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13 sept. 2018

Carmen y Lola. El duro camino de la libertad


Sinópsis:

Carmen, 17 años, gitana, a punto de "pedirse", no va al colegio "para qué si se va a casar", ayuda a su familia en la venta ambulante. Lola, 16 casi 17, "no mocea", no va "al culto", hace graffitis, quiere ser maestra y viajar, ayuda a su familia en la venta ambulante. Ambas viven en el extraradio madrileño,  fuman a escondidas y se cuestionan su futuro rol de esposas sumisas hacedoras de hijos. Cuando se encuentren deberán replantearse sus vidas y elegir entre su familia y entorno o permanecer juntas.

Crítica / texto:

¿Puede una directora debutante escoltada por un plantel de actores, y sobre todo actrices, amateurs hacer un trabajo de interés? Puede y puede incluso ser nominada a la Golden Camera en Cannes 2018. La historia es sencilla pero no simple. Dos jóvenes adolescentes gitanas se enamoran y han de aceptarlo primero, esconderse después y finalmente enfrentarse a su entorno para ser ellas mismas. Porque son mujeres, gitanas y lesbianas, 3 veces discriminadas.


La historia se desarrolla inicialmente casi en un tono documental, con Carmen preparándose para "pedirse", vestida de princesa de brillos y lentejuelas con una desproporcionada diadema. Esto es en parte debido a la dificultad de rodar de forma académica a un grupo de actores espontáneos, así que Echevarría decidió tomar distancia y dejarles hacer. Pero en el transcurso de la película el tono se torna más interpretativo, quizá también por ser menos coral y más íntimo, alcanzando un clímax dramático que poco a poco se remansa hacia el final de la cinta.


No encontraremos en esta película diálogos extraordinarios, aunque sí frases lapidarias como la que dice Lola en un momento de crisis, "Las gitanas, por no tener, no tenemos ni sueños". No encontraremos tampoco planos de los que hacen historia en el cine, aunque las escenas entre Carmen y Lola se traten con una plástica y delicadeza extraordinarias, no en vano hablamos de los primeros amores adolescentes. 


Hay elementos que nos hablan de la presión y el realojo que han sufrido los gitanos, como la evidente torre de vigilancia en la UVA de Hortaleza por la que Lola pregunta a Paqui, la asistente social. "Ni que fuéramos delincuentes" responderá Lola cuando Paqui se lo explique. Otro reflexión similar la encontraremos en el plano de "El Ruedo" de Moratalaz, donde vive Paqui, con su presencia imponente que parece vigilarnos también. Todo es una alegoría de la vigilancia social, del qué dirá la gente, "todo el mundo lo sabe ya", "no grites, los vecinos están mirando", "no me levantes la voz delante de mis padres". Pero frente a esto están también las metáforas de la libertad, como los pájaros que pinta Lola o los aviones que despegan.


La complicidad entre las protagonistas es muy evidente y permite dar verosimilitud a la historia. La falta de experiencia interpretativa parece haber actuado como un elemento favorable. Es bonito ver cómo se van acercando poco a poco, conociendo, como esconden su amor en una piscina abandonada dónde bailan y juegan, como se buscan en rellanos de escalera y sitios poco transitados, como se fascinan juntas ante pequeñas cosas como el despegue de un avión.


El papel de de los padres de Lola, Flor y Paco, es el contrapunto realista de las protagonistas. Es también un elemento fundamental para aportar credibilidad a la vida de familia. Flor tratando de que su hija estudie y tenga una vida mejor y Paco muy pegado a tierra pensando en que trabaje y se case pronto, ambos siempre movidos por una visión práctica. El crescendo de momentos desgarrados de Rafaela León y Moreno Borja puede parecernos excesivo, pero paradójicamente al mismo tiempo es muy realista y verosímil. El papel de Paqui, Carolina Yuste, es el de la asistente social gitana que tiene una mente más abierta. Trata de que los gitanos mejoren sus vidas, tengan en quién confiar y, si es necesario, salgan de sus barrios para poder vivir sin asfixiarse. Quizá en parte sea porque ella no ha conseguido escapar de "El Ruedo".


Finalmente, la música es un acierto. Era muy fácil caer en la trampa de los tópicos musicales que todos hubiéramos podido esperar y temer. Pero esto no es "El torete" y la directora escoge una música propia del mundo gitano, no comercial. Y buena parte de ella es interpretada por los propios actores que participan en las escenas festivas, y contribuyendo al ambiente de autenticidad que percibimos durante estos 103 minutos.


Aunque la película haya desatado cierta polémica dentro del mundo gitano, ésta no parece justificada. No se presentan los lugares comunes con los que se ha estigmatizado a los gitanos. No se ve delincuencia, ni violencia, ni tráfico de droga, ni navajas, ni clanes enfrentados, ni "destierros". Las familias gitanas se presentan como trabajadoras, procurando llevar comida a la mesa para sus familias, la cultura gitana se muestra como colectiva, festiva y familiar. Pero también se expone como patriarcal y tradicional, lo que la hace complicada para las personas que no se atienen a la tradición, para los "diferentes"y también para las mujeres. Si algo avala la autenticidad en muchas de las escenas es la colaboración de los actores y actrices de etnia gitana que asesoraron a la directora, explicando cómo es una fiesta de "pedío", o cómo algunas escenas previstas no correspondían al comportamiento de una madre gitana y que, gracias a esto, se replantearon. Moreno Borja, que hace de padre de Lola, es gitano y considera que su cultura se ha tratado con mucho respeto.


Un detalle interesante y curioso de cómo se planteó esta película es el trabajo de casting. En la cinta colaboran en torno a 350 amateurs, en su mayoría mujeres, y sólo una actriz profesional, Carolina Yuste. Se entrevistó a unas 1000 personas hasta cerrar el elenco. El trabajo de encontrar a Lola fue sencillo, pero Carmen llevó tantas pruebas que Echevarría estuvo a punto de tirar la toalla, incluso llegó a probar con una actriz pero no encajaba en el conjunto. Una de las grandes dificultades era que las posibles actrices no querían fumar o darse un beso ante la cámara, por el que dirán, por si tenían problemas para casarse en el futuro. En el intento 850 apareció Rosy Rodríguez, que ya había estado casada a sus 17 años y no tenía nada que perder y sí muchas ganas de actuar.


Sólo por la frescura y sinceridad de las protagonistas, por la química que hay entre ellas, esta película merece la pena. Pero este trabajo plantea, de modo delicado y apasionado la mismo tiempo, cómo vive el primer amor una persona adolescente, dentro de una sociedad muy tradicional y sabiendo que su sexualidad tiene una orientación distinta a la aceptada. Arantxa Echevarría logra tejer una historia de interés, y en el proceso saca lo mejor de Zaira Morales y Rosy Rodríguez, Lola y Carmen respectivamente.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Arantxa Echevarría
  • Guión: Arantxa Echevarría
  • Intérpretes: Zaira Morales, Rosy Rodríguez, Carolina Yuste, Moreno Borja, Rafaela León
  • País: España
  • Duración: 103 minutos
  • Música: Nina Aranda
  • Fotografía: Pilar Sánchez Díaz

Trailer:

2 sept. 2018

Hotel Salvación. La muerte como parte gozosa de la vida.

Sinópsis:

Daya tiene 77 años y, tras un sueño recurrente, cree que está preparado para morir y ha de hacerlo en Benarés, a orillas del río Ganges, la "madre Ganges". Su hijo, el ocupadísimo Rajiv, le acompañará en este viaje que no comprende. En esta singular circunstancia Rajiv tendrá ocasión de conocer de otro modo a su padre y replantearse sus prioridades en la vida.

Crítica:

Que tengamos simultáneamente en cartelera dos películas con Adil Hussain (El viaje de Nisha y Hotel Salvación) es al mismo tiempo una afortunada casualidad (Hotel Salvación se estrena en España con dos años de demora), una gran oportunidad para el aficionado al cine y prueba de la pujanza del cine del subcontinente Indio.


Shubhashish Bhutiani debuta como director de largometrajes con esta cinta, rodada con la ayuda del Biennale College del Festival de Venecia. Pero el resultado es tan  redondo que pone el listón muy alto para el director, del que esperaremos grandes cosas en el futuro. Podemos sospechar que este trabajo cae en la lentitud propia del cine oriental, máxime cuando es patrocinado por un Festival, pero el ritmo pausado de esta obra es el adecuado para tratar la cuestión que plantea. A lo largo de su metraje el director y guionista nos habla del conflicto generacional y de la distinta manera de ver la vida y la muerte, pero también de dos Indias, la moderna y estresada frente a la tradicional y enfocada al interior. También nos remite, aunque sea casi tangencialmente, al papel de la mujer en la India, incluso en la versión "moderna" de aquel gran país.



Lalith Behl está genial como Daya, el profesor retirado de 77 años que decide que "está listo para morir". No está enfermo, no "le han tratado mal" en su familia como pregunta su hijo preocupado, no está deprimido, simplemente siente que está preparado para continuar su viaje. El contrapunto lo da Adil Hussain, un ocupadísimo Rajiv que "habla por teléfono mientras come" y que no entiende la visión de su padre. ¿Quién está listo para morir estando sano y bien atendido? Lata es la figura de la esposa práctica que pregunta "¿Cuánto va a durar esto? ¿Por qué no vuelves?" Mientras que Sunita es la nieta, consentida y comprendida por su abuelo que ve las cosas con la distancia de la edad y cierta sabiduría. Rajiv no entiende que su padre haya enseñado a conducir la moto a Sunita. Y, a pesar de abrazar el estilo de vida occidental en cuanto a los valores en la vida, de tampoco entiende que decida no casarse, un regusto de "qué dirá la gente" tan propio de toda esa región con independencia de país, etnia o religión




En Benarés se alojarán en el destartalado Hotel Salvación, dónde sólo puede esperarse la muerte por 15 días. Es allí donde nos damos cuenta que la gente no va a Benarés a morir, va a alcanzar la salvación, de un modo casi festivo. El personaje de Mishraji, que dirige el hotel, es a la vez tradicional y práctico, y aunque al principio parece un charlatán, nos dará algunas lecciones de sabiduría así como de calidad humana. Y finalmente conoceremos a Vimla, es amable y acogedora e invita a comer a Daya y Rajiv. Espera alcanzar la salvación desde que llegó al hotel 18 años atrás, y que vive de 15 en 15 días cambiando de nombre cuando la quincena concluye. Pero no espera la muerte con urgencia, sabe que la muerte llegará cuando esté preparada.  La química entre la Daya y Vimla es evidente, no en vano son marido y mujer en la vida real. 



Durante la convivencia a orillas del Gangés, Rajiv y Daya tendrán ocasión de arreglar y aclarar las diferencias de toda una vida y comprender mejor y perdonar el uno al otro. Al mismo tiempo Rajiv comenzará a poner en perspectiva sus prioridades, valorando más la convivencia con los suyos, que los asuntos profesionales que parecen siempre urgentes.



A pesar de lo aparentemente sombrío del tema hay momentos divertidos y un tratamiento delicado y sutil sin llegar a caer en el sentimentalismo. Los personajes están bien construidos y, con escasos  medios, el director nos presenta los colores de la India, la belleza de su espiritualidad y lo festivo y comunal de muchos de sus cánticos, prácticas y festivales religiosos. 




Y así Bhutiani nos deja con algunas preguntas. ¿se es más feliz con la visión occidental de productividad y progreso? ¿O es mejor seguir un modelo más pausado y centrado en las cosas realmente importantes? ¿Merece la pena huir ante la muerte, que en la actualidad se esconde y se rechaza como si así pudiéramos evitarla? ¿O es mejor abrazarla con la tranquilidad de la paz que nos dará y la esperanza de una vida futura? 


Ficha técnico-artística:

  • Director: Shubhashish Bhutiani
  • Guión: Shubhashish Bhutiani, Asad Hussain
  • Intérpretes: Adil Hussain, Lalit Behl, Geetanjali Kulkarni, Palomi Ghosh, Navnindra Behl, Anil K Rastogi
  • País: India
  • Duración: 102 minutos
  • Música: Tajdar Junaid
  • Fotografía: David Huwiler, Michael McSeweeney

Trailer:

1 sept. 2018

Mamá y papá. Cuando los padres se hartan.

Sinópsis:

Brent y Kendall, un matrimonio razonablemente acomodado, pasan una época complicada con sus hijos, él aún un niño y ella una adolescente en pleno proceso de autoafirmación, al mismo tiempo que sufren una crisis de madurez. Cuando en la ciudad se desata una locura colectiva que provoca que los padres ataquen brutalmente a sus hijos, Carly y Josh, ayudados por Damon el novio de Carly, deberán sobrevivir al asalto asesino y despiadado de sus padres.

Crítica / texto:

Tras casi un año de su visita a Toronto, Nocturna Madrid, Sitges, Terror Donostia... llega a las pantalla esta cinta de Brian Taylor, famoso por sus trabajos de acción, especialmente Crank, el largometraje lleno de testosterona con el que debutó.


El punto de partida de "Mamá y Papá"es interesante. La premisa con la que todos contamos, que nuestros padres nos adoran y harían cualquier cosa por nosotros, se rompe de repente. De modo inesperado los padres se lanzan a una violencia desaforada, dirigida hacia sus hijos. Pero, ¿es algo inesperado? ¿No están los padres frustrados por los sueños y proyectos a los que renunciaron para criar a su familia? ¿Acaso los mayores no envidian la lozanía y pujanza de los jóvenes? ¿Bastan los logros de la descendencia para compensar los propios fracasos o la simple rutina? ¿Pueden los padres dejar de lado que los hijos son absorbentes y desagradecidos al mismo tiempo y no saben apreciar el coste vital que han supuesto para sus padres? A mismo tiempo parece haber una crítica a la típica y aparentemente feliz familia de clase media americana.


Todas estas ideas se incoan de un modo u otro en "Mamá y Papá". Pero tras unas ideas tan interesantes falta un desarrollo apropiado, no sólo de éstas, sino de la propia narración y de su ritmo. El primer defecto que se aprecia y que daría cierta lógica a esta película es saber qué origina este comportamiento. Se intuye que puede deberse a algo emitido por las pantallas, pero no hay una pista clara, aunque dicho "virus" sólo sea la excusa para que los padres puedan liberar la violencia interior contra sus hijos que llevan reprimida.


La película parece dividirse en tres partes, que parecen carecer de unidad. Un planteamiento que gana ritmo y tensión por momentos, la escena del intento de agresión al recién nacido es realmente angustiosa, y que acaba por ser totalmente trepidante, nos deja sin respiración. Aquí la que Taylor demuestra que sabe llevar la acción. En la segunda la película parece arrastrarse, en un ritmo lento que pretende generar suspense pero fracasa en el intento. El desenlace recupera el ritmo y tiene un giro narrativo que nadie se esperará, así como algunos momentos muy divertidos. Pero el final resulta como un disparo de fogueo, parece que el director no hubiera sabido como abordarlo.


Por la parte interpretativa hay que subrayar el papel del matrimonio protagonista. Nicolas Cage grita, gesticula y se comporta histriónicamente, y con esto materializa uno de sus mejores papeles de los últimos años. Selma Blair demuestra en este papel ser un  valor desaprovechado de Hollywood. Cage y Blair forman un matrimonio que entra en la madurez, con sus frustraciones y el desengaño de los sueños y expectativas que no se han alcanzado. Y la aparición inesperada de Lance Henriksen redondea la faceta actoral de este trabajo.


Al final nos queda una idea interesante, un inicio trepidante, Nicholas Cage y Selma Blair en un duo interpretativo muy consistente, y unos giros de guión sorprendentes e hilarantes por momentos. Pero a pesar de los muchos buenos ingredientes, es como una salsa que no se llega a ligar, sus 86 minutos entretienen con dificultad y el final resulta decepcionante.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Brian Taylor
  • Guión: Brian Taylor
  • Intérpretes: Nicolas Cage, Selma Blair, Anne Winters, Zackary Arthur, Robert T. Cunningham, Lance Henriksen, Marilyn Dodds Frank.
  • País: EEUU
  • Duración: 86 minutos
  • Música: Bill James Day
  • Fotografía: Daniel Pearl

Trailer:


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