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25 sept. 2018

Pájaros de verano. Cuándo abandonamos nuestra identidad.


Sinópsis:

Cuando a finales de los sesenta del siglo pasado los jóvenes estadounidenses adopten la cultura hippie abrazarán con ella las drogas. Al buscar la marihuana allí dónde estén, los agricultores locales pasarán a convertirse en "empresarios". Este enriquecimiento acelerado tendrá un efecto devastador sobre las sociedades tradicionales.

Crítica:

Ciro Guerra ya es un habitual de San Sebastián. En 2003 su trabajo La sombra del caminante ganó el premio Films in Progress y su película El abrazo de la serpiente fue nominada al premio Horizontes latinos en 2015. Tampoco es ajeno a los reconocimientos públicos con premiso en cannes o Sundance, y con Pájaros de verano como representante de Colombia en los Oscar.

Nos encontramos ante una historia en los albores del narcotráfico colombiano. Es una historia basada en la "bonanza marimbera", cuando los indios wayú o guajiros se enriquecieron con el cultivo de marihuana a la vez que sufrían una gran convulsión en su sociedad. Al pasar la bonanza la sociedad wayú no tenía respuesta ante los problemas con los que se quedaba.


Raphayet vive del tráfico de café y licor y quiere casarse con Zaida.  Ursula, madre de Zaida y matriarca del clan no simpatiza con la petición y propone una elevada dote. Raphayet tiene a un socio, Moisés, un alijuna, un no wayú. Junto se iniciarán en el tráfico de marihuana para conseguir la dote. Aunque logra casarse con Zaida, Raphayet sigue en el negocio y prospera a la vez que en el proceso se va alejando de las costumbres y tradiciones wayú. Moisés queda fuera de control por la codicia. Posteriormente Leónidas, hijo de Úrsula, seguirá el mismo camino. Las tradiciones, ritos y formas dejan de respetarse entre los miembros y clanes de los wayú. La situación se torna inestable y poco a poco se va a generar una espiral de violencia que provocará a un baño de sangre y para muchos la pérdida de la identidad y la pertenencia a un grupo.


Los directores no se centran en la faceta del narcotráfico, sino en las comunidades indígenas y cómo se ven afectadas por su interacción con el mundo occidental. Es un fenómeno que muchas pueblos han sufrido a lo largo de la historia al encontrarse con otros grupos y culturas más pujantes. Pero en este caso el contraste es extremo. En un lado tenemos una cultura capitalista, que valora el poder del dinero y de la propiedad y donde el intercambio se produce por el valor equivalente de los bienes, una economía monetaria.  En el otro lado está una cultura basada en las tradiciones, los sistemas jerárquicos y el respeto a determinadas figuras tradicionales, una sociedad agrícola al límite de la economía de trueque. Raphayet ya apenas es un wayu pero su villa está en medio del desierto, sigue teniendo los sueños premonitorios, recurre al "palabrero" y al consejo de la matriarca y duerme en una hamaca con Zaida, a pesar de tener una enorme cama en la habitación. La película también busca la ocasión de mostrarnos la belleza de algunas tradiciones wayú, de sus tejidos coloridos. Y entre las costumbres relevantes nos presenta la figura del "palabrero", un mensajero que resuelve los conflictos a través de la mediación. Éste es un personaje secundario pero está siempre presente y resulta fundamental en el desarrollo de la narración.

Las aves tienen un simbolismo específico para los wayú, y están muy presentes en muchas escenas, como augurios de lo que ha de venir. Son unos extras muy presentes durante toda la narración. Los paisajes también son extras a su modo, extensos y  menudo áridos, como de western. Ello contribuye a generar dos sensaciones, una de integración de los indígenas con la naturaleza y otra de pequeñez del hombre frente a ésta.


Nos encontramos ante el choque de una cultura tradicional con sus esquemas y valores y cómo sus miembros los abandonan por la riqueza y los bienes materiales, a veces obtenidos de modo ilícito. Cuando estos "ex indígenas" se encuentran ante problemas morales y crisis, su antiguo esquema ya no les ayuda al haberlo abandonado, pero tampoco el actual que no han terminado de incorporar. Una película bella que merece la pena ver.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Cristina Gallego y Ciro Guerra
  • Guión: Ciro Guerra
  • Intérpretes: Natalia Reyes, Carmiña Martínez, José Acosta, John Narváez, José Vicente
  • País: Colombia
  • Duración: 125 minutos
  • Música: Leonardo Heiblum
  • Fotografía: Maria Camila Arias

Trailer:

24 sept. 2018

Tegui, Un asunto de familia... un asunto de magia.


Sinópsis:


Germán Martitegui, considerado mejor cocinero de Argentina y dueño del restaurante Tegui, decide trasladar éste último con motivo de su décimo aniversario. Para ello se trasladará a Mendoza, a la bodega Michelini, dónde establecerá un restaurante por 40 días.

Crítica:

Cada sesión de Culinary Zinema nos va descubriendo, en formato documental, detalles sobre un plato concreto, sobre un restaurante, sobre un colectivo de cocineros, sobre un vino o un producto... pero esta es la primera vez que una sesión de Culinary Zinema lo que nos transmite es una emoción y una experiencia vital.


 Germán Martitegui es nuestro protagonista y conductor. Su apellido y la boina que adorna el uniforme de su restaurante nos hace preguntarnos si los genes vascos llevan de algún modo impregnada la cocina. Para el décimo aniversario de Tegui decide montar un restaurante "pop up" a 1200 kilómetros de Buenos Aires, en la bodega de los hermanos Michelini, en Mendoza. Y así cierra un sábado para abrir el martes siguiente por 40 días.


Su idea es que sea una celebración con "su familia", y a la vez una experiencia que les haga repensar su cocina, salir de su zona de confort en todos los aspectos. El cambio es total, restaurante al aire libre dependiendo del clima, cocina de fuego y brasas, no hay hornos eléctricos, nueva carta porque los suministros son muy distintos y porque se desea trabajar el producto local, fresco.


Y tan fresco, gallinas y truchas vivas, tomates escogidos de uno en uno la misma mañana, frutos y hierbas aromáticas recogidos en el camino. Vamos a descubrir cómo elaboran la carta, como descubren los productos locales, cómo conocen nuevos proveedores, cómo tienen que recoger personalmente algunos frutos y así comprender que éstos no vienen del supermercado envasados, que se cultivan, se crían y se matan. La preparación de la ricotta al principio de la cena para servirla al final es fascinante. Pero la preparación de la sopa de gallina, "no podemos competir con el recuerdo de la abuela", resulta casi mágica. El conjunto lo rematan con vinos seleccionados para cada plato, muchos vinos, por los hermanos Michelini. Aunque la pantalla no permite saborearlos, los aromas y matices parecen transmitirse a través de sus explicaciones. Otro toque de magia.


El planteamiento final es espectacular. Los clientes llegan al restaurante al aire libre a través de los viñedos y de la zona de cocina, a las 5 de la tarde, enfrente un paisaje de la montaña al atardecer. Los platos van pasando de frescos al calor de la tarde a más calientes al llegar la noche, con mantas de lana de alpaca para evitar el frío. Esto se acompaña de un cambio de iluminación, llevando el foco del exterior al interior. Es una experiencia fusión de cocina, vino, paisaje y decoración.


Aunque el documental nos muestra el proceso de traslado, adaptación a la nueva carta, a los nuevos medios, al nuevo espacio... nos habla sobre todo del desafía, de la transformación de un equipo en una familia, nos habla de una experiencia de transformación y de las emociones compartidas. Como dice Germán "los que vinimos no somos los mismos que volvemos". Parece que sí es verdad, al corazón también se puede llegar a través del estómago.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Alfred Oliveri
  • Guión: Martín Vallaro
  • Intérpretes: Germán Martitegui, empleados de Tegui, los hermanos Michelini
  • País: Argentina
  • Duración: 61 minutos
  • Fotografía: Juan Manuel Ortega

Trailer:

23 sept. 2018

El barco del Festival de Cine zarpó en su 66 travesía


Y este año yo no he llegado a embarcar, así que me veo nadando a su estela. A pesar de esto comenzamos y comentamos.

1. La polémica. Cambio de imagen, y sobre todo la nueva Concha, estilizado casi a nivel de stickman. No ha gustado a todo el mundo.



2. 3 premios Donostia. Tres grandes del Cine con mayúsculas. El Director Hirokazu Kore-Eda, la actriz Judy Dench y el actor, productor y director Danny de Vito, los tres son un gran acierto del Festival.




3. El jurado. El jurado será presidido por el director estadounidense Alexander Payne, estará compuesto demás por el actor argentino Nahuel Pérez Biscayart, la actriz española Rossy de Palma, la productora Agnes Johansen, la directora de fotografía Bet Rourich y por el director rumano Constantin Popescu.

4. La sección oficial. 18 películas a concurso de China, Japón, Corea del Sur, Filipinas, Reino Unido, Francia, Estados Unidos, Argentina, Austria, Noruega, España... y muchas coproducciones. De las dieciocho 4 son españolas de modo total o parcial. Además en esta misma sección habrá 4 películas fuera de concurso.

5. Las secciones. Son 9, la Sección Oficial (la competición mayor), Nuev@s Director@s, Horizontes Latinos, Zabaltegi (una sección competitiva sorprendentemente abierta), Perlas (de otros festivales), Nest Film Students, Culinary Zinema (de la mano del Basque Culinary Center y acompañado de cenas temáticas), Made in Spain (retrospectiva del cine español de año) y una retrospectiva de la guionista y directora Muriel Box. Además estará el Premio Sebastiane, otorgado a trabajos que reflejen las cuestiones del colectivo LGTBI, el Premio Irizar al Cine Vasco. 

6. Las estrellas. Nos espera (alguna se ha dado ya) la visita entre otros de Danny Devito, Judi Dench, Hirozaku Koreeda, Juliette Binoche, Ryan Gosling, Laeticia Casta, John C. Reilly, Robert Pattinson, Timothée Chalamet, Lily-Rose Depp, Bradley Cooper y Chris Hemsworth. Y entre los más próximos, Iciar Bollaín, Juan Antonio Bayona, Rodrigo Sorogoyen, Ana Wagener, Bárbara Lennnie, Álex González, Leonor Watling, Alex Monner, Javier Gutierrez, Pilar Castro, Claudia Traisac, Luis Zahera, Ricardo Gómez, Unax Ugalde, José Coronado, Ricardo Darín y Mercedes Morán. 

Parece que este año vamos a tener un ingrediente para cada gusto, un  poco de todo para todos. Va a ser otro festival para disfrutar.

22 sept. 2018

Apuntes para una película de atracos. Conocer a una persona

Sinópsis:

Con la excusa de documentarse para hacer una película de atracos, el director contacta por carta con "El Robin Hood de Vallecas", que se encuentra en la cárcel. Desde este punto de partida Siminiani inicia un documental sobre "Flako", al que descubrirá no sólo como personaje sino como persona, y con el que progresivamente se establecerá una relación de confianza y amistad.

Crítica:

Estrenada en la sección "Nuevos directores" dentro de la 66 edición del festival de Cine de San Sebastián, Apuntes para una película de atracos es el segundo largometraje del director. Nunca más apropiado que presentar en Donostia el trabajo de un director donostiarra. Durante la película aparecerá como Elías, su primer nombre, para no distraernos con su faceta de director. Elías comenzará escribiendo una carta al encarcelado "Robin Hood de Vallecas" que, sorprendentemente, obtendrá respuesta.


A partir de lo largo de esta cinta vamos a descubrir a Flako, como el director le denomina para proteger su anonimato. El protagonista asaltaba bancos desde las alcantarillas, como previamente aprendiera con su padre. Elías estudiará su método y lo complicado y duro que es acceder a un túnel, llegar al destino deseado, entre suciedad, oscuridad y el riesgo constante de quedar atrapado en un estrecho túnel. Al recorrer el camino de un atraco, se sorprenderá de la resistencia física y valor que requiere actuar de ese modo. 

Simianini va a conocer a Flako en la cárcel acompañando a Mariela, pareja de éste, y va a descubrir qué difícil es estar en la cárcel y tener un hijo. Aquí no puede evitar que se sienta el paralelismo de la reciente paternidad del director. Elías ha de mantener la distancia para no sentirse fascinado por un personaje que parece un ciudadano más, pero tampoco puede juzgarle.

En los permisos podrá conocer a Flako con mayor tranquilidad, ocultándose al principio de la esposa de éste, y visitar los escenarios de los robos. Conoceremos también la complicada infancia del protagonista, la ausencia del padre encarcelado, el retorno y la fascinación del hijo por el padre en la adolescencia, la "escuela" que tuvo de robo...   Poco a poco se va a desarrollar una relación que va más allá de lo profesional y vamos a asistir al nacimiento espontaneo de una amistad. Vamos a superar una historia, y vamos a conocer a una persona.


Aunque las distancias se acortan, Siminiani es consciente de las distintas situaciones de ambos y de como Flako lo tiene muy complicado en el mundo. Mariela no quiere que el proyecto siga porque teme por el futuro de su hijo y que se asocie con ese mundo. El director se da cuenta de que cómo puede mostrar a su hija en el documental pero no al hijo de Flako, al que ha de difuminar. Pero quizá un momento más revelador sea cuando hay un asalto a un banco desde las alcantarillas, ambos se preocupan, hasta el punto de que Flako dirá "suerte que me pilla en la cárcel". Después se descubrirá que el trabajo era obra de un antiguo socio del padre de nuestro protagonista.

La película es pura frescura, con actores que no lo son, combinando en ocasiones pequeños fragmentos de algunas películas de robos que fascinan al director. El trabajo no oculta su mirada de ternura sobre Flako y hemos de agradecer, siendo real, que acabe con un rayo de esperanza. Recomendable para quién se interese por el cine social, los documentales o simplemente quiera reconciliarse con la humanidad.

Ficha técnico-artística:

  • Director: León Siminiani
  • Guión: León Siminiani
  • País: España
  • Duración: 90 minutos
  • Fotografía: Javier Barbero, Giuseppe Truppi

Trailer:

Daniel Arrébola presenta su libro "Perdón, por favor, gracias"


En el marco de la 66 edición del Festival de Cine de San Sebastíán, el periodista Daniel Arrébola (APTC Cine) presenta su libro "Perdón, Por Favor, Gracias". Para ello ha contado con la colaboración de Beatriz de la librería RE READ de Donostia. Durante la rueda de prensa uno de los presentes, de la distribuidora #ConUnPack ha comentado "Todo el mundo está escribiendo un libro, pero tú eres el primero que ha escrito uno".

Perdón, Por favor, Gracias es un libro de vivencias a lo largo de su carrera periodística. Comenzada su redacción en febrero de 2017, se ha completado a lo largo de un año incorporando las anécdotas y experiencias que el autor iba experimentando. Daniel describe su libro no como un libro de cine sino como un libro sobre la vida, y subraya que esas cuatro palabras, Perdón, Por favor, Gracias, se deberían utilizar con mayor frecuencia. Para él han sido las llaves que le han permito acceder a estrellas del mundo del cine, y recoger estas anécdotas. Entre otras hay una entrevista a la carrera en un ascensor con Belén Rueda o Leonor Watling emocionándose al hablar de Bigas Luna. Hay anécdotas que no han cabido y otras que, por negativas, el autor no ha reflejado. Merece la pena parar a leerlo, por lo ameno y para descubrir no sólo a Daniel sino también a las personas que habitan tras los personajes, mucho más cercanas de lo que pueda parecer.


Con 374 páginas y editado por Círculo Rojo, el libro puede adquirirse en Amazón, en Paquebote.com, en Central Librera o en la propia web de APTC Cine, utilizando PayPal. Aquí enlazamos con  las distintas páginas:

- Amazon: Perdón, Por Favor, Gracias Tapa blanda

- Paquebote.com: https://www.paquebote.com/9788491949374/

- Central Librera: http://www.centrallibrera.com/libro/perdon-por-favor-gracias_338822

- APTC Cine: https://blog.apetececine.com/libro-perdon-por-favor-gracias/







21 sept. 2018

CASTLE ROCK: EL UNIVERSO LITERARIO DE STEPHEN KING LLAMARÁ A TU PUERTA ESTE OTOÑO EN MOVISTAR +


Castle Rock es un pueblo ficticio del condado de Maine donde se han desarrollado muchos relatos y novelas de Stephen King y que ahora da pie a una serie cuya primera temporada podrá verse este otoño en Movistar+

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                La serie tiene el aval de ser desarrollada por el propio King y J.J. Abrams .En ella veremos desarrollarse una historia original de los guionistas Sam Shaw y Dustin Thomason como “una serie de terror psicológico ambientada en el multiverso de Stephen King, que combina la escala mitológica y la narración de personajes íntimos de las obras más queridas del escritor, tejiendo una saga épica de oscuridad y luz "

                La historia arranca en la penitenciaria Shawshank a la que es llamado el protagonista el abogado Henry Deaver (André Holland) para que investigue un misterioso preso que se encuentra confinado en un área clausurada del penal: El Chico (Bill Skarsgard, el Pennywise en la exitosa versión de It de 2017 y cuya segunda parte se espera para septiembre de 2019). La relación entre ambos personajes es el eje central de la historia pero veremos más alusiones a obras de King como el ex alguacil Alan Pangborn (Scott Glenn). Completan el reparto la madre adoptiva de Henry (Sissy Spacek, Carrie en la versión de 1976), Molly (Melanie Lynskey), Jacky (Jane Levy) o un viejo colaborador de Abrams desde la serie Perdidos Terry O´Quinn.

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                Esta primera temporada consta de tan solo 10 episodios pero tiene pretensiones de ser una serie ampliable a más temporadas en la línea de lo que ha sido la serie de Fargo. De ahí su ritmo pausado y menos terrorífico de lo que cabría esperarse. Viene a ser una introducción de personajes y la historia cara a que cuando se compliquen las cosas el espectador pueda empatizar con los acontecimientos y personas. Son los cimientos de un nuevo universo narrativo del maestro del terror que aspira a quedarse en los hogares de sus espectadores.

THE MAGICIANS: TERCERA TEMPORADA YA DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY Y APROBADA UNA CUARTA


LA MAGIA COMO VÍA DE ESCAPE DE UNA REALIDAD VACÍA A OTRAS LLENAS DE AVENTURAS Y PELIGROS

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                Esta es la premisa básica de esta serie cuya tercera temporada ya se encuentra disponible en formato doméstico y el canal Sy-Fy ya ha aprobado una cuarta. Una serie teenager basada en las novelas de Lev Grossman en la que se nos plantea que la magia es real y que esta se puede aprender en la academia de magia Brakebills. Allí son conducidos Quentin Coldwater (Jason Ralph) un joven inadaptado que la vida le parece vacía e insustancial y su amiga Julia Wicker (Stella Maeve). Él es aceptado en la escuela. Ella no. Por lo que ambos personajes seguirán sendas distintas que les conducirán, antes o después, a enfrentarse a La Bestia, un misterioso hombre polilla de otra realidad. Y solo será el principio de multitud de aventuras con seres mitológicos, dioses y mundos paralelos entre el que está el de Fillory  un lugar mágico del que tanto leyó Quentin que no solo es real sino que esconde multitud de misterios y peligros.

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                A esta trama central se le suman demasiados personajes secundarios como el decano Dean Fogg (Rick Worthy) los compañeros de escuela de Quentin: Alice Quinn (Olivia Taylor Dubley) Penny Adiyodi (Arjun Gupta) Kady Orloff Diaz (Jade Taylor) Margo Hanson (Summer Bishil) , Elliot Waugh (Hale Appleman) o los disidentes que acompañan a Julia Marina Andrieski (Kacey Rohl) Y Pete (David Call) … Cada uno con su propio arco argumental, sus inquietudes, sus dudas y propósitos que embrollan y alargan el hilo principal con historias entre mundos más cercanas a Narnia que a Harry Potter. El resultado es una serie que trata los problemas adolescentes que atraerá sobre todo a espectadores de esa edad.

 Esta tercera temporada vuelve a contar con 13 episodios como las dos anteriores. En ella los personajes tienen la misión de recuperar la magia que quedó perdida tras los acontecimientos de la segunda temporada a los que se unen Poppy (Felicia Day) y la reina de las hadas (Candis Cayne). Será crucial la evolución y relación de Quentin y Julia sobre todo de esta segunda que se mueve en una línea muy fina entre la luz y la oscuridad.

13 sept. 2018

Carmen y Lola. El duro camino de la libertad


Sinópsis:

Carmen, 17 años, gitana, a punto de "pedirse", no va al colegio "para qué si se va a casar", ayuda a su familia en la venta ambulante. Lola, 16 casi 17, "no mocea", no va "al culto", hace graffitis, quiere ser maestra y viajar, ayuda a su familia en la venta ambulante. Ambas viven en el extraradio madrileño,  fuman a escondidas y se cuestionan su futuro rol de esposas sumisas hacedoras de hijos. Cuando se encuentren deberán replantearse sus vidas y elegir entre su familia y entorno o permanecer juntas.

Crítica / texto:

¿Puede una directora debutante escoltada por un plantel de actores, y sobre todo actrices, amateurs hacer un trabajo de interés? Puede y puede incluso ser nominada a la Golden Camera en Cannes 2018. La historia es sencilla pero no simple. Dos jóvenes adolescentes gitanas se enamoran y han de aceptarlo primero, esconderse después y finalmente enfrentarse a su entorno para ser ellas mismas. Porque son mujeres, gitanas y lesbianas, 3 veces discriminadas.


La historia se desarrolla inicialmente casi en un tono documental, con Carmen preparándose para "pedirse", vestida de princesa de brillos y lentejuelas con una desproporcionada diadema. Esto es en parte debido a la dificultad de rodar de forma académica a un grupo de actores espontáneos, así que Echevarría decidió tomar distancia y dejarles hacer. Pero en el transcurso de la película el tono se torna más interpretativo, quizá también por ser menos coral y más íntimo, alcanzando un clímax dramático que poco a poco se remansa hacia el final de la cinta.


No encontraremos en esta película diálogos extraordinarios, aunque sí frases lapidarias como la que dice Lola en un momento de crisis, "Las gitanas, por no tener, no tenemos ni sueños". No encontraremos tampoco planos de los que hacen historia en el cine, aunque las escenas entre Carmen y Lola se traten con una plástica y delicadeza extraordinarias, no en vano hablamos de los primeros amores adolescentes. 


Hay elementos que nos hablan de la presión y el realojo que han sufrido los gitanos, como la evidente torre de vigilancia en la UVA de Hortaleza por la que Lola pregunta a Paqui, la asistente social. "Ni que fuéramos delincuentes" responderá Lola cuando Paqui se lo explique. Otro reflexión similar la encontraremos en el plano de "El Ruedo" de Moratalaz, donde vive Paqui, con su presencia imponente que parece vigilarnos también. Todo es una alegoría de la vigilancia social, del qué dirá la gente, "todo el mundo lo sabe ya", "no grites, los vecinos están mirando", "no me levantes la voz delante de mis padres". Pero frente a esto están también las metáforas de la libertad, como los pájaros que pinta Lola o los aviones que despegan.


La complicidad entre las protagonistas es muy evidente y permite dar verosimilitud a la historia. La falta de experiencia interpretativa parece haber actuado como un elemento favorable. Es bonito ver cómo se van acercando poco a poco, conociendo, como esconden su amor en una piscina abandonada dónde bailan y juegan, como se buscan en rellanos de escalera y sitios poco transitados, como se fascinan juntas ante pequeñas cosas como el despegue de un avión.


El papel de de los padres de Lola, Flor y Paco, es el contrapunto realista de las protagonistas. Es también un elemento fundamental para aportar credibilidad a la vida de familia. Flor tratando de que su hija estudie y tenga una vida mejor y Paco muy pegado a tierra pensando en que trabaje y se case pronto, ambos siempre movidos por una visión práctica. El crescendo de momentos desgarrados de Rafaela León y Moreno Borja puede parecernos excesivo, pero paradójicamente al mismo tiempo es muy realista y verosímil. El papel de Paqui, Carolina Yuste, es el de la asistente social gitana que tiene una mente más abierta. Trata de que los gitanos mejoren sus vidas, tengan en quién confiar y, si es necesario, salgan de sus barrios para poder vivir sin asfixiarse. Quizá en parte sea porque ella no ha conseguido escapar de "El Ruedo".


Finalmente, la música es un acierto. Era muy fácil caer en la trampa de los tópicos musicales que todos hubiéramos podido esperar y temer. Pero esto no es "El torete" y la directora escoge una música propia del mundo gitano, no comercial. Y buena parte de ella es interpretada por los propios actores que participan en las escenas festivas, y contribuyendo al ambiente de autenticidad que percibimos durante estos 103 minutos.


Aunque la película haya desatado cierta polémica dentro del mundo gitano, ésta no parece justificada. No se presentan los lugares comunes con los que se ha estigmatizado a los gitanos. No se ve delincuencia, ni violencia, ni tráfico de droga, ni navajas, ni clanes enfrentados, ni "destierros". Las familias gitanas se presentan como trabajadoras, procurando llevar comida a la mesa para sus familias, la cultura gitana se muestra como colectiva, festiva y familiar. Pero también se expone como patriarcal y tradicional, lo que la hace complicada para las personas que no se atienen a la tradición, para los "diferentes"y también para las mujeres. Si algo avala la autenticidad en muchas de las escenas es la colaboración de los actores y actrices de etnia gitana que asesoraron a la directora, explicando cómo es una fiesta de "pedío", o cómo algunas escenas previstas no correspondían al comportamiento de una madre gitana y que, gracias a esto, se replantearon. Moreno Borja, que hace de padre de Lola, es gitano y considera que su cultura se ha tratado con mucho respeto.


Un detalle interesante y curioso de cómo se planteó esta película es el trabajo de casting. En la cinta colaboran en torno a 350 amateurs, en su mayoría mujeres, y sólo una actriz profesional, Carolina Yuste. Se entrevistó a unas 1000 personas hasta cerrar el elenco. El trabajo de encontrar a Lola fue sencillo, pero Carmen llevó tantas pruebas que Echevarría estuvo a punto de tirar la toalla, incluso llegó a probar con una actriz pero no encajaba en el conjunto. Una de las grandes dificultades era que las posibles actrices no querían fumar o darse un beso ante la cámara, por el que dirán, por si tenían problemas para casarse en el futuro. En el intento 850 apareció Rosy Rodríguez, que ya había estado casada a sus 17 años y no tenía nada que perder y sí muchas ganas de actuar.


Sólo por la frescura y sinceridad de las protagonistas, por la química que hay entre ellas, esta película merece la pena. Pero este trabajo plantea, de modo delicado y apasionado la mismo tiempo, cómo vive el primer amor una persona adolescente, dentro de una sociedad muy tradicional y sabiendo que su sexualidad tiene una orientación distinta a la aceptada. Arantxa Echevarría logra tejer una historia de interés, y en el proceso saca lo mejor de Zaira Morales y Rosy Rodríguez, Lola y Carmen respectivamente.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Arantxa Echevarría
  • Guión: Arantxa Echevarría
  • Intérpretes: Zaira Morales, Rosy Rodríguez, Carolina Yuste, Moreno Borja, Rafaela León
  • País: España
  • Duración: 103 minutos
  • Música: Nina Aranda
  • Fotografía: Pilar Sánchez Díaz

Trailer:

2 sept. 2018

Hotel Salvación. La muerte como parte gozosa de la vida.

Sinópsis:

Daya tiene 77 años y, tras un sueño recurrente, cree que está preparado para morir y ha de hacerlo en Benarés, a orillas del río Ganges, la "madre Ganges". Su hijo, el ocupadísimo Rajiv, le acompañará en este viaje que no comprende. En esta singular circunstancia Rajiv tendrá ocasión de conocer de otro modo a su padre y replantearse sus prioridades en la vida.

Crítica:

Que tengamos simultáneamente en cartelera dos películas con Adil Hussain (El viaje de Nisha y Hotel Salvación) es al mismo tiempo una afortunada casualidad (Hotel Salvación se estrena en España con dos años de demora), una gran oportunidad para el aficionado al cine y prueba de la pujanza del cine del subcontinente Indio.


Shubhashish Bhutiani debuta como director de largometrajes con esta cinta, rodada con la ayuda del Biennale College del Festival de Venecia. Pero el resultado es tan  redondo que pone el listón muy alto para el director, del que esperaremos grandes cosas en el futuro. Podemos sospechar que este trabajo cae en la lentitud propia del cine oriental, máxime cuando es patrocinado por un Festival, pero el ritmo pausado de esta obra es el adecuado para tratar la cuestión que plantea. A lo largo de su metraje el director y guionista nos habla del conflicto generacional y de la distinta manera de ver la vida y la muerte, pero también de dos Indias, la moderna y estresada frente a la tradicional y enfocada al interior. También nos remite, aunque sea casi tangencialmente, al papel de la mujer en la India, incluso en la versión "moderna" de aquel gran país.



Lalith Behl está genial como Daya, el profesor retirado de 77 años que decide que "está listo para morir". No está enfermo, no "le han tratado mal" en su familia como pregunta su hijo preocupado, no está deprimido, simplemente siente que está preparado para continuar su viaje. El contrapunto lo da Adil Hussain, un ocupadísimo Rajiv que "habla por teléfono mientras come" y que no entiende la visión de su padre. ¿Quién está listo para morir estando sano y bien atendido? Lata es la figura de la esposa práctica que pregunta "¿Cuánto va a durar esto? ¿Por qué no vuelves?" Mientras que Sunita es la nieta, consentida y comprendida por su abuelo que ve las cosas con la distancia de la edad y cierta sabiduría. Rajiv no entiende que su padre haya enseñado a conducir la moto a Sunita. Y, a pesar de abrazar el estilo de vida occidental en cuanto a los valores en la vida, de tampoco entiende que decida no casarse, un regusto de "qué dirá la gente" tan propio de toda esa región con independencia de país, etnia o religión




En Benarés se alojarán en el destartalado Hotel Salvación, dónde sólo puede esperarse la muerte por 15 días. Es allí donde nos damos cuenta que la gente no va a Benarés a morir, va a alcanzar la salvación, de un modo casi festivo. El personaje de Mishraji, que dirige el hotel, es a la vez tradicional y práctico, y aunque al principio parece un charlatán, nos dará algunas lecciones de sabiduría así como de calidad humana. Y finalmente conoceremos a Vimla, es amable y acogedora e invita a comer a Daya y Rajiv. Espera alcanzar la salvación desde que llegó al hotel 18 años atrás, y que vive de 15 en 15 días cambiando de nombre cuando la quincena concluye. Pero no espera la muerte con urgencia, sabe que la muerte llegará cuando esté preparada.  La química entre la Daya y Vimla es evidente, no en vano son marido y mujer en la vida real. 



Durante la convivencia a orillas del Gangés, Rajiv y Daya tendrán ocasión de arreglar y aclarar las diferencias de toda una vida y comprender mejor y perdonar el uno al otro. Al mismo tiempo Rajiv comenzará a poner en perspectiva sus prioridades, valorando más la convivencia con los suyos, que los asuntos profesionales que parecen siempre urgentes.



A pesar de lo aparentemente sombrío del tema hay momentos divertidos y un tratamiento delicado y sutil sin llegar a caer en el sentimentalismo. Los personajes están bien construidos y, con escasos  medios, el director nos presenta los colores de la India, la belleza de su espiritualidad y lo festivo y comunal de muchos de sus cánticos, prácticas y festivales religiosos. 




Y así Bhutiani nos deja con algunas preguntas. ¿se es más feliz con la visión occidental de productividad y progreso? ¿O es mejor seguir un modelo más pausado y centrado en las cosas realmente importantes? ¿Merece la pena huir ante la muerte, que en la actualidad se esconde y se rechaza como si así pudiéramos evitarla? ¿O es mejor abrazarla con la tranquilidad de la paz que nos dará y la esperanza de una vida futura? 


Ficha técnico-artística:

  • Director: Shubhashish Bhutiani
  • Guión: Shubhashish Bhutiani, Asad Hussain
  • Intérpretes: Adil Hussain, Lalit Behl, Geetanjali Kulkarni, Palomi Ghosh, Navnindra Behl, Anil K Rastogi
  • País: India
  • Duración: 102 minutos
  • Música: Tajdar Junaid
  • Fotografía: David Huwiler, Michael McSeweeney

Trailer:

1 sept. 2018

Mamá y papá. Cuando los padres se hartan.

Sinópsis:

Brent y Kendall, un matrimonio razonablemente acomodado, pasan una época complicada con sus hijos, él aún un niño y ella una adolescente en pleno proceso de autoafirmación, al mismo tiempo que sufren una crisis de madurez. Cuando en la ciudad se desata una locura colectiva que provoca que los padres ataquen brutalmente a sus hijos, Carly y Josh, ayudados por Damon el novio de Carly, deberán sobrevivir al asalto asesino y despiadado de sus padres.

Crítica / texto:

Tras casi un año de su visita a Toronto, Nocturna Madrid, Sitges, Terror Donostia... llega a las pantalla esta cinta de Brian Taylor, famoso por sus trabajos de acción, especialmente Crank, el largometraje lleno de testosterona con el que debutó.


El punto de partida de "Mamá y Papá"es interesante. La premisa con la que todos contamos, que nuestros padres nos adoran y harían cualquier cosa por nosotros, se rompe de repente. De modo inesperado los padres se lanzan a una violencia desaforada, dirigida hacia sus hijos. Pero, ¿es algo inesperado? ¿No están los padres frustrados por los sueños y proyectos a los que renunciaron para criar a su familia? ¿Acaso los mayores no envidian la lozanía y pujanza de los jóvenes? ¿Bastan los logros de la descendencia para compensar los propios fracasos o la simple rutina? ¿Pueden los padres dejar de lado que los hijos son absorbentes y desagradecidos al mismo tiempo y no saben apreciar el coste vital que han supuesto para sus padres? A mismo tiempo parece haber una crítica a la típica y aparentemente feliz familia de clase media americana.


Todas estas ideas se incoan de un modo u otro en "Mamá y Papá". Pero tras unas ideas tan interesantes falta un desarrollo apropiado, no sólo de éstas, sino de la propia narración y de su ritmo. El primer defecto que se aprecia y que daría cierta lógica a esta película es saber qué origina este comportamiento. Se intuye que puede deberse a algo emitido por las pantallas, pero no hay una pista clara, aunque dicho "virus" sólo sea la excusa para que los padres puedan liberar la violencia interior contra sus hijos que llevan reprimida.


La película parece dividirse en tres partes, que parecen carecer de unidad. Un planteamiento que gana ritmo y tensión por momentos, la escena del intento de agresión al recién nacido es realmente angustiosa, y que acaba por ser totalmente trepidante, nos deja sin respiración. Aquí la que Taylor demuestra que sabe llevar la acción. En la segunda la película parece arrastrarse, en un ritmo lento que pretende generar suspense pero fracasa en el intento. El desenlace recupera el ritmo y tiene un giro narrativo que nadie se esperará, así como algunos momentos muy divertidos. Pero el final resulta como un disparo de fogueo, parece que el director no hubiera sabido como abordarlo.


Por la parte interpretativa hay que subrayar el papel del matrimonio protagonista. Nicolas Cage grita, gesticula y se comporta histriónicamente, y con esto materializa uno de sus mejores papeles de los últimos años. Selma Blair demuestra en este papel ser un  valor desaprovechado de Hollywood. Cage y Blair forman un matrimonio que entra en la madurez, con sus frustraciones y el desengaño de los sueños y expectativas que no se han alcanzado. Y la aparición inesperada de Lance Henriksen redondea la faceta actoral de este trabajo.


Al final nos queda una idea interesante, un inicio trepidante, Nicholas Cage y Selma Blair en un duo interpretativo muy consistente, y unos giros de guión sorprendentes e hilarantes por momentos. Pero a pesar de los muchos buenos ingredientes, es como una salsa que no se llega a ligar, sus 86 minutos entretienen con dificultad y el final resulta decepcionante.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Brian Taylor
  • Guión: Brian Taylor
  • Intérpretes: Nicolas Cage, Selma Blair, Anne Winters, Zackary Arthur, Robert T. Cunningham, Lance Henriksen, Marilyn Dodds Frank.
  • País: EEUU
  • Duración: 86 minutos
  • Música: Bill James Day
  • Fotografía: Daniel Pearl

Trailer:


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