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24 mar. 2017

NUEVO TRAILER Y PÓSTER DE ALIEN COVENANT



Con la sugerente frase "La ruta que lleva al paraíso comienza en el infierno." 20th Century Fox acaba de desvelar este impresionante póster para el inminente estreno de "Alien Covenant" en su página oficial. El 12 de Mayo, una semana antes que en los estados unidos, descubriremos si esta vez el veterano realizador Ridley Scott ha conseguido acercarse en calidad al "Alien: El octavo pasajero" que nos brindó en 1979. Los trailers e imágenes filtrados hasta el momento parecen indicar que así será.


También se ha liberado una nueva versión del trailer final, con mas segundos que el ya visto hace unos días. Tras el poster podréis verlo. Eso si, procurad no hacerlo con las luces apagadas.






23 mar. 2017

HANA BI - FLORES DE FUEGO - TAKESHI KITANO

Nishi es un violento e impredecible policía que abandona su carrera como agente de la ley después de que su compañero quede postrado en una silla de ruedas en un accidente. Acuciado por las deudas por culpa de la enfermedad terminal que sufre su mujer, se verá obligado a pedir un préstamo a la yakuza que antes combatía.

Crítica



La figura de Takeshi Kitano apenas necesita presentación; director, actor, cómico, guionista y realizador de algunas de las películas más celebradas del cine nipón de las últimas décadas. Venerado en su país de origen, puede presumir de una filmografía llena de títulos imprescindibles.


Debutando como director con la interesante Violent Cop en 1989, Kitano se especializó en dirigir filmes de temática violenta a comienzos de los noventa. Películas como Boiling Point o Sonatine, que retrataban el mundo la Yakuza -mafia japonesa- de forma descarnada y realista, le brindaron cierta notoriedad en su Japón natal. Pero la piedra de toque que supuso el reconocimiento del director a nivel internacional llegaría pasado el meridiano de la década, en 1997, con la película Hana Bi.
Ganadora del prestigioso León de Oro en el Festival de Venecia en 1997, este duro drama policiaco le supuso a Kitano el aplauso general de crítica y público. Una cinta que daba buena muestra del potencial del director y le presentaba ante el gran público como uno de los cineastas asiáticos más a tener en cuenta.

La película pone al espectador en la piel de Nishi, interpretado por el propio Kitano. Un áspero ex policía que tras un tiroteo en el que su compañero de patrulla acaba postrado en una silla de ruedas, decide dejar el cuerpo. Incapaz de sufragar el tratamiento médico a su mujer, enferma terminal, tomará la decisión de pedirle un préstamo a la mafia que antes perseguía. Hostigado por la Yakuza, Nishi iniciara un plan con el que intentara darle solución a sus problemas. Una huida hacia delante que el espectador intuye como una carrera casi suicida. 



El director, todo un experto en plasmar violencia en la pantalla, la utiliza aquí de manera casi poética y como motor de avance de la trama. Consigue un equilibrio imposible entre la ternura que Nishi muestra con su mujer y la brutalidad con la que trata a sus enemigos. Construye con una mezcla de humor negro y ternura uno de los personajes más interesantes de su carrera. La motivación de este antihéroe, aunque pudiera parecer lo contrario, no es la ira, la venganza o el remordimiento, sino el amor más profundo hacia su esposa. Un protagonista que apenas tiene dialogo y sostiene su personaje con gestos, miradas o largos silencios. Una conjunción de lírica y violencia que descubrió a Kitano como un realizador con una sensibilidad arrolladora.

Flores de fuego es una película exigente con el espectador que quizás desalentado por el tempo pausado característico del cine asiático se vea tentado a tirar la toalla. Su ritmo lento, en ocasiones casi estático, puede abrumar a quien se acerque a la cinta. Una cinta para ser disfrutada casi como si fuera un lienzo en movimiento. Un retrato de la violencia único en su género e impregnado de una melancolía que traspasa la pantalla y que deja huella en el espectador. Takeshi Kitano consigue lo imposible en esta cinta, dotar a la violencia de un halo de belleza y dignidad nunca antes visto. 



La banda sonora corre a cargo de Joe Hisaishi, toda una leyenda en Japón y conocido en occidente por ser el compositor de cabecera del director Hayao Miyazaki. Este trabajo intimista y envolvente aprueba con nota en una película donde los silencios tienen tal importancia que la música se convierte en un personaje más. Su labor al frente del apartado sonoro le valió en 1997 un merecido premio de la Premios de la Academia Japonesa a la mejor banda sonora.


Recientemente la editora Mediatres ha editado en nuestro país Hana-Bi en Blu-ray y DVD. Una edición remasterizada en alta definición y con un completo libreto que hará las delicias de los seguidores del director nipón. Una oportunidad inmejorable para acercarse a la obra de Kitano con una de sus películas más emblemáticas. Autentica poesía a 24 fotogramas por segundo. 

Ficha técnico-artística:

  • Director: Takeshi Kitano
  • Guión: Takeshi Kitano 
  • Intérpretes: Takeshi Kitano, Kayoko Kishimoto, Tetsu Watanabe, Ren Osugi, Susumu Terajima, Yasuei Yakushiji, Tarô Itsumi, Makoto Ashikawa, Yûko Daike
  • País: Japon
  • Duración: 102 min
  • Música: Joe Hisaishi
  • Fotografía: Hideo Yamamoto

Trailer



22 mar. 2017

HARDCORE HENRY - CINE DE CULTO -

No recuerdas nada. Tu esposa te acaba de resucitar. Te dice que te llamas Henry. Cinco minutos más tarde, te han disparado, la han secuestrado y debes rescatarla. ¿Quién la tiene? Su nombre es Akan, un poderoso señor de la guerra que cuenta con un ejército de mercenarios y un plan para dominar el mundo. Estás en la, para ti, desconocida Moscú y todos te quieren muerto. Todos, menos un misterioso británico llamado Jimmy. Si puedes sobrevivir a la locura y desvelar el misterio, tal vez puedas descubrir la verdad acerca de tu identidad.

Crítica



En ocasiones los requisitos para que una película adquiera el estatus de “culto” suelen estar bastante desdibujados. Filmes minoritarios, ignorados en el momento de su estreno, fracasos flagrantes de taquilla que han triunfado por el boca a boca en el mercado doméstico años más tarde. Y la mayoría de las veces suele ser así, pero en contadas ocasiones el mercado suele alumbrar clásicos de culto instantáneo. Por nombrar alguno de los ejemplos más recientes tenemos la notable Dredd (2012, Pete Travis), Redada Asesina (2011, Gareth Evans) la reciente It Follows (2014, David Robert Michell) o la cinta que nos ocupa hoy, Hardcore Henry (2015, Ilya Naishuller)


Cartel de la película

En el año 2013 un videoclip de la banda rusa Biting Elbows para su tema “Bad Motherfucker” revolucionó internet. A lo largo de cuatro minutos y medio de pura adrenalina seguíamos en primera persona a un agente secreto que debía robar un dispositivo de teleportación. Viral desde su lanzamiento, el videoclip sumó más de 10 millones de visitas en apenas unos meses, a día de hoy el conteo va por los 37 millones y sigue subiendo a un ritmo lento pero inmutable. Tras aquella maravilla estaba el jovencísimo director Ilya Naishuller -nacido en 1983- que firmaba su primer trabajo dejando a la industria boquiabierta. Nada más se supo del debutante realizador hasta que en 2015 y casi por sorpresa se estrenaba Hardcore Henry, una versión alargada de aquel corto amparada bajo el mecenazgo del director y productor Timur Bekmambetov.

Acabas de despertar, te llamas Henry.

El ruso Timur Bekmambetov siempre ha sido considerado como un director con un talento visual desbordante, pero sin una vis cinematográfica que encamine su enorme potencial visual hacia un fin concreto. Director de cintas tan impactantes visualmente como irregulares en su desarrollo como "Wanted" o "Guardianes de la noche", deja notar su particular influencia desde los títulos de crédito. Pero la presencia del debutante Ilia Naishuller contiene los excesos del veterano realizador canalizando su potencial y conocimientos en el uso de la imagen y poniéndolos al servicio del filme. Sabiendo que la trama es una mera excusa para desplegar una escena de acción detrás otra, Naishuller lleva a la gran pantalla todo aquello que nos mostró en su debut videoclipero, esta vez, elevado a la enésima potencia. Sin perder su identidad propia, solo hay que comparar “Bad Motherfucker” con “Hardcore Henry”, nos ofrece la historia que quiso contar en aquel entonces, pero que quizás por falta de experiencia o guía, se quedó en una talentosa intentona. Obtiene una sintonía perfecta con el estilo de Bekmambetov, pero con una voz propia que le da un lavado de cara al estilo de su mecenas.

Hardcore Henry se sostiene sobre un hilo argumental fino, casi inexistente, pero que sabe conducir el avance del filme sin ningún problema. Sabedor de esto, el director intercala momentos de humor -bastante negro, eso si- con otros decididamente dramáticos, desarrollando paralelamente la trama de Jimmy (Sharlto Copley) junto a la del propio Henry. No es un divertimento descerebrado, y aun con una justificación mínima, la violencia queda aceptada y legitimada por completo. Copley lleva el peso de la trama sobre sus hombros con gran acierto y nos ofrece algunos de los momentos más divertidos y brillantes del filme. Las escenas de violencia, numerosas y variadas, son un auténtico recital de recursos cinematográficos. Nos ofrece a lo largo de 95 minutos, puntos de vista insólitos, coreografías a pie, en vehículo o usando el escenario como si fuera un personaje más. Una vision novedosa que nunca antes se había plasmado con tal acierto en la gran pantalla. Revoluciona en cierta manera el género como otras cintas modernas, -John Wick, sin ir más lejos-, han hecho más tarde. En esta ocasión, más es mejor, y el espectador asiste gozoso al espectacular recital a manos de Naishuller. Es imposible despegar la vista de la pantalla. Consciente de su condición, el realizador juega con el espectador llevando la fórmula casi al extremo de parodia, como en la aplaudida última escena del filme. Pero ni aun así consigue sacar al espectador del juego en el que está inmerso. Quien busque una trama profunda, no la encontrará, quien busque escenas de acción con una calidad sobresaliente, si que saldrá mejor parado. No hay que baremar esta película más que consigo misma, sus propios logros, que no son pocos y dejarse llevar por una de las cintas más sorprendentes del pasado 2015. 

Sharlto Compley en una de sus numerosas encarnaciones en la película. 

En el apartado actoral, Sharlto Copley interpreta un papel de antología prestando su físico a las diferentes encarnaciones de “Jimmy” a lo largo de la película. Omnipresente compañero de un protagonista en primera persona que no articulará una sola palabra a lo largo del filme, sirve como contrapunto y alivio cómico. El actor sudafricano aborda una amplísima gama de registros, acentos y encarnaciones demostrando una versatilidad actoral formidable. Un irreconocible Danila Kozlovsky como Akan será carismático el villano de la función. Convincente en su rol de megalomaníaco quizás hubiera necesitado algún minuto más en pantalla para desarrollar su personaje de manera mas profunda. Completa el plantel protagonista la bella Haley Bennett como damisela en apuros y esposa de Henry. Papel con un giro esencial en la trama y una interpretación por parte de Bennet más que correcta


En Hardcore Henry no hay momento para el descanso.

Naishuller no inventa ninguna fórmula. El recurso de narrar en primera persona tiene mucho más recorrido del que se pueda imaginar. Ya en 1947 veía la luz La dama del lago (Robert Montgomery), primera película en ser rodada íntegramente en primera persona. Una extravagancia de cine negro que no tuvo demasiada trascendencia cinematográfica. A esta le siguieron títulos célebres como “El proyecto de la bruja de Blair” (1999), Monstruoso (2008), La trilogía V/H/S(2012/13/14), o Chronicle (2012). Incluso el cine patrio con REC (Jaume Balaguero 2007), un título capital de nuestro fantástico, ha jugueteado de forma bastante acertada con la cámara subjetiva. Lo que el realizador ruso consigue es no agotar al espectador en ningún momento. Se juega todo el metraje a una carta con un único protagonista, y se las ingenia para ofrecer una innumerable variedad de situaciones aun cuando el personaje central no articula una sola palabra durante todo el filme. Una proeza desde el punto de vista formal. Construye un proyecto sólido, rabiosamente entretenido y solvente cinematográficamente. Una película en la que el argumento es una mera excusa para desplegar un arsenal de violencia explosiva. Una pelicula unica en su genero, de culto desde su mismo estreno e injustamente desconocida entre el gran público. 

Desde febrero podemos disfrutar en nuestro país de esta obra de culto moderna gracias a la distribuidora Cameo. Editada en formato DVD con una altísima calidad de imagen y sonido, no hay excusa para no hacerse con esta obra que, sin duda alguna, se revalorizara con los años. Una cinta casi desconocida que contentará a los amantes de la acción más desenfrenada, el cine experimental, coleccionistas de filmes de culto y a cinéfilos sin prejuicios. 

7/10

Ficha técnico-artística


  • Director: Ilya Naishuller 
  • Guión: Ilya Naishuller y Will Stewart 
  • Intérpretes: Sharlto Copley, Danila Kozlovsky, Haley Bennett, Tim Roth 
  • País: Rusia 
  • Duración: 96 minutos 
  • Música: Dasha Charusha 
  • Fotografia: Seva Kaptur, Feodor Lyass y Pavel Kapinos

Trailer:


19 mar. 2017

LA TORRE OSCURA DESVELA SU PRIMER POSTER OFICIAL

Acaba de desvelarse el primer póster oficial de la esperada adaptación a pantalla grande de "La torre oscura", una de las sagas literarias más célebres de su autor, el escritor Stephen King. Dirigida por Nikolaj Arcel y con Idris Elba y Matthew McConaughey al frente del reparto, la película tiene como fecha estimada de estreno el mes de agosto de este 2017. De momento y hasta que aparezca el primer teaser trailer este poster es el único material oficial disponible junto a las pocas fotografías de producción que han sido filtradas. 


18 mar. 2017

EL GUIONISTA ZAK PENN DESMIENTE LOS RUMORES DE UN REBOOT O UN REMAKE DE "MATRIX"

Todos los mentideros de Internet buyeron el miércoles pasado tras un reportaje en el que el guionista Zak Penn afirmaba estar trabajando en un remake de la saga Matrix

En seguida decenas de foros especializados en cine se llenaron de mensajes donde los fans de la legendaria trilogía pusieron el grito en el cielo por la idea de que una serie tan reciente en el tiempo y que ha marcado a toda una generación de cinéfilos fuera a conocer una remake. Ante tal revuelo el propio guionista tuvo que aclarar algunos puntos en su cuenta de Twitter pocos días después.

"¿Quiero ver mas historias dentro del universo de Matrix? Sí! Porque es un concepto brillante que puede generar grandes historias"
"¿Que tal si tan solo reestrenamos Matrix? No hagas un reboot de la película si no puedes hacerlo mejor que el original

"No puedo decir nada, solo que las palabras reboot y remake salieron del propio articulo, paremos de dar cancha a noticias inexactas"
"Todo cuanto puedo decir por el momento es que nadie podria o deberia hacer un reinicio de Matrix. La gente que conoce Animatrix y los cómics de la saga sabrán lo que quiero decir"

Tras estas declaraciones, que parecen mas una maniobra publicitaria que un desmentido oficial, se pone en marcha la maquinaria publicitaria para el filme. Sin saber todavía muy bien cuando o donde se ubicará dentro de la saga es imaginar que las noticias empezaron a salir con cuentagotas durante los próximos meses. Habrá que estar atentos.

Trio protagonista de la trilogía original.

17 mar. 2017

EL LAGO DE SATÁN - CINE DE CULTO -


Vardella, una fiera bruja ajusticiada por los aldeanos de Transilvania en el siglo XVIII, vuelve en la persona de una atractiva y recién casada chica inglesa, Veronica (Barbara Steele). Su marido Phillip (Ian Ogilvy) intentará combatir a las fuerzas del mal ayudado por el sabio profesor Von Helsing (John Karlsen), descendiente del hombre que mató al conde Drácula.

Crítica


El lago de satán (1966) es una rara avis dentro del fantástico de los años sesenta. Se sitúa a  caballo entre las alambicadas producciones de la Hammer de mediados de los sesenta y la serie b que otras distribuidoras menores estaba produciendo en aquellos años. Con aspiraciones de gran historia, el joven realizador, Michael Reeves, saca oro de un presupuesto exiguo y un reparto con desigual talento que son los mayores lastres de este filme.  Pero el tremendo talento de Reeves en su ópera prima, hace que todo luzca en pantalla con una dignidad y estética más propios de una producción mayor que de una Serie B.


Cartel original de la cinta
Situada en dos líneas temporales, una presente donde se desarrolla la historia principal y otra ubicada 200 años antes donde se narra la historia de la Bruja Vardella, El Lago de Satán es una historia arquetípica de brujería. Situada en Transilvania a mitad de la década de los sesenta nos narra las desventuras de un matrimonio que en su viaje de luna de miel se verá inmiscuido en una maldición centenaria. Los escenarios y la ambientación son totalmente creíbles y el diseño de producción aprovecha el ridiculo presupuesto de 15.000 libras al máximo. El maquillaje de la propia bruja y todas las escenas ambientadas en el pasado, edificios y vestuario, dan una total sensación de credibilidad y podrían pasar por escenas de una producción de mayor envergadura. En ningún momento se aprecia la temida sensación de "cartón piedra" que era tan común en muchas cintas de terror de aquellos años. 



La terrible bruja Vardella

El debutante director Michael Reeves consigue una narrativa ligera y fluida en los 79 minutos de metraje de la cinta. Teniendo en cuenta que era la primera película en la que ejercía labores de dirección, el joven realizador sale aprobado con nota. Cae en algunos fallos menores y lleva a cabo algunos giros tramposos de guión, que, siempre al servicio de la trama, pueden pasarse por alto. Sin embargo en ningún momento se hace pesada y consigue enganchar al espectador casi desde el primer fotograma. 



La pareja protagonista
Al frente del reparto tenemos a una de las musas del género, Barbara Steele que presta su bello rostro a Verónica, la protagonista de la cinta. Su hipnótica aparición en la cinta –se dice que grabó todo su papel en una sola jornada maratoniana de 18 horas- deja huella e incluso se hace escasa. Con menor fortuna tenemos a su contrapartida masculina, el actor británico Ian Ogilvy, quien aun demostrando una química evidente y palpable con su compañera de reparto, cae en la sobreactuación, más propia de un caricato que de un actor serio, en más de una ocasión. Un plantel de interesantes secundarios, entre los que destaca John Karlsen como el Conde Van Helsing  da la réplica a la pareja protagonista. Gran parte del equipo de la cinta, debido a las limitaciones de presupuesto, ejercició además como secundarios o como extras.


Barbara Steele
El director consigue algunos momentos de puro cine de terror  impropios de un realizador novel de tan solo 23 años. Las apariciones de la Bruja Vardella vienen acompañadas de un clima enrarecido, malsano y extraño que consigue inquietar al espectador.  Algunos giros de guión ilógicos consiguen romper el clímax alcanzado por Reeves en más de una ocasión y hacen que la cinta bordee peligrosamente en la serie Z más ramplona.  Sin embargo el cómputo final hace que el director consiga una película que si bien no pasó a la historia del género como un filme notable, sí que lo hizo como una ópera primera destacable y un filme interesante. Una madera de buen director que cristalizó en sus dos siguientes películas en las que ya se apreciaba una evolución clara desde este lago de satan. Sin embargo y por méritos propios esta cinta puede acreditarse sin ningún problema como "de culto", quizás, en parte, gracias a la temprana desaparición de su director. 


El director Michael Reeves
En definitiva, El Lago de Satán es una película primeriza, con todo lo que ello conlleva. Una ópera primera de un director que en sus siguientes títulos, “Los Brujos”, y sobre todo con su tercer filme “Cuando las brujas arden” se posicionó  como uno de los más talentosos directores de género de su época. Por desgracia, Michael Reeves falleció por una sobredosis medicamentosa accidental a la edad de 25 años en 1969 dejando truncada lo que hubiera sido a buen seguro una brillante carrera y pasando a formar parte de la leyenda del género.  Nos quedan tres películas como legado cinematográfico para recordar al malogrado realizador y la idea de hasta dónde podría haber llegado en el séptimo arte en los años posteriores. 


El conde Van Helsing, cazador de brujas.
En España podemos disfrutar de esta película en una correctísima edición en formato DVD publicada por el sello Vial of delicatesen y distribuida por Cameo. Toda una joya con audio en castellano e inglés y una imagen restaurada que no amerita para nada el paso del tiempo. Una pieza de culto para los amantes del terror más desconocido. 


6/10 

Ficha técnico-artística:

  • Director: Michael Reeves
  • Guión: Michael Reeves, F. Amos Powell
  • Intérpretes: Barbara Steele, John Karlsen, Ian Ogilvy, Mel Welles, Joe 'Flash' Riley
  • País: Coproducción Reino Unido-Italia
  • Duración: 79 min.
  • Música: Paul Ferris
  • Fotografía: Gioacchino Gengarelli

Trailer:



8 mar. 2017

89 GALA DE LOS OSCAR

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Moonlight se alza con un triunfo inesperado que desluce la que iba a ser la noche de La La Land que, aun así, se alza con 6 estatuillas. Hasta el último hombre y Manchester frente al mar mantienes el tipo con sendas estatuillas cada una. Las grandes perdedoras de la noche fueron Lion, Comanchería. Jackie o Figuras Ocultas que se han ido de vacío. La gala ha sido marcada sobre todo por el garrafal error final que ha eclipsado cualquier otro aspecto de la ceremonia que si no hubiera sido por ello, habría pasado a la historia por ser la más conciliadora de los últimos años donde el “White power” que tanto se criticó en el anterior certamen ha quedado totalmente solventado y donde ha habido especial atención a los premios otorgados a películas, actores o cineastas especialmente afectados por la problemática racial o migratoria.

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Una semana después de la entrega de los Oscar (26 de febrero) lo que más se está comentando no es que La La Land, la gran favorita con 14 nominaciones, haya salido tan solo con 6 premios o el sorprendente triunfo de Moonlight, o el acierto de Jimmy Kimmel como maestro de ceremonias con gags y chistes sutiles contra la política de Trump o el aire conciliador imperante en toda la gala en el que siempre había voces a favor de la convivencia y unión de culturas, pueblos y naciones. No. Lo que más se está comentando es el garrafal y surrealista error final de la gala en la que un lio de sobres hizo que primeramente se diera como ganador a La La Land como mejor película para luego, minutos después el propio productor del musical reconociera su derrota y diera la estatuilla al verdadero ganador: Moonlight. Un error garrafal que le está costando caro a la academia que pronto ha salido al paso diciendo que depurará responsabilidades. Aunque el daño está hecho y es que tal chapuza y bochorno da descredito a la más famosa gala de premios cinematográficos del mundo. Hay voces incluso que hablan de tongo aunque todo resultó ser mucho más sencillo de explicar: A Warren Beaty le dieron por error el sobre de mejor actriz que si fue para Emma Stone por La La Land… ante el desconcierto leyó solo la película y ahí es cuando se lio todo. Pero analicemos como ha sido la gala desde el principio

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                La ceremonia empezó potente y con un chorro de energía infundido por la optimista y fiestera canción de Justin Timberlake  Can´t Stop The Feeling de la película Trolls y con este entusiasmo el propio cantante da paso al maestro de ceremonias de la gala: Jimmy Kimmel con un inspirado, mordaz e incisivo monólogo muy enfocado a lo que es una reivindicación a favor de la integración de las razas y culturas, unas puyas serias contra la política antinmigración de Trump y demás bromas más dedicado al aspecto cinematográfico que se está celebrando. Como refuerzo al ambiente conciliador y con un sutil revés hacia la política del presidente podría entenderse el primer premio de la noche: Mahershala Ali se alzó como Mejor Actor De Reparto por su papel en Moonlight siendo el primer musulmán en llevarse la estatuilla.

                La gala iría avanzando con los premios a mejor maquillaje y peluquería (Escuadrón Suicida) mejor vestuario (Coleen Atwood por Animales fantásticos y donde encontrarlos), mejor largometraje documental (O. J Made In America) así como la la land vería como se le escapaban los Óscar a mejor sonido (La Llegada) y mejor montaje de sonido (Hasta el Último Hombre).

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                Dos momentos intensos en la gala fue el largo y demasiado preparado discurso de agradecimiento de Viola Davis cuando se le entrego el premio a Mejor Actriz De Reparto por Fences (en el que el propio Kimmel bromeó después diciendo que “estaba ya nominada por ello a los premios EMMI”) o el premio a la mejor película de habla no inglesa para la iraní El Viajante en el que su director Asghar Farhadi excusó su ausencia por respeto a los ciudadanos de los 7 países  que se les tiene vetada la entrada a Estados Unidos como otro revés a la política de cierre de fronteras de Trump.

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                Tras los premios al cine de animación (Mejor Cortometraje Para Piper Y Mejor Largometraje Para Zootropolis donde no ha habido sorpresas) por fin La La Land ve su primera estatuilla a la Mejor Dirección Artística. Y aquí hay un pequeño inciso cómico para aligerar la gala en la que Kimmel, al más puro estilo de Ellen Degeneres, introduce un elemento disruptor en la gala haciendo pasar a todo un tour de alucinados y sorprendidos turistas por la platea. Tras el gag vendría otro de los premios: Mejores Efectos Especiales para El Libro de la Selva. Seth Rogen y Michael J Fox con su flamante DeLorean salen al escenario para otorgar el segundo Óscar a la película Hasta el último Hombre como Mejor Montaje. Otro momento reivindicativo contra la política de inmigración de Trump fue cuando se otorgó el galardón a Mejor Cortometraje Documental a Cascos Blancos ya que uno de los cineastas de este reportaje es de los vetados por la ley Trump. Y la única representación española en la gala se quedó con las manos vacías cuando Juanjo Giménez y su corto Timecode vio como Sing le arrebataba la estatuilla a mejor cortometraje de ficción.

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                La La Land, que estaba quedándose rezagada en la escalada de premios, ve propulsado su palmarés con tres estatuillas seguidas: Mejor Director De Fotografía para Linus Sandgren y las obvias y predecibles Mejor Banda Sonora (Justin Hurwitz) Y Mejor Canción Original (City Of Stars)

                Tras el In Memorian viene los premios gordos y el desparrame final. Por lo pronto el Guion Original se lo llevó Kenneth Lonergan por Manchester frente al Mar y mejor Guion Adaptado para Barry Jenkins en Moonlight. Le mejor Director fue Damien Chazelle por La La Land. Para decepción de Denzel Washington y Ryan Gosling, El Mejor Actor fue para Casey Affleck por Manchester frente al Mar y Mejor Actriz Emma Stone por La La Land.

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                Hasta aquí todo iba según lo previsto en una gala que podría calificarse de predecible sin sorpresas ni sobresaltos. Incluso podría decirse que es un calco de otros premios como los Bafta, o los Globos de Oro donde se cumple a rajatabla lo que suele ser una ley no escrita que película que gana esos premios, gana los Oscar. Sin embargo la sorpresa vendría con el último premio: Óscar a la Mejor Película que, rindiendo homenaje a los 50 años de la película de Bonny & Clyde, lo presentaría Warren Beatty y Faye Dunaway y aquí se gestó el desastre del que todo el mundo habla. Un error en los sobres dio primeramente como ganadora a La La Land pero al poco tiempo, y dejando en evidencia a la organización y a la academia en general, se reconoció que había habido un error y la ganadora real fue Moonlight. Los productores del musical tuvieron que interrumpir sus  rondas de agradecimientos y alegría para reconocer su derrota y ceder sus estatuillas a los verdaderos ganadores que no se creían que aquello fuera real.

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                Y con este final esperpéntico se daba por terminada la gala más integradora desde hace mucho donde el triunfo de los actores afroamericanos e inmigrantes, los filmes reivindicativos de tales realidades, y las reflexiones de unión de razas y cultura contra las políticas de Trump que pretendían ser los temas que acapararan las cabeceras de periódicos y tabloides ha quedado eclipsados por ese error que ya pasará a la historia de los Óscar durante mucho tiempo.


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PALMARÉS

Mejor Película: Moonlight
Mejor Actriz: Emma Stone por La La Land
Mejor Actor: Casey Affleck por Manchester frente al mar
Mejor Actriz de Reparto: Viola Davis por Fences
Mejor Actor de Reparto: Mahershala Ali por Moonlight
Mejor Director: Damien Chazelle por La La Land
Mejor Guión Adaptado: Barry Jenkins y Tarell Alvin McCraney por Moonlight
Mejor Guión Original: Kenneth Lonergan por Manchester frente al mar
Mejor Canción Original: City of Stars de La La Land
Mejor Banda Sonora Original: Justin Hurwitz por La La Land
Mejor Fotografía: Linus Sandgren por La La Land.
Mejor Corto de Ficción: Sing
Mejor Corto Documental: Los Cascos Blancos
Mejor Montaje: John Gilbert por Hasta el último hombre
Mejores Efectos Visuales: El libro de la Selva
Mejor Diseño de Producción: La La Land
Mejor Película de Animación: Zootrópolis
Mejor Corto de Animación: Piper
Mejor Película de Habla No Inglesa: El Viajante
Mejor Mezcla de Sonido: Hasta el último Hombre
Mejor Edición de Sonido: La llegada
Mejor Documental: O.J.: Made in America
Mejor Vestuario: Coleen Atwood por Animales fantásticos y dónde encontrarlos
Mejor Maquillaje: Escuadrón Suicida

Oscar Honoríficos: Jackie Chan, Frederick Wiseman, Anne V. Coates y Lynn Stalmaster

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