero William Turner (un soso Orlando Bloom) y Elisabeth Swann (Keira Knightley).


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                Piratas del Caribe: el cofre del Hombre Muerto (2006) y Piratas del Caribe: en el Fin del Mundo (2007) se rodaron a la vez y vienen a completar la primera trilogía. Para justificar la partición de la historia en 2 películas, la trama se complica quizá en demasía por la aparición de demasiados personajes, tramas que se entremezclan, traiciones, pactos, alianzas que se rompen y escenas de relleno… todo ello hace que el espectador salga embotado y confuso. En esta ocasión se tomaría como referencia las leyendas del Kraken y El Holandés Errante con su capitán Davy Jones (Bill Nighy) a la búsqueda de cobrarse una deuda con Sparrow en donde también todos los demás personajes evolucionan hacia cotas insospechadas. Está claro que son películas para lucimiento del histrionismo casi llegando al absurdo de Johnny Depp. Aun así  la taquilla siguió acompañando rompiendo la barrera de los 1000 millones de dólares de recaudación. Con estos datos una cuarta entrega estaba asegurada.

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                Esta vendría en 2011 con Piratas del Caribe: en mareas misteriosas con notables novedades. Por lo pronto Verbinsky fue sustituido por el director Rob Marshall y se prescindiría de los papeles de Will Turner Y Elisabeth Swann. La trama giraría en torno al temido Capitán Barbanegra (Ian Mcshane) y la contrabandista Angélica (Penélope Cruz) que mantiene una relación amor-odio con Sparrow. El MacGuffin en esta ocasión es la añorada Fuente de la Juventud. Y el componente romántico lo aportan el clérigo Philip Swift (Sam Claflin) y la sirena Syrenia (Àstrid Bergès-Frisbey). A pesar de que la película es entretenida y también rompe esquemas de recaudación, no acaba de cuajar. La relación romántica no funciona al ser demasiado tangencial. Barbanegra no resulta un villano temible ya que el personaje es plano y el entretenimiento queda reducido a las escenas de acción más centrada en la grandilocuencia que en la aventura en sí, y los clichés graciosos y manidos de Sparrow. El futuro de la saga pasa por darle nuevos aires.

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                Llegamos a este año donde se estrenó Piratas del Caribe: La venganza de  Salazar con nuevos directores: Joachim Rønning & Espen Sandberg y el regreso de personajes como William Turner y Elisabeth Swann… y el hijo de ambos Henry Turner (Brenton Thwaites) lo que es un regreso a los cánones de Verbinsky: El propio planteamiento del malvado Capitán Salazar como un no muerto condenado a vagar por la eternidad es clara referencia al eje central de la primera de las películas. De nuevo se vuelve a ver el binomio Sparrow- Barbossa que ya se vio que funcionaba y aparece el componente romántico con la figura de Carina Smyth y Henry Turner. El transcurso de la película deja entrever un posible nuevo rumbo de aventuras centradas en esta nueva pareja en previsión de una posible (aunque improbable) salida de Depp de la franquicia una vez habiéndose hecho un reset de todo lo acontecido anteriormente gracias al Tridente de Poseidón que “rompe con todas las maldiciones”. La película en su conjunto es entretenida y mantiene la esencia de la saga. Aun así, ha tenido crítica encontrada y la taquilla no ha acompañado no llegando a 800 millones de recaudación. Con todo, todavía hay posibilidades de ver una sexta entrega proyectada, en principio, para 2020 quizá con el regreso del capitán Davy Jones si atendemos a la escena postcredit del film.

20 sept. 2017

LA TORTUGA ROJA - AMOR Y NATURALEZA - EN DVD



Sinópsis:

Un hombre arrastrado por las olas se enfrenta a la vida en una isla deshabitada. A través de esta historia muda de animación el director nos habla de las grandes etapas de la vida.

Crítica / texto:

La animación parece ir ganando peso dentro del cine "serio" y José Luis Rebordinos lleva años apostando por ella dentro del marco del Festival de Cine de San Sebastián, desde que incorporase Futbolín de Juan José Campanella. Este trabajo, premiado en Cannes, que ahora nos concierne se presentó en la sección Perlas en San Sebastián antes de llegar a las salas comerciales y ahora al mercado doméstico.

La Tortuga Roja es la primera incursión de Michael Dudok de Wit en el mundo del largometraje. Y como dato curioso cabe decir que se trata de la primera coproducción internacional de Estudio Ghibli. Esto dice mucho del impacto que el corto Father and Daughter causó sobre Hayao Miyazaki. A pesar de haber sido producida en parte por el famoso estudio japonés, la influencia estilística proviene fundamentalmente del cómic y la animación franco belga.


Tras sus bellas imágenes nos encontramos ante un delicado relato sobre la vida. Y apoyando a la imagen, la música de Laurent Perez del Mar completa lo que la ausencia de palabras pudiera no explicar. Con delicadeza nos narra desde los momentos más trascendentales y dramáticos de la vida hasta las anécdotas más cotidianas. Todo ello construido a medio camino entre lo real y lo onírico, con elementos de una magia especial que en el conjunto de la película nos parecerán aceptables a pesar de lo asombrosos que resultan al mismo tiempo.


Todo el camino de la película es un conjunto de metáforas y símbolos que nos inducen a la reflexión sobre la vida y la muerte, la familia, la relación del hombre con la naturaleza, la temporalidad frente a la eternidad... desde una perspectiva amable que nos genera una sensación de paz en todo momento. Estamos ante una película que puede ver un niño pero quizá entender un adulto.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Michael Dudok de Wit
  • Guión: Michael Dudok de Wit, Pascale Ferran
  • País: Francia, Bélgica
  • Duración: 80 minutos
  • Música: Laurent Perez del Mar

Trailer:

17 sept. 2017

NORMAN, EL HOMBRE QUE LO CONSEGUÍA TODO - EN DVD



Sinópsis:

Norman Oppenheimer es un hombre de negocios de poco importancia que en un momento de su vida ayuda a un político en horas bajas. Años después, con el político en la cumbre, la vida de Norman dará un giro... no necesariamente para mejor.  

Crítica / texto:

Nos encontramos ante otra de estas cintas que se estrenan en las salas por un periodo de tiempo tristemente breve y que luego emergen en el mercado doméstico. En este caso su estreno fue en una única proyección  durante el Festival de Cine de San Sebastián de 2016, acompañada de una fugaz visita de su protagonista, Richard Gere.

Al ver esta cinta uno piensa si no está ante una larga versión del chiste del hombre que casó a su hijo con la hija de Bill Gates (quién haya visto la cinta y conoce el chiste lo entenderá) haciendo un mashup con un anuncio de Apple. Pero si uno supera la parte superficial, si uno ahonda en el mensaje, se encuentra la historia de un hombre atrapado en su propia trama, y al mismo tiempo una agridulce parábola sobre los amiguismos, los contactos, los vendedores de humo y lo que no deja de ser en el fondo tráfico de influencias. Hay una escena que se produce entre Lior Ashkenazi (Eshel, el político en ascenso) y su esposa, cuando por la noche ella le dice a Eshel que ha de dejar de aceptar favores de Norman, y él le replica que no hizo esa reflexión cuando les ayudó para que se admitiera a a su hijo en una prestigiosa universidad.

Aunque la parte técnica no muestra nada especialmente brillante, tampoco podemos decir que sea un desastre, simplemente es una película realizada de modo técnicamente correcto que se ha enfocado sobre el guión y sobre la interpretación de su protagonista.


Richard Gere se atreve con un papel alejado del galán, antes joven y ahora maduro, que le ha encumbrado entre las estrellas. Articulada en torno al actor, sin él la película se desmoronaría. Sólo de este modo se explica la profusión de primeros planos que nos hace pensar en la televisión. Gere cuenta con el apoyo de actores sólidos que le arropan en el desarrollo de su personaje. La obra  es rica en metáforas, aunque algunas pueden considerarse algo pueriles, como cuando en un momento bajo Norman se tropieza con unas bolsas de basura.

Nuestro protagmnista tiene una vida misteriosa, casi de espía, nunca aparece en un entorno privado. No sabemos si tiene familia, aunque de vez en cuando habla de una esposa y de una hija. Aunque lo vemos atareado todo el tiempo, no parece tener otra oficina que su teléfono móvil y su maletín. Todas sus relaciones profesionales se basan en poner en contacto a unos con otros, a veces no conociendo a ninguno de ellos. Tampoco sabemos si gana dinero o tiene éxito. Pero sí vemos que se esfuerza constantemente, casi de modo desesperado, en obtener nuevas relaciones, nuevos contactos que permitan que su bicicleta siga en marcha sin caerse. Para ello usa medias verdades, historias casi reales o casi falsas, y una estrategia de encuentros casuales que rayan en el acoso. Pero quizá Cedar comete el error de no dotar a Norman de cierta carga de cinismo más explícita. El personaje demuestra estar lleno de buenas intenciones, de una bondad que lleva al extremo. Algo bastante inverosímil si nos atenemos a la profesión que desempeña y al comportamiento que ésta exige.

Cedar ha arriesgado todo a la carta de Gere y, si bien hay quién dirá que por si solo el actor no basta para mantenerla en pie, la película muestra una crítica, quizá a veces poco sutil, sobre el mundo de los negocios, las influencias, la interacción entre el ámbito público y asuntos privados y sobre la manipulación y utilización de las personas.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Joseph Cedar
  • Guión: Joseph Cedar
  • Intérpretes: Richard Gere, Lior Ashkenazi, Michael Sheen, Charlotte Gainsbourg, Dan Stevens y Steve Buscemi
  • País: EEUU
  • Duración: 117 minutos
  • Música: Jun Miyake
  • Fotografía: Yaron Scharf

Trailer:

FRANTZ - OZON SE ATREVE CON UN REMAKE DE LUBITSCH - EN DVD



Sinópsis:


En una pequeña ciudad alemana tras la I Guerra Mundial, Anna va cada día a la tumba de Frantz, su novio muerto en combate en Francia. Un día se encuentra con un joven, Adrien, que ha ido a depositar flores en la tumba de Frantz. La presencia de Adrien, un francés en una Alemania derrotada, creará tensión en el pueblo.

Crítica / texto:

Llega al DVD de la mano de Cameo Frantz, que se estrenó en 2016 en el marco del Festival de Cine de San Sebastián, con muy buena acogida por parte del público. Aquí Ozon se atreve con este remake de Remordimiento, de Ernst Lubitsch, aunque inicialmente sin saberlo. Y la acomete de un modo no sólo distinto a la obra de Lubitsch, sino distinto a sus trabajos previos. Con una moderación muy distinta la sensualidad que desprenden algunas de sus anteriores películas, el propio director declara que es "su película menos sensual", que trata sobre "unos jóvenes que no saben exactamente lo que sienten y están rotos por la guerra".

La fotografía Pascal Marti hace que la cinta parezca filmada en los años 30 y resulta fundamental para lograr la ambientación que busca el director. A ella se suman el vestuario y la dirección artística. para conjurarse y recrear una atmósfera totalmente verosímil.La música da el broche a este conjunto de elementos que ayudan a enmarcar la historia.


El papel de Pierre Niney (Adrien), uno de los grandes actores del momento, queda eclipsado por la interpretación de Paula Beer (Anna, la novia del fallecido Frantz). Y es digna de mención su química interpretativa que aporta fuerza a las escenas que comparten.

El guión nos lleva a analizar la visión que dos pueblos tienen de otro tras una guerra. Para los unos, los otros son su monstruo, el monstruo que les ha arrebatado a sus hijos, padres, amantes o hermanos. Aunque cada pueblo, vencedor o vencido, haya sido en sí mismo víctima de la misma locura. Frantz es el deseo de reconciliación de un pueblo con otro, a través de las visitas que Adrein hace a los padres de Frantz. Pero el guion no deja de esconder sorpresas, que nos llevan a recordar la siguiente cita "la verdad es al primera víctima de la guerra".

Este trabajo resulta una interesante reflexión sobre el drama de la guerra, y las consecuencias de la violencia institucional, no sólo para los muertos y derrotados sino también para los supervivientes y supuestos vencedores.

Ficha técnico-artística:

  • Director: François Ozon
  • Guión: François Ozon, Philippe Piazzo
  • Intérpretes: Paula Beer,  Pierre Niney,  Johann von Bülow,  Marie Gruber,  Ernst Stötzner, Cyrielle Clair,  Alice de Lencquesaing,  Anton von Lucke
  • País: Francia, Alemania
  • Duración: 113 minutos
  • Música: Philippe Rombi
  • Fotografía: Pascal Marti

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9 sept. 2017

IT, VOLVEREMOS A FLOTAR

Miedo, divertimento de los monstruos. Niños y no tan niños, hemos sufrido en nuestra piel latir el corazón más fuerte. 



IT, el "Payaso Pennywise",  el "Payaso Bailarín", ESO  o el causante de muchos traumas infantiles con respecto a los payasos, llámalo como quieras...Ha vuelto.



Cada veintisiete años, el pequeño pueblo de Derry (Maine) sufre en su haber multitud de desapariciones, principalmente de menores, por "aparentemente" circunstancias desconocidas. Nadie se atreve a aventurarse en averiguar qué es lo que ocurre en aquél lugar, excepto siete niños a los que el destino ha querido que descubran y acaben con ESO.

Aún latente para muchos la interpretación de Tim Curry, Andy Muschietti trae de nuevo a la gran pantalla a una de las mejores novelas de Stephen King, con un film que no defrauda y está a la altura del desafío.



Metraje sublime, que no permite al espectador descansar durante la proyección sin dejar que se pierda información por el camino. IT, ha sido una película hecha con mimo a sabiendas de las exigencias del público, capitaneada a nivel interpretativo por Bill Skarsgård (IT) digno de provocar nuevos traumas y un reparto juvenil que da esperanzas a nuevos proyectos, con especial mención a Sophia Lillis (Beverly Marshall), Finn Wolfhard (Richie Tozier) y Jack Dylan Grazer (Eddie Kaspbrak).

Temática oscura en el fim, que se agrava con la fotografía, típica de este tipo de películas que a pesar de no ser sorprendente, cumple con el objetivo. Sin embargo, un punto a destacar tiene que ver con ámbito sonoro, que como el monstruo, se encuentra en escena en todo momento pero no se percibe realmente hasta que ya es demasiado tarde para escapar.



Lejos queda la mini-serie de los 90's que aunque siempre quedará en la mente de todos, con esta nueva adaptación viviente, el público volverá a dejar que sus más profundos miedos floten en el ambiente, porque con "eso"...Todos flotamos.


Ficha técnico-artística:

  • Director: Andy Muschietti
  • Guión: Chase Palmer, Gary Dauberman
  • Intérpretes: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberther, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Chosen Jacobs, Jake Sim, Nicholas Hamilton
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 135 minutos
  • Música: Benjamin Wallfisch
  • Fotografía: Chung- hoon Chung

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8 sept. 2017

BLU-RAY: ALIEN COVENANT Y EL PODER DEL FANDOM

Con motivo del lanzamiento del Blu-Ray de Alien: Covenant, recordamos la última entrega de la mítica saga de xenomorfos.


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No debe ser fácil arriesgar con un nuevo proyecto en relación a uno de los grandes iconos del cine, y mucho menos después de las grandes y duras críticas que sufrió su anterior intento. Al igual que no debe ser fácil ponerse en la piel de un director que se ha visto condicionado por parte de su público. Por ello, hoy más que nunca empatizo con el señor Ridley Scott.

Alien: Covenant es un ejemplo más que demuestra lo poderoso que puede llegar a ser el público fiel de una saga. Las exigencias y los lamentos han sido escuchados por Scott, pero también por los guionistas del fim: John Logan y Dante Harper, quienes han querido ofrecer a su sector más crítico lo que piden, un reboot de Alien: el octavo pasajero y Aliens, el regreso, aunque con una base de maquillaje.


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No hay que olvidar nunca que el universo Alien ha tenido en su haber grandes títulos que ya forman parte de la industria como clásicos imprescindibles de la ciencia ficción. Pero a su vez, aparecen nombres de los que es mejor no acordarse demasiado, como parte de Alien³ y la tan discutida Alien: Resurrección.


Sin embargo, en los tiempos en los que nos encontramos, cualquier detalle relacionado con algún considerado "canon" será analizado al detalle hasta su valoración final, donde podrá formar parte de la élite o bien, será lanzado desde el monte Taigeto como si nos rigiéramos por las leyes espartanas.


Es por ello, que Prometheus, la gran apuesta de 2012, sufrió la crítica, a mi juicio desmedida por cierta parte del público, a pesar sus buenas intenciones de las que hablaré más tarde. Es por estos antecedentes por los que creo que Ridley Scott no ha querido arriesgar apenas con Alien: Covenant, aunque viendo las críticas cosechadas, no tenía mucho que perder.


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He de ser sincera, cuando fui a ver Covenant iba con muy bajas expectativas, el trailer dejó mucho que desear para mí ya que ya me mostraban al alien o xenomorfo en él, que entiendo que ya sabemos todos cómo es, pero al mostrarlo, deja ya un punto al descubierto y no consiguió captar mi atención. Además, Prometheus no terminó de encantarme pero tampoco considero que sea una mala película, al contrario, encuentro que es un buen aporte a la historia, y simplemente creo que no me llegó esa "chispa" que esperaba encontrar. Puestos ya en escena, he aquí mi análisis a Covenant, sin spoilers, o por lo menos, no importantes, lo cual es difícil de hacer.


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Su argumento inicial nos lleva a encontramos con una nueva tripulación cuya misión será llevar a unos dos mil colonos para habitar un nuevo planeta, pero antes de llegar a su destino, aparece un mensaje encriptado que hará replantearse al equipo el rumbo de su historia. Si bien es cierto que este inicio ya resulta familiar, la asignación psicológica de los personajes tampoco innova, porque de nuevo, Covenant no se salva de la inclusión de "personajes tipo" que ya conocemos: el líder que no pretende serlo, el que debe hacer frente a una pérdida, el que suaviza la tensión en escena...


Sí que es cierto que realmente este tipo de películas no se caracterizan por unos personajes con una introspectiva cuidada, pero tampoco se puede pasar por alto la poca empatía entre los personajes aún cuando les unen vínculos sentimentales.


Si analizamos la situación, en las antiguas entregas clásicas o sin irnos tan lejos, en Prometheus tampoco nos brindaron un apego arraigado entre los protagonistas, pero sí que te hacía entender como espectador que hay un atisbo de sensibilidad, algo que aquí, resulta cuanto menos extraño.


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Otro punto relacionado al cariz de los personajes es el poco carisma que presentan, en especial el personaje de Daniels, a quien da vida Katherine Waterston que a pesar de tener una importante carga en la trama, apenas muestra una psicología que le haga destacar. Es comprensible que se "enfrenta" a dos grandes heroínas como la teniente Ellen Ripley y la doctora Elizabeth Shaw, interpretadas por Sigourney Weaver y Noomi Rapace respectivamente.


Pero eso no debería impedir darle un valor moral a su personaje, lo cual hace replantearnos de nuevo el poco esmero que se le ha dado a los personajes, a excepción de los interpretados por Michael Fassbender, quien hace unas interpretaciones impecables a pesar de la complejidad de sus personajes. Nadie duda de su capacidad como actor y desde luego, es una película hecha para que su talento e imagen luzcan durante todo el largometraje.


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Sus dos personajes, los robots David y Walter, son los dos artífices de las intenciones de Ridley Scott, ya que representan la dualidad de opiniones ante la perfección, simbolizando a la humanidad. Al tiempo, hacen replantearnos el papel que puede jugar un ser y su creador, el egocentrismo que supone descifrar tu papel en el mundo con su derivación y la contraposición entre el deber y el deseo. En añadido, el papel de David, con una historia en relación a los ingenieros y al personaje de la doctora Elizabeth Shaw es, sin lugar a dudas merecedora de más y a pesar de ello, forma parte de lo mejor de la película.


En cuanto a la historia de la transmisión y el nuevo planeta, se han podido vislumbrar los deseos del director y los guionistas, en la que lamentablemente a mi parecer no han querido involucrarse más de lo debido tras el rechazo anterior. La aparición de un nuevo xenomorfo, a mi juicio más impresionante al que nos tienen acostumbrados, le da una gran puesta en escena a la película, no solo por su aspecto, sino por su origen y aparición que sorprende agradablemente. Repito, es una lástima que no se haya podido ver más en la película, pero esperemos que en la siguiente, se pueda volver a disfrutar de ello o por lo menos algo que se asemeje.


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Covenant está dotado de un ritmo fílmico que sorprende, en una buena parte por este nuevo xenomorfo, ya que incurre continuamente durante buena parte de la película que impide que te aburras durante la proyección. A fin de cuentas, la acción es la esencia de este tipo de películas y un buen montaje permite que se reviva este tipo de tensión. Presenta una buena consecución de planos que ayudan a generar ese estrés, que quizá no fue tan notable en Prometheus.


La estética tan cuidada en la película hace ver que la fotografía era uno de los objetivos del equipo ya que cuenta con una gran variedad de similitudes con los planos de las clásicas, o incluso tener secuencias prácticamente iguales. Con esto, espero que el público más exigente lo valore, añadiendo que su ambiente oscuro y la predominancia de colores fríos, da un aspecto de "suciedad" al film que hace recordar en esencia a Aliens: el Regreso.


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Su banda sonora sabe meterte en situación, se asemeja al estilo que se marcó con Prometheus y en mi opinión, el compositor Jed Kurzel, hace un trabajo bastante apropiado a la temática, aunque ya nos tenía acostumbrados con Macbeth y Assassin's Creed.


Llegados a este punto, es una película entretenida, que se deja ver por su fluidez pero que te deja con la sensación de extrañeza al verla. El hecho de haber ido con unas bajas expectativas influye en mi valoración, pero en puntos generales es una mezcla entre las clásicas películas de Alien y Prometheus. Sí, Covenant es un nuevo proyecto pero da la sensación de que ya la hemos visto.


Y en cierto modo, es irónico a la par que injusto que debido a las críticas a la anterior entrega, Prometheus, que prometía dar un toque de frescura, no haya surgido esa continuación original que nos querían mostrar. Sinceramente creo que este film, aún siendo ameno, no logra sorprender por el miedo que tuvo el equipo a nuevas quejas y decepciones por parte de los fans. Sólo las buenas intenciones del director sabrán si la crítica se equivocó al juzgar precipitadamente o sirvieron para evitar un mal mayor.


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Es por ello que no puedo evitar sentir algo de lástima por Ridley Scott y por su nueva versión de Alien, ya que Prometheus era una pequeña pieza de un puzzle que podría haber dado un inicio digno a la historia, sin embargo ese puzzle ha quedado un poco incompleto o por lo menos con una neblina sobre sus piezas, por las exigencias de los fans. Veremos si la siguiente película puede dejar a todos con un buen sabor de boca.


Al menos, usted lo intentó señor Scott.


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Ficha técnico-artística:
  • Director: Ridley Scott
  • Guión: John Logan, Dante Harper 
  • Intérpretes: Michael Fassbender, Katherine Waterson, Billy Crudup, Demián Bichir, Danyy McBride, Carmen Ejogo
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 123 minutos
  • Música: Jed Kurzel
  • Fotografía: Dariusz Wolski

Trailer:



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