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19 mar. 2018

ENTREVISTA. Rafael Cobos: «Hemos tenido una libertad creativa total con La Peste»

Rafael Cobos (Sevilla, 1973) atiende al teléfono a la hora concertada. Le pregunto si está ocupado y prefiere que le llame en otro momento. El guionista, muy amablemente, me dice que va camino de recoger a su hija y que le vendría mejor una hora más tarde. Acto seguido se preocupa por mí preguntándome si no me traerá problemas. Rafael Cobos es, sin duda, un tío amable al que no se le ha subido el éxito a la cabeza.


Pregunta: ¿Cuál es su película favorita? ¿Y serie de televisión?
Respuesta: ¡Guau! Película favorita… es complicadísimo (rie). Serie de televisión me aventuraría a decir que probablemente The Wire, porque creo que contiene la suma de mis series favoritas. Me encanta, ¡me fascina! Película es más complicado, hay algunas que me gustan mucho a nivel técnico y otras a nivel emocional.

P: ¿Cómo nace la idea de La Peste?
R: Ante todo la empezamos a hacer como un encargo cuando Movistar se pone en contacto con José Antonio Fele, el productor con el que yo siempre he trabajado en cine. Nos gustaba mucho la idea de esa época histórica, aunque también es verdad que a Movistar le propusimos dos proyectos, uno más asequible y el otro fue La Peste.

P: Es la primera vez que trabaja en televisión, ¿verdad?
R: En ficción sí. Había hecho pequeñas cosas en programas, pero en ficción es la primera vez. Bueno, había escrito cosas, pero no se terminaron haciendo.

P: ¿Tuvo mucha libertad creativa?
R: Te lo digo con absoluta franqueza, hemos tenido una rotunda libertad. Es más, hemos tenido una libertad en todo momento estimulada, incentivada y espoleada por la cadena para que llegáramos a donde en un principio las cadenas generalistas no ayudan.

P: Esa libertad creativa, ¿puede deberse a que ha ganado el Goya y ya se ha hecho un nombre?
R: Prefiero pensar que no tiene nada que ver. Es probable que sea una suma de factores, por un lado, la apuesta política que había hecho y que tenía pensado hacer Movistar y, por otra parte, que iba de la mano de profesionales con una trayectoria relativamente buena.

P: ¿Ha notado mucha diferencia entre trabajar en el cine y la televisión?
R: Mucha diferencia no hay, pero la que hay es bastante significativa. Es evidente que cuando trabajas con un guion los cambios fundamentales están entre los primeros borradores y terminan siendo, como mucho, doscientas páginas. Con La Peste, incluidas las dos biblias que hice y algunas versiones, puede estar cerca de las mil páginas.

P: El proceso de documentación para la serie, ¿cómo se llevó a cabo?
R: Eso lo llevamos a rajatabla. Alberto y yo curramos siempre con la documentación por delante. De hecho, nuestras últimas películas han sido de época, Grupo 7, La isla mínima… Están vinculadas a hechos reales por lo que hay documentación. Pedro Álvarez y Francisco Núñez también tienen mucho mérito en este aspecto.

P: Ha trabajado con Alberto Rodriguez en cinco películas y son muchos años de relación profesional y amistad. ¿Trabajáis con guion entre vosotros o ya sabe lo que quiere el uno del otro?
R: ¡Hay mucho curro! En ese sentido somos muy ortodoxos. Es verdad que hablamos mucho, la esencia de todos los proyectos parte de revisitar y revisar la idea varias veces, pero en ese sentido somos muy puristas; seguimos trabajando con el “texto-versión, texto-versión”.

P: ¿Os metéis mucho en el trabajo del otro o cada uno se queda su campo?
R: Él (Alberto) se mete mucho en guion. Yo los escribo, pero los pensamos los dos de modo que él está ahí. Los guionistas lo tenemos más complicado para meterse en labores de dirección y por eso, a veces, metemos trampas en los guiones para llevar al director donde queremos (risas).

P: ¿Se ha planteado alguna vez probar como director?
R: Sí, alguna vez me lo he planteado la verdad. Pero es mucho más trabajo, el doble de responsabilidad y de sufrimiento, no sé si también de satisfacción (risas). Pero desde la escritura se está muy cómodo, es mucho más sencillo ver los toros desde la barrera (risas).

P: ¿Futuros proyectos, nuevas ideas o descansar?
R: Ahora mismo llevo unos meses escribiendo la segunda temporada de La Peste, o sea que descansar… ¡ya me gustaría! (risas). Por otra parte, estamos viendo si empezamos algún nuevo proyecto, si se nos ocurre algo para hacer una nueva película.

P: Para terminar, ¿por qué hay que ver La Peste?

R: Hay que verla porque es una forma muy lúdica y entretenida de acercarse a nuestra historia de una manera como no estamos acostumbrados a verlo, a pie de calle. Es decir, no a partir de los ojos de Reyes o válidos, sino en los ojos del pueblo.


Por: Alex Pazos

15 mar. 2018

Star Wars VIII: Los últimos Jedis en DVD y Blu-ray. Adam Driver: un actor en construcción




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Adam Driver evoluciona junto al personaje que le ha dado más fama, Kylo Ren, En Star Wars VIII: Los últimos Jedis. La película más controvertida de la saga que se espera su estreno en DVD y Blu-ray el 27de marzo con más de 2 horas de contenidos adicionales

                Si hay una franquicia de ciencia ficción por antonomasia (con permiso de Star Trek) es Star Wars que ahora está viviendo una nueva etapa de la mano de Disney. Si bien Star Wars VII: el despertar de la Fuerza fue un éxito convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia, su continuación Star Wars VIII: Los Últimos Jedi no llega a tanto aunque no puede considerarse un fracaso cuando sus más de 1300 millones de dólares de recaudación la convierten en la más taquillera del 2017 por mucho que digan sus muchos detractores. Kylo Ren es uno de los personajes que ha salido más reforzado en esta nueva entrega: se ha podido ver una evolución del personaje de forma que se muestra más oscuro, más adulto y más serio con respecto a su predecesora.

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                Adam Driver (San Diego 1983) apenas lleva 8 años de carrera interpretativa. Sus papeles mayormente han sido secundarios por lo que su carrera todavía tiene que madurar. Kylo Ren es su personaje más relevante y va progresando lenta pero adecuadamente. Su carrera comenzaría en 2010 pero no fue su primera opción. A raíz de los atentados del 11 de septiembre, se alistaría en el cuerpo de marines de los Estados Unidos en el que estuvo 3 años. Un grave accidente que le partió el esternón le apartó de su carrera militar y para superar esa decepción se refugió en la interpretación.

                Sus primeros pasos como actor vendrían en personajes secundarios en películas de renombre como J. Edgar (Clint Eastwood) o Lincoln (Steven Spielberg). Su nombre empezaría a sonar gracias a la serie de HBO Girls en la que da vida a Adam Sackler inestable novio de la protagonista. En 2014 recibiría su primer papel protagonista en la película italiana Hungry Hearts (Saverio Costanzo) que le reportaría la Volpi Cup a mejor actor en el Festival Internacional de Venecia y eso le abriría las puertas al nuevo universo de Star Wars por solicitud directa de J.J. Abrams y kathleen Kennedy (presidenta de Lucas films)

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                Su debut como Kylo Ren en Star Wars VII: El despertar de la Fuerza (J.J Abrams) fue bastante criticado. Se le tildaba de ser un personaje plano, con unas actitudes y reacciones pueriles y con una falta de carisma fruto de la inevitable e injusta comparativa con el insuperable Darth Vader. A decir verdad, tales críticas son más propias de guion que de interpretación aunque sí que es verdad que Driver era bastante inexpresivo e irregular.

                Después de este papel, en 2016, vendrían otros como el del padre Francisco Garope en la dura película de Silencio (Martin Scorsese) un papel secundario donde el actor resuelve con sobriedad y dramatismo su interpretación en un film en el que el protagonismo fue para Andrew Garfield. Otros títulos serían las desconocidas Midnight Special (Jeff Nichols) o Paterson (Jim Jarmusch) hasta su regreso a la franquicia galáctica con la película que nos ocupa.

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                En Star Wars VIII: Los Últimos Jedi Driver se le ve más desenvuelto en su papel. El personaje ha evolucionado. En el momento en el que el Líder Supremo Snoke (Andy Serkis) le reprende diciendo de él: que no es Vader sino un niño con una máscara (que viene a ser un resumen de la actitud vista del personaje en el anterior episodio) se manifiesta ese cambio hacia un perfil más adulto y oscuro que patentiza en el momento en el que rompe su casco. A partir de ahí Kylo Ren se hace más duro, más insensible y con unos intereses más definidos. El misterioso nexo que tiene con Rey (Daisy Ridley) y ese juego de atracción de ambos hacia su causa le asemeja a la situación parecida que tenían  Vader y Luke en la saga clásica. La interpretación de Driver ahí se hace más solemne y sobria demostrando también su crecimiento como actor. Todavía tiene matices que depurar y mejorar sus dotes expresivas pero las bases están. Es un actor en vías de construcción que apunta maneras.

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                Su próximo papel será en la película The Man Who Killed Don Quixote de Terry Gilliam donde interpreta a Toby Grisoni un inusual Sancho Panza del siglo XXI en una historia que camina entre la realidad y la fantasía. Aparte, le volveremos a ver en el esperado desenlace final de Star wars Episodio IX en 2019.

9 mar. 2018

gala de los Oscars 2018



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El pasado 4 de marzo se celebró la gala de los Óscar en la que La Forma del Agua se erigió como triunfadora de la noche con 4 estatuillas (entre ellas Mejor Película y Mejor Director). Las otras nominaciones más destacadas también se llevaron su reconocimiento de una forma u otra como los Tres galardones a Dunkerque, o los 2 de El Instante más Oscuro, Blade Runner 2049, Coco o Tres Anuncios en las Afueras confirmando el carácter neutro de la academia al no dejar ninguna de las películas favoritas sin mención. Sin embargo si hubo una gran derrotada: Lady Bird que de sus 5 nominaciones se fue de vacío. Baby Drive o Los Archivos del Pentágono tampoco recibieron reconocimiento. Fueron Tres horas de gala muy comedida y correcta, donde las protagonistas fueron las mujeres, los latinos y afroamericanos sin que hubiera sorpresas ni sobresaltos… ni nada que se saliera de lo convencional y de lo que se puede esperar de un acontecimiento de estas características. Quizá por esa linealidad carente de emoción es por lo que los registros de audiencia en Estados Unidos han sido los más bajos de la historia de los premios.

                La sombra del bochornoso desenlace de la anterior gala es muy alargada. Tanto que se ha notado que en esta ocasión se han medido las cosas con extremada cautela a modo de que esta gala sirviera de borrón y cuenta nueva. Una especie de reválida, de examen de septiembre tras el suspenso de junio. La sensación que deja la gala es de excesiva mesura. Transcurrió todo con pies de plomo, todo controlado, muy convencional, sin salirse del guion estipulado.

La 90 edición de los Óscar arranca en el Teatro Dolby de Hollywood (California), una gala presentada por Jimmy Kimmel.

                La sensación de estar ante un “lo que debió ser la 89 gala de los Óscar” se ve desde el momento en el que volvemos a ver a Jimmy Kimmel como presentador de la gala. Este en su monólogo de apertura es consciente de ello y lo comienza con la frase “no podemos arruinar este año. Es la entrega número 90. Es histórico”. Eso da un alcance del calado que tuvo la debacle final del año pasado. Sin embargo el cómico continúa con un discurso de bienvenida recurriendo al humor fino pero mordaz tocando temas sensibles para Hollywood como el tema de los acosos sexuales, las minorías étnicas o la igualdad de la mujer. Y como colofón a su intervención ofrece una moto acuática al galardonado cuyo discurso sea más corto.  Para dar paso al primer premio de la noche: El que se llevó Sam Rockwell al Mejor Actor de Reparto por Tres Anuncios en las Afueras. A partir de ahí los premios irían cayendo sin sorpresas, sin sobresaltos, donde todas las quinielas iban acertando y con unos discursos de agradecimientos convencionales y menos reivindicativos de lo que cabría esperarse (ahí debería tomar ejemplo la gala de los Goya). Todo iba según lo previsto. Todo estaba saliendo como había sido la gala del año pasado. Incluso se hizo algo parecido como sorpresa de Kimmel hacia un grupo de ciudadanos normales. Si el año pasado hizo pasar a un grupo de desconcertados turistas en medio de la gala. Esta vez se hizo al revés y fueron una representación de famosos los que fueron de sorpresa al cine de enfrente del Dolby Theatre para desconcierto y locura desatada de los espectadores que veían la película.

Armie Hammer lanza perritos calientes en el cine que se encuentra frente al Dolby Teathre de Los Ángeles.

                La gala proseguiría tras esa euforia y otro de los puntos reseñables es la abrumadora presencia de actores y actrices afroamericanos tanto dando como recibiendo premios (y ahí tenemos el caso de Kobe Bryant recibiendo el Óscar por su intervención en el cortometraje Dear Basketball o el de la película de Déjame Salir que salió galardonada con el Mejor Guion Original) pero sobre todo el ámbito latino. La película de Una Mujer Fantástica representando a Chile se llevó el premio a Mejor Película de Habla no Inglesa (aunque, todo sea dicho, también influiría el contenido como gesto a la comunidad homosexual y transexual). La puesta en escena de la canción de Remenber Me de la película de Coco fue todo un alarde y fiesta mejicana ratificada por sendos Oscars que ganó la película de Pixar (Mejor Película Animada Y Mejor Canción) y el triunfo final del mejicano Guillermo del Toro y su Forma del Agua. Es curioso cómo, sin haber habido presencia española de ningún tipo en ninguna categoría (eso dice mucho de la imagen del cine español en Estados Unidos) si ha estado presente el castellano y cultura latina a través de México y Chile.

Sebastian Lelio (en primer plano), Nicolás Saavedra, Daniela Vega, Alejandro Goic y Pablo Larrain ganadores del Oscar a la mejor película de habla no inglesa por 'Una mujer fantástica'.

                Y nos acercábamos al final de la gala con los premios más importantes: ya Dunkerque había agotado sus galardones al llevarse los Óscar a Mejor Montaje, Mejor Montaje de Sonido y Mejor Sonido. Lo mismo Blade Runner 2049 que había sido recompensada con las estatuillas a Mejores Efectos Especiales y Mejor Fotografía. Y Allison  Janney acompañaría en el palmarés a Sam Rockwell como Mejor Actriz de Reparto por Yo Tonya. Pero quedaban por llegar el plato fuerte. Mejor Director fue para Guillermo del Toro por La Forma del Agua que hasta ahora llevaba tan solo los Premios A Mejor Banda Sonora para Alexandre Desplat y Mejor Diseño De Producción. El mejor actor seria para Gary Oldman por El Instante Más Oscuro (que ya acumularía su segundo Óscar tras el de Mejor Maquillaje Y Peluquería). El momento más reivindicativo vendría de la mano de Frances McDormand cuando salió al escenario a recoger su premio a Mejor Actriz por Tres Anuncios en las Afueras e hizo levantar a todas las demás nominadas como forma de reclamar la cláusula de inclusión e igualdad de salario y oportunidades a todos sin contar ni género, ni raza, ni condición: “no nos llamen en la fiesta. Llámennos en los despachos” es como termina su discurso.

La actriz Frances McDormand (2i), junto a Sam Rockwell (i), Allison Janney (2d) y Gary Oldman, durante el photocall de los Oscar.

                Y por fin lego el momento crítico de la gala. Ese que fastidió la del año pasado y que estaría mirado en esta ocasión con lupa y recelo. Y aquí volvemos a ver ese efecto de reválida en septiembre porque volvieron a darlo Warren Beatty y Faye Dunaway en lo que viene a ser un claro resarcimiento de ambos actores de otorgar el premio correctamente. Curiosamente también repiten los mismos encargados de los sobres y para evitar confusiones el sobre a Mejor Película vendría de otro color. El premio fue para La Forma del Agua y, no se sabe si como broma o como verificación, al subir Guillermo del Toro a recoger el Óscar, miró concienzudamente el sobre y cuando comprobó que era correcto se sumó a la celebración…

Guillermo del Toro inspecciona el sobre con su nombre tras ganar el Oscar a mejor película por 'La forma del agua'.

                Y con ello termina una gala complaciente, más temerosa de no equivocarse que de innovar. No obstante, aun con su formalismo y sobriedad, la gala entretuvo y fue espectacular sobre todo por su puesta en escena y escenarios imitando salones palaciegos o templos romanos con gran amplitud y profundidad. Aunque la falta de ingenio es lo que la convierte en una simple gala más, de un año más que, no pasará precisamente a la historia… por cierto, si tenéis curiosidad por saber quién se llevó la moto acuática al discurso más breve, fue Mark Bridges ganador al Mejor Diseño de Vestuario por El Hilo Invisible.

Helen Mirren acompañada de Mark Bridges, ganador del Oscar al mejor diseño de Vestuario, y ganador también de una moto acuática por pronunciar el discurso más corto.

PALMARES

MEJOR PELÍCULA: La forma del agua
MEJOR DIRECCIÓN: Guillermo del Toro (La forma del agua)
MEJOR ACTOR: Gary Oldman (El instante más oscuro)
MEJOR ACTRIZ: Frances McDormand (Tres anuncios en las afueras)
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Allison Janney (Yo, Tonya)
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Sam Rockwell (Tres anuncios en las afueras)
MEJOR GUION ORIGINAL: Jordan Peele (Déjame salir)
MEJOR GUION ADAPTADO: James Ivory (Call Me by Your Name)
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: Una mujer fantástica (Chile)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: Coco
MEJOR FOTOGRAFÍA: Roger Deakins (Blade Runner 2049)
MEJOR BANDA SONORA: Alexandre Desplat (La forma del agua)
MEJOR CANCIÓN: Remember Me de Kristen Anderson López & Robert López (Coco)
MEJOR MONTAJE DE SONIDO: Alex Gibson & Richard King (Dunkerque)
MEJOR MEZCLA DE SONIDO: Mark Weingarten, Gregg Landaker & Gary A. Rizzo (Dunkerque)
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Paul D. Austerberry, Jeffrey A. Melvin & Shane Vieau (La forma del agua)
MEJOR VESTUARIO: Mark Bridges (El hilo invisible)
MEJOR MONTAJE: Lee Smith (Dunkerque)
MEJORES EFECTOS ESPECIALES: John Nelson, Paul Lambert, Richard R. Hoover, Gerd Nefzer (Blade Runner 2049)
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Kazuhiro Tsuji, David Malinowski & Lucy Sibbick (El instante más oscuro)
MEJOR DOCUMENTAL: Icarus
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL; Heaven is a Traffic Jam on the 405
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN; The Silent Child
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: Dear Basketball

1 mar. 2018

Nominaciones a los Oscar 2018: Mejor película de animación

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Hay poca emoción en esta categoría este año. Coco no es que sea la favorita, es que ya se puede decir que va a ser la ganadora. Tanto es así que sus competidoras dieran la sensación de que están de mero trámite. Meras acompañantes de la triunfadora por ser mencionadas como nominadas. Es tan descarado que ni se han molestado en cambiarlas con respecto a los Globos de Oro (que, como era de esperar, se llevó el premio la película de Pixar). Pero como no es cosa de menospreciar a nadie hagamos un repaso de todas las nominaciones de este año:

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                Las tres grandes compañías de animación estarán representadas en el escenario el 4 de marzo. Aparte de Pixar y Coco que lo dejamos para el final, DreamWorks presenta Bebé Jefazo. Película que, a priori, no albergaba muchas expectativas (de hecho la critica la ha vapuleado) pero que se ha convertido en todo un taquillazo. En ella la compañía creadora de Shrek sigue la senda de traer de nuevo viejos personajes de dibujos animados de los 50 y 60 tal como hizo con Las aventuras de Peabody y Sherman (2014) y nos presenta las aventuras de un bebé adulto petulante en guerra con su hermano mayor que se siente desplazado y amenazado por su presencia. La historia es divertida y ese aire añejo le da un plus. Por su parte, Blue Sky (20th Century Fox) trae Ferdinand. La historia de un toro español manso que se revela contra la lidia y su destino de acabar en un Cosío. La historia es una adaptación del cuento infantil de Munro Leaf que ya fue adaptado en forma de cortometraje de la mano de Disney en 1938 que se llevó el Oscar de aquel año. Esta nueva versión, por supuesto, ha sido alargada y acompañada de escenas y personajes cómicos que le da un aire fresco al cuento. Sin embargo ambas no creo que sean merecedoras del premio siendo sus nominaciones claramente enfocadas a que la favorita las pueda desbancar sin problemas.

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                ¿Qué ha pasado con otras películas de animación como las alocadas y divertidas Lego Batman: La Película de Warner Bros. o Gru Mi Villano Favorito 3 De Universal? (La Emoji Película ya tiene su propia nominación… en los Razzies)  Simplemente obviadas no se sabe muy bien bajo qué criterios. Quizá por ser taquilleras o por su temática más ligera y de entretenimiento sin que haya ningún trasfondo social, emotivo o emocional…  ¡vaya! ¿Eso no podría decirse de Bebé Jefazo o Ferdinand que si están nominadas? ¿Entonces? ¿Clientelismo? ¿Marginación? ¿Ponerle la victoria en bandeja a Coco que, a lo mejor, ambas películas podrían ensombrecer? Cada uno saque sus propias conclusiones.

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                La academia siempre deja un aparte en esta categoría a la animación menos comercial, a la independiente y más desconocida. En esta ocasión se refiere a la animación europea de la mano de sendas películas que apuestan por 2 campos muy distintos: la primera es de la compañía irlandesa Cartoon Saloon que es candidata por The Breadwinner una conmovedora y reivindicativa película ambientada en el Afganistán actual en la que una emprendedora jovencita debe aparentar ser un chico para poder sacar adelante a su familia. La película es de factura sencilla apostando por la animación 2D de toda la vida. El auspicio de Angelina Jolie habrá contribuido a esta nominación merecida en el sentido de ser la representante de una forma de hacer animación que ya apenas se ve y muchos empiezan a echar en falta. La otra candidata es la polaca Loving Vincent. Esta película tiene el enorme mérito de ser el primer largometraje compuesto por pinturas animadas. Literalmente consigue que los oleos cobren vida. Tal ejercicio se ha hecho sobre un metraje real con un laborioso y largo proceso de pincelado por parte de varios artistas con el denominador común de homenajear el estilo postimpresionista del gran Vincent Van Gogh.  Sin embargo el mérito se queda ahí ya que la historia no sabe captar el interés del espectador.

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                Y por fin llegamos a la gran triunfadora de la noche. Pixar que ya lleva en su haber ya 8 estatuillas y que con Coco aspira a su noveno Oscar. Y no es para menos. Sin duda la más vistosa, conmovedora y emocionante historia es la que nos muestra las aventuras de Miguel en su periplo por los mitos y tradiciones más ancestrales de la cultura mejicana entorno al día de los muertos. Un espectáculo audiovisual que ha cautivado a crítica y público que ya lleva cosechados el Bafta, el Globo de Oro y el Annie. Que también se va a llevar el Óscar es un secreto a voces que todos damos por hecho. A lo mejor por partida doble ya que el tema principal Recuérdame, también opta a la categoría de mejor canción.

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Nominaciones a los Oscar 2018: mejores efectos visuales


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Esta categoría suele ser el escaparate para las películas más comerciales y taquilleras del año y a la vez en la que se demuestra el poco interés de la academia por este tipo de cine consumista y comercial. Cinco son las nominadas este año: aventuras galácticas por partida doble, simios por partida doble y entre ellas está el 2049 distópico y tecnológico de Blade Runner. En esta ocasión el Óscar se disputara entre La Guerra del Planeta de los Simios y la mencionada Blade Runner 2049 aunque si nos ceñimos a premios anteriores, ya la película de Villeneuve se alzó con el BAFTA y esto ya es sintomático de que pueda repetirse en la gala que nos ocupa. Inexplicablemente se ha quedado fuera una de las películas favoritas en otras categorías como es Dunkerque. De menos calado que la película de Nolan pero también dignas de mención por su ausencia son la exitosa Wonder Woman o La Liga de la Justicia (¿posible boicot a Warner y su DC Universe?)

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                Disney aporta las dos películas galácticas. Por un lado presenta Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (James Gunn) en la que se nos presenta una mayor recreación del basto universo que rodea a los personajes de Marvel con nuevos planetas y mundos fastuosos que se ha intentado que alterne decorados con CGI. Especial mención tiene todo lo relacionado con el personaje de Ego (Kurt Russell) o la narración de su historia con vistosas figuras “de porcelana”. Los responsables de tanta ingeniería visual ya saben lo que es que se les escape el Óscar. Todo apunta que esta no será una excepción por lo que parece una ley no escrita de no premiar películas de superhéroes por considerarlas cine banal e intrascendente. Por otro lado esta Star Wars VIII: Los Últimos Jedis (Rian Johnson). La película  más criticada del año es, a la vez, la más taquillera. En ella se recrea de nuevo esa galaxia muy muy lejana con nuevos mundos y nuevas batallas como la del Planeta Crait o la inclusión del Líder Supremo Snoke (Andy Serkis) que ha requerido  de especial dedicación en su recreación para darle realismo. Ya se pudo ver con el Episodio VII: El Despertar de La Fuerza y con Rogue One que la academia no gusta de premiar este tipo de fastos grandilocuentes y esta vez se repetirá la historia. La prueba está que los integrantes del equipo que han ganado la estatuilla (Ben Morris por La Brújula Dorada, Neal Scanlan por Babe y Chris Corbould por Origen) ha sido por películas menos comerciales que la que presentan en este certamen.

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                Las dos películas simiescas sin embargo son muy distintas entre sí. Por un lado esta Kong: La Isla Calavera (Jordan Vogt-Roberts). Cuenta entre su equipo de efectos especiales con Stephen Rosenbaum que ya ganó sendas estatuillas por Forest Gump y Avatar y su principal baza es la recreación del gigantesco gorila King Kong con los movimientos de Toby Kebell. Su paso por taquilla discreto y sobre todo su concepción de cine como mero espectáculo efectista es lo que le restan puntos cara a alzarse con el Óscar. Por otro lado tenemos a una de las favoritas La Guerra del Planeta de los Simios (Matt Reeves) que cuenta entre sus filas con el reconocido Joe Letteri que acumula en su haber hasta 4 premios (curiosamente uno de los premios fue por el King Kong de Peter Jackson en 2005). En esta tercera entrega se ha querido poner mayor realismo y énfasis en la recreación de cada simio en especial en Cesar (Andy Serkis) que se le ha querido caracterizar con un aspecto más envejecido. El final de la trilogía de Reeves ha visto cómo sus predecesoras se han ido de vacío y bien podría ser esta la que se llevara el reconocimiento final al trabajo en las tres películas… eso si la última candidata se lo permite, y no va a ser fácil.

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                Por último está el complicado trabajo de recrear la atmósfera y el mundo futurista que ya se pudo ver en 1982 de la mano de Ridley Scott 35 años después para su secuela: Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve). En esta ocasión el equipo técnico se vio en la necesidad de recrear ese paso del tiempo creando una ciudad de Los Ángeles más urbana y menos industrial y a la vez mostrar mayor adelanto tecnológico como pueda ser con la recreación de la novia virtual del protagonista Joi (Ana de Armas). La película no decepcionó, aunque tampoco funcionó tan bien en taquilla como se esperaba. Aun así no le resta para que los efectos especiales sean dignos merecedores de la nominación. El ya haber ganado el BAFTA le abre las puertas a repetir la proeza el próximo 4 de marzo pero ahí está La Guerra del Planeta de los Simios que reclama también su reconocimiento en lo que parece una batalla abierta entre las dos películas. Ya queda poco para saber la decisión de la academia.

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