Locoporelcine.com, tu revista de cine online en la que encontrarás: críticas de cine, entrevistas, reportajes, opiniones sobre series de televisión. ¡Mucho cine!

27 dic. 2018

Baghead. Un sorprendente corto inglés, dirigido por un español

Sinópsis:

Kevin busca respuestas, y está dispuesto a pagar por ello. En el sitio menos esperado, un pub destartalado, un reticente barman le pondrá en contacto con una bruja. Un personaje capaz de entrar en contacto con el más allá.

Crítica / texto:

Baghead puede haber sido el corto de terror del año. Recorriendo el circuito de festivales acumula numerosos premios y nominaciones. Podemos citar algunos de los recibidos, el Paul Naschy en Sitges, 3 premios en Soria, 3 en el CryptShow de Badalona, Premio SHOTS en el Nocturna de Madrid, 3 en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, uno en el Molins de Rei, uno en el Discover Film de Londres, otro en el British Horror Film Festival de Londres, uno en el Buenos Aires Rojo Sangre, Las Vegas (Sin City Horror Fest), Atlanta (Atlanta Horror Film Festival), Hollywood (HollyShorts), Ploiesti, Atlanta de nuevo (2 en el DragonCon Independent Film Festival), París... y aún más nominaciones.


Tuvimos la suerte de disfrutar esta película durante la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Con ocasión de este festival también pudimos charlar unos minutos con Alberto Corredor, director de Baghead, profesional y amante del cine. Una persona con una mente abierta a la crítica y a las ideas que está llamado a mayores proyectos.

Analizado por partes o en su conjunto el corto es muy brillante, aunque la fotografía sea tan oscura. Esta fotografía, con su luz escasa, sus tonos paros y sus movimientos lentos, consigue la sensación de incertidumbre e inquietud al bajar a un lúgubre sótano dónde alguien nos va a poner en contacto con el más allá. La música ambiental de Hollie Buhagiar es poco común, y ayuda con perfección a la ambientación de la historia. Las interpretaciones son sólidas, especialmente la del "portero", Julian Seager, con su misterio y su sorna. Lisa, Natalie Oliver, con su sorpresa, desconcierto, desesperación y pánico es otro gran papel dentro de este trabajo. Los efectos quizá se resuman en la figura temblorosa de la bruja, pero su maquillaje, su brazo esquelético y su piel quebradiza están muy logrados. Y finalmente la escena transformación es un momento memorable.


Pero lo mejor lo dejamos para el final. Lo que hace brillante este trabajo no es el aspecto técnico tan conseguido. Tampoco lo son sus sólidas interpretaciones. La verdadera fortaleza del trabajo de Corredor está en el guión y en su plasmación en pantalla. En 15 minutos consigue una atmósfera de suspense y anticipación, logra despistarnos varias veces y llevarnos a un final sorprendente, mientras nos cuenta, en modo abreviado, una historia de relaciones humanas, de traiciones y mentiras.


Si hay que decir algo malo, y siempre hay que poner una pequeña pega, es el diálogo final durante los títulos de crédito. Quita algo de brillo a un trabajo redondo al explicar innecesariamente lo que a lo largo de esta cinta ya se había hecho evidente. Es un pequeño desdoro a un resultado tan brillante.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Alberto Corredor
  • Guión: Lorcan Reilly
  • Intérpretes: Oliver Walker, Natalie Oliver, Julian Seager, Pat Boothman, Tama Phethean
  • País: Reino Unido
  • Duración: 15 minutos
  • Música: Hollie Buhagiar
  • Fotografía: John Wate

Trailer:



26 dic. 2018

Segunda edición de Ibicine, el festival isleño de cortos


Astarté

Astarté, diosa fenicia que hereda la tradición de diversos pueblos mesopotámicos, todos tenemos en la cabeza el nombre de Ishtar, y parece tener su origen en la edad del bronce. Era la diosa de la naturaleza, la vida, la fertilidad, el amor y el placer. Los griegos la asimilaron a Afrodita y Deméter. Una diosa de tradición milenaria y que ha dejado para el tiempo presente el nombre Esther y la palabra estrella en diversos idiomas. Astarté, así se llama el premio que entrega Ibicine y que evoca las tradiciones mediterráneas, la vida y la sensualidad.

El Festival

Ibicine se desarrolla en la isla de Ibiza y al mismo tiempo que pretende potenciar el cortometraje, promueve relaciones y proyectos entre cineastas, ayudando a profesionalizar el sector cinematográfico en la isla y generando interés en el público por la cultura del cine. El festival está dirigido con mucho empuje e ilusión por Helher Escribano e Irene Torres. En 2017 fue apadrinado por Nadia de Santiago y Jon Plazaola, quién repite en esta edición junto con Inma Cuevas.


Para esta Segunda Edición, el Festival ha llevado a cabo una especie de "gira" con cortometrajes nacionales e internacionales por los 5 municipios de la isla: Eivissa, Sant Joan, Sant Josep, Sant Antoni y Santa Eulària. Al mismo tiempo y en su afán de dar a conocer el mundo del cine, se programó un ciclo de conferencias monográficas que han sido impartidas por diversos profesionales del sector cinematográfico.


Con más de 500 cortos a concurso y 18 premios a entregar, el jurado lo han compuesto, Mariam Hernández, actriz, Cristina Andreu, presidenta de CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales), Ruth Armas, actriz y directora del Festival de Cine de Gáldar, Marcos Cabotá, director y productor, David Marqués, guionista y director e Inés Garrell, directora del Festival de Cine de Menorca.

La gala

La gala contó con su desfile de famosos por la alfombra roja, con personajes como Jon Plazaola, Inma Cuevas, Nadia de Santiago, Maggie Civantos, Adrià Collado, Marcos Cabotá, Bárbara Hermosilla o Bárbara Santacruz.  Dieron la bienvenida a los asistentes, una coreografía de Gala Robles interpretada por las azafatas del festival con música de 'El Fantasma de la Ópera' y el grupo ibicenco de rock Tales of Gloom, que interpretó en directo temas de su último disco, Unexpected Traces of a Falling Escape.



La gala dio comienzo en el Teatro España con un número musical a cargo de Lara Palma y Gabriel Gambacorta, interpretando una versión cómica de City of stars, tema principal de La la landEl conductor de la gala fue el actor y humorista Luis Larrodera, quién a pesar de sufrir un pequeño accidente con una estatuilla llevó las riendas de la entrega de premios con profesionalidad. Durante la gala se entregaron los 18 premios Astarté además un premio especial a Isabel Coixet por su carrera.


Palmarés

La gran triunfadora de la noche fue Baraka, de Néstor Ruiz Medina, que trata sobre el impacto del conflicto iraquí sobre dos hermanos. El corto recibió 4 premios, Mejor Corto Nacional, Mejor Fotografía, Mejor Maquillaje y Peluquería y Mejor Actriz, compartido con Ni una sola línea. Esta última fue la otra triunfadora de la noche, con el Premio del Público, Mejor Vestuario y Mejor Actriz.

Este es el palmarés completo
  1. MEJOR CORTO NACIONAL, Baraka, de Néstor Ruiz Medina
  2. MEJOR CORTO EXTRANJERO, Clac, de Fabien Ara
  3. MEJOR VIDEOCLIP, She seemed to be crying, de Marco Gallo y Mattia Caroli
  4. MEJOR FASHIONFILM, Vxxyage, de Banni Leclerc
  5. MEJOR DIRECCIÓN, Iván Sáinz-Pardo por Ainhoa
  6. MEJOR PRODUCCIÓN, Al Díaz por Madres de Luna
  7. MEJOR GUIÓN, Antonio Naharro por Amén
  8. MEJOR MONTAJE, Fernando González por Happy ending
  9. MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA, Jorge Roig y Néstor Ruiz Medina por Baraka
  10. MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE, Almudena Bretón por Vico Bergman
  11. MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA, Laura G. Loaisa por Baraka
  12. MEJOR VESTUARIO, María G. Selva por Ni una sola línea
  13. MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL, Alberto Torres por Vico Bergman
  14. MEJOR DISEÑO SONORO, Joaquín Rebollo por Dos segundos de silencio
  15. MEJOR ACTOR, Luis Callejo por Enemigos
  16. MEJOR ACTRIZ, Milagros Morón por Ni una sola línea y Esther Acebo por Baraka
  17. MEJOR CARTEL, Howard Mind por Marta
  18. MEJOR CORTO DEL PÚBLICO, Ni una sola línea de Víctor E.D. Somoza.
  19. ASTARTÉ HOMENAJE A TODA UNA CARRERA CINEMATOGRÁFICA, Isabel Coixet.

Bernardo Bertolucci (1941-2018). El último emperador del neorealismo


Nunca es agradable escribir una necrológica, nadie pone en su currículum, redactor de panegíricos póstumos y notas necrológicas. Menos aún deseamos escribir la nota de uno de los grandes, con mayúsculas, del cine. Y lo posponemos… pero aquí estamos, aunque sea tarde, recordando y rindiendo homenaje a Bernardo Bertolucci. 


Pupilo casi accidental de Pasolini, al que conoció por ser vecino de éste, no tuvo formación reglada en el cine y aprendió su oficio como ayudante de pasolini y viendo mucho cine. Su estilo, inclasificable, se puedo considerar como el heredero del neorrealismo italiano, al menos en la primera parte de su carrera, y en cierto modo fin y cumbre de este movimiento. A pesar de su simpatía por el comunismo y el compromiso político que manifestaban muchas de sus obras, se le acusó de burgués, quizá por comparación con la radicalidad de Pasolini. Innegablemente la historia que presentaba era parcial y sesgada, recogiendo toda la mítica del comunismo, proyectada reiteradamente sobre un supuesto "fascismo", que identifica con la burguesía, con la plutocracia y con "el poder".


La justicia social era una preocupación de Bertolucci, no podemos olvidar que su primera película trata sobre del asesinato de una prostituta, toda una declaración de intenciones. Pero su leitmotiv era el devenir de las personas ante los acontecimientos históricos. Por ejemplo en El último emperador, o en Novecento, sus protagonistas son arrastrados por sus orígenes y sus circunstancias más allá de su voluntad. Otra de sus grandes inquietudes era la sensualidad y el erotismo. Podemos apreciarlo en Antes de la revolución, El conformista, La luna, El último tango en París o en Soñadores.


Si recorremos su carrera en el tiempo, es interesante que fuera la escandalosa, sexual y polémica El último tango en París la que le diera el crético para rodar su magna obra Novecento, una superproducción con actores del mayor nivel que representa el enfrentamiento entre los trabajadores y los poderosos, siempre con su particular perspectiva. Posteriormente llegaría Hollywood, los 9 Oscar de El último emperador, el éxito de El cielo protector, El pequeño Buda, o de Belleza robada, y su visión de mayo del 68, sensual y con algunos tintes autobiográficos, en Soñadores. Su último trabajo fue un capítulo en un documental sobre los 70 años del Festival de Venecia, Venecia 70: Future Reloaded, con más de 70 directores. Su fragmento, Zapatos rojos, habla de las dificultades para moverse por las calles de Roma en silla de ruedas.


Un dato que poca gente conocerá es que Bertolucci fue co-guionista de Hasta que llegó su hora de Sergio Leone, junto con el propio Leone, Dario Argento y Sergio Donati. Si lo pensamos tiene su lógica, la película habla de un "poderoso", simbólicamente "podrido" en su salud, que lleva años ejerciendo la violencia sobre los débiles, usando de matones, haciendo asesinar y causando terror para alcanzar sus fines de insaciable codicia. Enfrente están un humilde muchacho, aparentemente de origen indio o mexicano, un forajido hispano y una prostituta recién casada con un emprendedor de origen irlandés, asesinado junto con su hijo.


Hay dos detalles que nos hablan de un hombre auténtico, su residencia, y su producción. Vivir en el bohemio, auténtico y popular barrio del Trastevere. Por cómodo que fuera su hogar, no era el barrio más lujoso de Roma. En cuanto a su producción, 25 películas en su carrera de director, aunque los ´9 Oscar de El último emperador le habrían permitido acometer más proyectos, probablemente mucho más comerciales, pero que habrían llenado sus bolsillos. También es cierto que, especialmente a partir de 2012, sus problemas de salud frenaron en seco su carrera.


Y así nos quitamos el sombrero, saludamos con una leve reverencia y nos despedimos del genio para siempre. Él hombre se va pero su arte queda con nosotros para que recordemos que las personas son como hojas llevadas por el viento de los acontecimientos.


25 dic. 2018

Dantza. Un lenguaje local... un lenguaje universal


Sinópsis:

Estalla la tormenta tras una dura jornada de trabajo en el campo. Cuando la lluvia amaina, brota la vida de la tierra antes yerma. Un fruto crece y madura, sobrevive al ataque de las plagas y se convierte en la manzana que da vida a la sidra. Llega entonces el tiempo de celebrar la cosecha, de brindar y festejar el amor.

Crítica / texto:

Hace no mucho decíamos que una película, especialmente algunas películas, ha de ser vista en sus propios términos. Y ésta requiere verse con la mente abierta a la plástica, al ritmo, a la metáfora. Esnal no ha hecho un documental, ni tampoco una ficción. Estrenada en el 66 Festival de cine de San Sebastián fuera de concurso, este trabajo es un homenaje a la danza y a la tierra, a las tradiciones y a los mitos, utilizando para ello el lenguaje universal del baile y la música. Pero este lenguaje ha sido reinterpretado y actualizado, tanto a nivel coreográfico como musical.


Telmo Esnal se ha atrevido con una película muda. Y, como sucede con un ciego, ha potenciado el resto de elementos. Aunque puede parecer que la temática es muy local, la danza y la música vascas, las historias que se plantean son realmente universales, la conquista de la naturaleza, la agricultura, la fiesta o el amor. Según avanzan la narración, la cromática de la fotografía, de los paisajes y del vestuario va evolucionando. Los colores pasan progresivamente desde los ocres hacia tonos más alegres y frutales.


Dantzari antes que cineasta, Esnal comenzó este proyecto en 2012. La experiencia del director en los bailes tradicionales vascos le ha permitido abordarlos con el mayor respeto, pero desde una perspectiva actualizada. El baile y la música surgen naturalmente, a través del ritmo de las tareas cotidianas como cavar la tierra, o trabajar el metal. Tampoco podemos olvidar otro gran elemento del ámbito rural, el desafío, que empuja a la búsqueda de mayor habilidad o espectacularidad.


La labor de los bailarines, los dantzaris, ha sido fundamental para que este trabajo tomara forma. Los ensayos, las repeticiones de las tomas, han sido una novedad y un esfuerzo considerable para ellos. Hay que tener en cuenta que en el mundo de las danzas vascas no existen los profesionales, y han de buscar el tiempo para cualquier proyecto que implique cierta dedicación.


Pascal Gaigne, francés residente en San Sebastián desde 1985, ha reinterpretado temas y armonías tradicionales. Su interiorización de la música vasca se refleja en el Goya que ganó con la banda sonora de Handia. Junto a él han colaborado Mikel Urbeltz y Marian Arregi. Para quién conozca la música tradicional vasca, los temas resultan familiares al oído. Pero casi ninguno es una pieza existente, sino adaptación y asimilación de ritmos y melodías tradicionales.


En resumen, una bella película. Un trabajo que entra por los ojos y los oídos, que no se debe intentar racionalizar, únicamente se debe sentir. 

Ficha técnico-artística:

  • Director: Telmo Esnal
  • Guión: Telmo Esnal
  • Intérpretes: Joseba Astarbe, Gari Otamendi, Josu Garate, Amaia Irigoyen, Ainara Ranera
  • País: España
  • Duración: 98 minutos
  • Música: Pascal Gaigne, Mikel Urbeltz, Marian Arregi
  • Fotografía: Javier Agirre

Trailer:

3 dic. 2018

Entre dos aguas. El tiempo alcanza a la leyenda.


Sinópsis:

12 años han pasado desde La leyenda del tiempo. Isra y Cheíto han tomado caminos distintos en sus vidas. Isra regresa de la cárcel y Cheíto de una larga misión en el mar. Su reencuentro en San Fernando les devolverá el recuerdo de la muerte violenta de su padre. Les une la misma necesidad, retomar sus vidas y superar el pasado.

Crítica / texto:

Todos hemos de retractarnos alguna vez. Cuando Isaki Lacuesta ganó la Concha de Oro en 2011 con Los pasos dobles la sensación fue agridulce y prometió no volver a presentar a concurso ninguna de sus películas. Pero aquí lo tenemos en 2018 estrenando en salas Entre dos aguas, ganadora de nuevo de una Concha de oro. Todos hemos de retractarnos alguna vez. Muchos, que hemos sido fieles a la idea de que la historia vertebra la película hemos de quitarnos el sombrero ante esta película de intérpretes, ante esta película de verdades como puños, de imágenes y sonidos que se funden perfectamente, de ambientes y matices, de sabor a sal y a realidad.


Lacuesta recupera a Isra y Cheíto, ya mayores. La vida les ha llevado por caminos distintos a los que esperaban, Cheíto quería quedarse cerca de casa pero es un militar que ha recorrido medio mundo en largos despliegues alejado de su familia. Isra quería ser Guardia Civil pero ha acabado en el talego por trapichear con droga. Ambos están en la distancia y tienen dificultades para conservar sus familias y hacer proyectos de futuro. La cámara se centra fundamentalmente en Isra, en las dificultades para salir adelante con empleos de miseria y con un historial delictivo. Pero también en sus dificultades para dejar atrás el pasado. Las escenas del bautismo y el tatuaje resultan más que evocadoras, casi excesivamente obvias. Y como guinda, la presencia y tentación constante del tráfico, en el ocio e incluso en un trabajo, dónde vigila todo tipo de vehículos utilizados para el narcotráfico y requisados por la policía.


El formato parece documental y las interpretaciones son muchas veces "naturales", casi improvisadas. Pero estamos ante una ficción, Isra no ha estado en la cárcel ni se ha intentado suicidar. Una ficción que resulta muy real, que habla sobre la vida de las capas sociales más pobres de San Fernando. El director comenta que en el barrio de La Casería resulta muy difícil salir adelante, escapar del destino, porque no hay trabajos, porque hay pocas posibilidades de estudiar, porque el ambiente mete a los jóvenes en una espiral destructiva. Y así la película, que pretendía reflejar la mirada de Isra y Cheíto adquiere un componente social.


Para la filmación escogió el celuloide, a Lacuesta le parecía un contraste interesante, ya que 12 años antes había filmado La leyenda del tiempo con medios digitales. Le atraía el contraste, que la película siendo actual tuviera elementos antiguos. El director lo compara con el marisqueo o ciertos rituales militares, ambas cosas aparecen en la cinta, no hayan cambiado en generaciones, mientras que de repente la música actual o un teléfono móvil nos regresan al momento presente.


Finalmente la música, tan importante para Lacuesta que da título a tanto a La leyenda del tiempo con un tema de Camarón, como a ésta con un tema de Paco de Lucía. Trabajo de Kiko Veneno y Raül Refree, tan perfectamente fusionada con la imagen, impregna todo y pone un lazo que remata perfectamente este regalo cinematográfico. Hay un verso de Kiko Veneno que lo dice todo  "Dale pan a los chiquillos, tan, tan, tan, pan, pan, que el pan le quita el filo al cuchillo".

Ficha técnico-artística:
  • Director: Isaki Lacuesta
  • Guión: Isa Campo, Isaki Lacuesta, Fran Araújo
  • Intérpretes: Israel Gómez Romero, Francisco José Gómez Romero, Rocío Rendón, Yolanda Carmona, Lorrein Galea, Manuel González del Tanago
  • País: España
  • Duración: 136 minutos
  • Música: Raül Refree, Kiko Veneno
  • Fotografía: Diego Dussuel

Trailer:



Y no puedo ni quiero evitarlo, para quién haga scroll "hasta que acaban los títulos de crédito", aquí Paco de Lucía tocando Entre dos aguas.

18 nov. 2018

Mandy. Que gran película, que mal momento

Sinópsis:

Aviso legal. Mandy no es una película al uso y darle peso a la sinopsis es subrayar un elemento poco relevante de esta película. A pesar de esto conservamos aquí la sinopsis para mantener la estructura habitual.


1983, Red y Mandy viven alejados del mundo y de sus vidas pasadas, él trabajando como leñador y ella en una pequeña tienda aislada. Cuando Mandy se cruce durante un paseo con los miembros de la secta "Hijos del nuevo amanecer", su líder se obsesionará con ella y convocará a unos motoristas ávidos de drogas y sangre para que la secuestren. Todo acabará con Mandy muerta y Red malherido. Pero la venganza de Red va a dejar un rastro de sangre y cadáveres a su paso.

Crítica / texto:

El fin de semana del 12 de octubre se estrenaban 19 películas en la cartelera española, nada menos. Desconozco como se han conjugado los elementos pero esto perjudica a todos los implicados. Al público, que habrá de elegir qué puede ver en sala ya que el siguiente fin de semana trae sus propios estrenos y que verá como las producciones más minoritarias quedan excluidas de la programación. A las salas, que no podrán sacar el jugo debido a cada película. Y finalmente a las distribuidoras, que se encontrarán con el mismo problema. Y todo esto, ¿qué tiene que ver con Mandy? Pues Mandy es una de esas películas que se ve apartada, sobre todo en las ciudades pequeñas que no tengan gran cantidad de salas.


Como decíamos, esta no es una película al uso, o mejor dicho, no puede verse como una película al uso. Esta película ha de ser vista en los términos que plantea el director. En realidad es así con todo el cine, nadie ve con la misma perspectiva un documental, una película policíaca, un musical, una película de acción... Pero hay una diferencia importante, para todo lo que hemos comentado nos hemos ido educando a travé de nuestras experiencias cinematográficas. Y éstas no nos han preparado para el festín visual que es Mandy, más incluso, para el banquete sensorial que es Mandy. Pero vayamos por partes.



Aclamada por la crítica y con una gran recepción en los festivales en los que se ha presentado, incluyendo Sitges (con la excepción de Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián), esta película se divide en dos partes. En la primera se presenta a los personajes, en un universo plácido y bastante onírico en el que ambos son felices aunque se intuye que ambos escapan de vidas previas que desean dejar atrás. Mientras en la segunda parte la placidez de la primera, la magia tranquila, desaparece para transformarse en una brutal sucesión de escenas de violencia más próximas a Conan el Bárbaro. Panos Cosmatos hace tal conjunto de referencias al cine de los años 80 y a la cultura del metal que casi parece un homenaje. Sus moteros drogadictos parecen haber regresado directamente de Hellraiser. Así mismo la película está llena de elementos mágicos como el "Cuerno de Abraxas" o "La daga corrompida del caballero pálido". Y hay una increíble escena de duelo con motosierras que podría evocar La matanza de Texas



Un elemento sorprendente y que comentamos por no desvelar nada importante de la película, es el perturbador anuncio del Cheddar Goblin, que Red ve al llegar a casa. El anuncio tuvo su propio guión y rodaje.



La fotografía de Benjamin Loeb es uno de los elementos narrativo fundamentales. en la primera parte las imágenes toman un carácter azulado, como de sueño feliz. Mientras en la segunda nos muestra una paleta de colores rojos que combinan perfectamente con el onirismo y cierta sensación alucinógena de la película. El propio Loeb comenta que Cosmatos le había animado a hacer cosas que por él mismo no se hubiera atrevido. Los planos son magníficos, algunos verdaderas portadas de discos. La forma de transmitir el involuntario viaje alucinógeno de Mandy es muy interesante. 



La música es una perfecta acompañante de esta película, desde el inicio con el tema Starless de King Crimson mientras Red vuelve a casa de su trabajo de leñador, pasando por éxito folk-psicodélico  de los 70 "El amuleto del laberinto sollozante" de Jeremiah Sand, creado para la película (merece la pena leer la letra pues ayuda a conocer al personaje). Y sobre todo la banda sonora de Jóhann Jóhannsson (éste fue su último trabajo) que genera un ambiente amenazante.


Un detalle que refleja el cuidado de la estética que ha tenido Cosmatos es la serie de rótulos que aparecen presentando los distintos elementos de la película y que han sido trabajados de forma muy detallada por el grupo Shynola. El detalle de estos carteles contribuye de modo eficaz y sorprendente a ambientar los distintos momentos de la película.


En cuanto a la interpretación, Nicolas Cage, Red, se nos muestra con su faceta más salvaje y enloquecida en un papel que le viene como anillo al dedo, especialmente cuándo ha de volver a su pasado violento para reclamar su venganza. Su escena de dolor en el baño no puede ser más salvaje. Andrea Riseborough, Mandy, es su contrapunto ideal con la paz que transmite, resulta casi mágica, casi inmaterial. Linus Roache, Jeremiah Sand, es un perfecto líder de una secta, centrado en su propio ego y acostumbrado a que todos se plieguen a sus deseos, dispuesto a sacrificar incluso la vida de sus fieles.


En definitiva, no es una película para todos los gustos, es un trabajo con un componente de fascinación que se ha de ver con la mente abierta y sólo bajo las premisas de su director. Si buscamos una película convencional nos equivocaremos, si buscamos una nueva experiencia sensorial la disfrutaremos.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Panos Cosmatos
  • Guión: Panos Cosmatos, Aaron Stewart-Ahn, Chris 'Casper' Kelly
  • Intérpretes: Nicolas Cage,  Andrea Riseborough,  Linus Roache,  Bill Duke,  Richard Brake, Hayley Saywell,  Line Pillet,  Ned Dennehy,  Clément Baronnet
  • País: EEUU
  • Duración: 121 minutos
  • Música: Jóhann Jóhannsson
  • Fotografía: Benjamin Loeb

Trailer:


12 nov. 2018

Overlord. Mucho ruido... no tantas nueces

Sinópsis:

Un grupo de paracaidistas estadounidenses traquetea en un C47, horas antes del desembarco de Normandía. Su misión, saltar tras las líneas enemigas y destruir una torre de comunicaciones, crítica para coordinar las operaciones de la Luftwaffe. Su fracaso podría desbaratar el desembarco del Día D. Tras un ajetreado viaje descubrirán que en esa  torre se oculta mucho más de lo que esperan.

Crítica / texto:

Éxito entre el público de Sitges y de San Sebastián, donde estuvo a punto de ganar el premio del público, y muy bien recibida por buena parte de la crítica. Tuve la ocasión de verla en San Sebastián, durante la inauguración de la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror. El nombre de JJ Abrams en la producción genera elevadas expectativas... grandes medios, muchos fuegos de artificio e ideas ingeniosas. Y ya se sabe que no hay algo peor que una expectativa insatisfecha. Quizá cuando uno espera algo fuera de lo común, encontrar algo simplemente correcto y competente provoque una valoración injustamente baja.


La premisa es prometedora, una combinación de película de terror y bélica, aunque no tan original como pueda parecer. Tenemos multitud de ejemplos. Citando unos pocos, la decana Revenge of the Zombies de 1943, pasando por la película de culto El torreón, de Michael Mann, la española La tumba de los muertos vivientes, dirigida por el inefable Jess Franco, la británica Dog Soldiers, la franquicia Outpost, la hilarante Dead Snow, la idea enloquecida de un Osama Bin Laden zombie en Osombie o la finlandesa War of the Dead. Y no podemos olvidar la saga de videojuegos de Wolfenstein que nos viene acompañando desde principios de los años 80.


La cinta comienza muy bien, con una trepidante escena en un avión en la que podemos percibir la tensión y el miedo de unos soldados a punto de entrar en combate por primera vez. Y tras caer del aparato la película parece caer al mismo tiempo. Habiendo tantos precedentes en los que inspirarse o a los que copiar descaradamente, quizá cabría esperar algo más interesante. La trama es extremadamente previsible y se diría que podemos adivinar cada giro durante una escena. Hasta los actos de heroísmo son los que están previstos.


Esta no es, innegablemente, una película de intérpretes, pero tampoco es obligatorio que sea lo contrario. Tampoco ayuda lo inverosímil de los personajes. Nuestro "tipo duro", el cabo Ford interpretado por Wyatt Russell, no puede parecernos menos creíble. Boyce, Jovan Adepo, un soldado bisoño negro que nunca ha disparado un tiro desobedeciendo de modo explícito a un superior veterano? Mathilde Olivier es quizá la que tiene una actuación más sólida, pero su personaje hubiera sido tachado de colaboracionista por los franceses y humillada públicamente, si no ejecutada. Al margen de esto, por muy motivada y desesperada que se encuentre una persona, no aprende de repente a manejar un subfusil o un lanzallamas. Tibbet, John Magaro, es poco más que un arquetipo. Y finalmente Wafner, Pilou Asbæk, el malvado comandante alemán, metáfora evidente de que el monstruo exterior surge cuando ya existe el monstruo interior. Pero por si no lo tenemos bastante claro, Wafner es un acosador sexual, que abusa de su posición en el pueblo, además de ser Nazi convencido, taimado y cruel, que no tiene escrúpulos en utilizar a los ciudadanos franceses como material de los experimentos nazis ni en utilizar a un niño como rehén para satisfacer sus bajas pasiones sin encontrar resistencia.


Quizá el mayor problema de esta cinta sea que Julius Avery no parece saber si está rodando una película bélica o una cinta de terror, o un mashup de ambas que no encuentra su equilibrio. Y por esto no logra resultar convincente en ninguno de los tres aspectos. Con los medios que se le suponen a JJ Abrams no se han desplegado unos efectos especiales realmente espectaculares. Pero, y este sí parece un verdadero problema, se ha desplegado todo el potencial terrorífico de los zombies-supersoldados-nazis. Uno no tiene la sensación de amenaza inminente contra la humanidad, ni tampoco un escalofrío nos recorre la espalda al contemplarlos. O quizá Avery, o su mentor Abrams, haya querido de modo consciente que esta sea una película de un poco para todos.


En resumen, una película entretenida a lo largo de toda su duración, sin sensación de exceso de metraje. Y hasta aquí llega, aunque quizá no se le pida nada más. No hay una idea original, no hay una frase característica que quede en la memoria, no hay una imagen para el recuerdo, no hay un giro del guión interesante, no hay unos efectos memorables... al salir de la sala no queda nada reseñable. Y a pesar de esto no dejaría de recomendarla a adolescentes con una tarde libre o a inveterados fans de la serie B.  En ocasiones yo también me como una hamburguesa de alguna gran cadena.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Julius Avery
  • Guión: Billy Ray, Mark L. Smith
  • Intérpretes: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Mathilde Olivier, Pilou Asbæk, John Magaro, Gianny Taufer, Dominic Applewhite, Iain De Caestecker
  • País: EEUU
  • Duración: 109 minutos
  • Música: Jed Kurzel
  • Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner

Trailer:


Síguenos también en Twitter y Facebook
Twitter Delicious Facebook Digg Stumbleupon Favorites More

 
Powered by Blogger